Sala de Cine

John Cassavetes, torrente cinematográfico

2011-01-28T11:02:00.000-03:00

No hay dudas de que el cine de John Cassavetes no deja indiferente a quien lo vea por vez primera, o lo revisite en una y otra ocasión.
A esta altura del partido, su nombre es mítico ya sea en Hollywood como en cualquier escuela de cine a nivel mundial. Es, probablemente, el referente más presente del llamado “cine independiente” y, sin ninguna duda, un autor cinematográfico.
En 2009, con motivo de la preproducción de mi tesis como realizador audiovisual, descubrí a este cineasta después de pensar en la idea original de nuestro corto. Como la protagonista era una mujer por arriba de los cincuenta, de una presencia y carisma únicos, instantáneamente pensé en una actriz del calibre de Gena Rowlands, y en un film que tenía ciertas similitudes a nuestra idea: Noche de estreno.
Luego, al deleitarme con sus encuadres, su montaje particular, su dirección de actores, su gusto musical, y hasta su propia actuación en algunos films, empecé a ver su filmografía completa y, de paso, a inspirarme y “rendirle homenaje” intentando imitar algunos encuadres y climas en mi tesis.
Dicho esto, y por orden de realización, comparto con Uds. los diez films vistos de éste director, con excepción de dos que aún no pude conseguir: Too Late Blues (1961) y Big Trouble (1986, su última película.)

Shadows (1959)

Su ópera prima. Empezamos a notar su particular modo de filmar. Hay que ver con qué atrevimiento Cassavetes salta el eje una y otra vez, y abruptamente corta una y otra escena, para lograr un entramado sencillo, pero a la vez intenso.

A Child Is Waiting (1963)

Fue el único trabajo supeditado totalmente por la industria. De allí que se lo vea más convencional y “clásico” tras las cámaras.
De cualquier manera, logra transmitir cierta angustia y algunos miserias humanas, y hace brillar a una actriz subvalorada como Judy Garland. A su lado, Burt Lancaster queda opacado. Tal vez, el propio Cassavetes lo hubiese interpretado mejor.
En un papel pequeño, hace su primera colaboración con la obra del artista, su mujer, Gena Rowlands. Vendrían seis películas más en el camino, y una de las relaciones director-actor más fructíferas y talentosas del séptimo arte.

Faces (1968)

En Faces Cassavetes se consagra como director y nos dice “bueno, atención, tengo cosas para decir, y miren cómo las voy a contar…”
Faces es un dramón que refiere a una pareja en crisis y a las relaciones extramatrimoniales, con un carismático John Marley, una bellísima Gena Rowlands, y en un secundario entrañable, la joven actriz Lynn Carlin, que luego no filmó mucho más.
Faces es la película para explorar los recursos visuales y, sobretodo, analizar y subyugarse ante los primerísimos primeros planos que registra el propio Cassavetes, cámara en mano, de uno de sus elencos más brillantes.

Husbands (1970)

Protagonizada por él mismo y por dos de sus actores/amigos: Ben Gazzara y Peter Falk.
Piedra basal de cualquier novela, comedia, film o miniserie que hable de la masculinidad, del hombre como un macho viril, y también como un ser vulnerable y sensible.
De lenta digestión, Husbands abusa de sus más de dos horas, pero a Cassavetes el tiempo no le interesa: su escena cercana a los veinticinco minutos en la que los tres amigos beben y cantan descontroladamente en un bar colmado de gente, es admirable. Uno la ve, y realmente no ocurre mucho más, pero como John sabe filmar y exprimir a cada actor y situación, probablemente sean los mejores minutos del film.

Minnie and Moskowitz (1971)

Traducida como Así habla el amor, está protagonizada por Gena Rowlands (en una de sus primeras variantes de las mujeres que compondría luego en Noche de estreno y en Torrentes de amor) y Seymour Cassel, actor también de Faces y Torrentes de amor.
Desde mi punto de vista, el menos logrado de sus trabajos. Pero claramente, Torrentes de amor parte de las mismas raíces, y ésa será su gloriosa revancha.

A Woman Under the Influence (1974)

Para muchos, su mejor film. Es por el único que consiguió una nominación al Oscar como mejor Director (la otra nominación fue por el guión original de Faces).
Gena Rowlands en su máxima potencia, en un rol envidiado por cualquier actriz que se sienta capaz de explorarse a sí misma y desplegar su galería histriónica y plagada de matices. A su lado, Peter Falk sólo cumple como “actor de soporte”.
Aquí, Cassavetes reafirma su condición de “hago lo que quiero con la cámara”. Y lo hace bien, desde ya.

The Killing of a Chinese Bookie (1976)

Es una película extensa, y se siente como tal. Tampoco me gustó mucho. Vale por sus secuencias embriagadoras en el bar central de la trama. Y es clara referencia para el cine de Martin Scorsese (Buenos muchachos por ejemplo).
Protagonizada por Ben Gazzara, un actor con carisma, pero siempre medido y calculado.

Opening Night (1977)

Gran película gran. Extensa, ambiciosa, virtuosa a nivel visual y sonoro, es Cassavetes ciento por ciento.
Gena Rowlands en su mejor papel. Su Myrtle Gordon está al mismo nivel de la Norma Desmond (Gloria Swanson) de Sunset Boulevard.
Rowlands es magnética. Tiene la belleza pura de una Lauren Bacall, pero la fuerza interpretativa de la mejor Katharine Hepburne. Es el gran papel de su carrera, siempre a criterio personal.
En labores dignas, Gazzara, Cassavetes y una espléndida Joan Blondell.
Opening night tiene toques de Chicago, Being Julia o All about Eve. Pero brilla con su propia fuerza, con esa particularidad y esa pasión que transmite en cada escena –densa, con cadencia, plomiza, embriagadora, magnética– el maestro Cassavetes.

Gloria (1980)

Otro papel para el lucimiento de Gena. Otra tentación para su carrera de actriz. A estas alturas, claramente es su marido el director que más oportunidades le ha dado, y el que más la ha aprovechado, y enhorabuena.
Alguno recordará la remake/homenaje del prolífico Sidney Lumet, con el protagónico de Sharon Stone. Yo no la vi, aunque dicen que es mejor olvidarla. En cambio, he leído auspiciosas reseñas sobre Julia, en la piel de Tilda Swinton, y en una trama muy similar a la de Gloria.
Es un buen film, aunque no sea el Cassavetes en toda su expresión. Podría pasar como film mainstream, tiene buen ritmo y pulso dramático. Tal vez el director buscó un registro más convencional, para llegar a nuevos públicos.

Love Streams (1984)

Torrentes de amor, finalmente. Podría haber sido su despedida, y tal vez lo sea. No vi Big trouble, pero tratándose de una comedia, es probable que aquí Cassavetes haya dejado los últimos rastros de su esencia.
Otro dramón romántico, impecable, apasionante, intenso, cerrado.

Cuando recién había descubierto a Cassavetes, leí una nota al célebre escritor Juan José Saer, en la que hablaba de sus gustos por el cine. Sobre Love Streams dijo que probablemente sea el mejor Cassavetes. Coincido plenamente.
Nuevamente, Gena Rowlands deslumbra, y siempre nos sorprende con algo nuevo, para seguir siendo el estilo de actriz que busca Cassavetes, sin necesariamente repetirse. A su lado, el mismo John coprotagoniza las dos horas de película, y la química que hay entre ambos la convierte en la mejor dupla de su filmografía.

Dossier Woody Allen

2011-01-28T11:01:00.000-03:00

¿Qué se puede decir a esta altura sobre Woody Allen? Hay muestras de sobra de que es un artista, un notable actor cómico -aunque limitado-, un prolífico director cinematográfico y un excelente guionista, sobre todo de comedias cuyos tópicos van y vienen entre las historias de pareja, las infidelidades, las relaciones familiares, el narcisismo, la cultura, los intelectuales y los esnobs, la decadencia y la felicidad -en fugaces y mágicos momentos.- Recientemente, fui viendo todas y cada una de las películas escritas y dirigidas por Woody Allen, que hasta el día de hoy son ¡treinta y ocho! Y en breve se sumará una más, Whatever works, esta vez sin Woody como actor. A modo de análisis variado, aquí van algunas observaciones sobre su cine.

Filmografía y géneros

Woody Allen lleva filmadas 38 películas, de las cuales 30 son comedias y/o comedias dramáticas, y hasta una comedia musical (Todos dicen ¡te quiero!), y un falso documental (Zelig). Las restantes 8 son dramas, a saber: Manhattan, Match Point, Crímenes y Pecados, Maridos y Esposas, Interiores, La otra Mujer, El sueño de Cassandra y Septiembre. Diferenciando las comedias humorísticas de las de tintes dramáticos, podemos ubicar en la primera columna a Disparos sobre Broadway, Bananas, Ladrones de medio pelo, El Dormilón, Robó, huyó, y lo pescaron, La última noche de Boris Gruschenko, Vicky Cristina Barcelona, Broadway Danny Rose, Sombras y Niebla, Misterioso asesinato en Manhattan, La maldición del escorpión de Jade, La mirada de los otros, Scoop, Todo lo que Ud. Siempre quiso saber sobre sexo… ¡y no se animó a preguntar!, y ¿Qué paso con Tiger Lily? Mientras que a la segunda columna pertenecen Annie Hall, dos extraños amantes, Hannah y sus hermanas, Días de Radio, La Rosa púrpura del Cairo, Los secretos de Harry, Celebrity, Recuerdos, Poderosa Afrodita, Comedia sexual de una noche de verano, Melinda & Melinda, La vida y todo lo demás, Alice y Dulce y melancólico.

Allen y el Oscar

Como actor, Woody Allen formó parte de 27 películas suyas, y consiguió 1 nominación al Oscar por mejor actor principal de Annie Hall. Como director, Allen cuenta con 6 nominaciones al Oscar: Annie Hall, Interiores, Broadway Danny Rose, Hannah y sus hermanas, Crímenes y Pecados y Disparos sobre Broadway. Como guionista consiguió nominaciones por los 6 films respectivos, cosechando tres Oscar, un par por Annie Hall (única estatuilla a mejor director) y la tercera por el guión de Hannah y sus hermanas. El premio a mejor guión por Annie Hall fue compartido con su co-guionista Marshal Brickman, con quien además co-escribió Manhattan y Misterioso asesinato en Manhattan. Pero a esas 6 nominaciones al mejor guión original se le suman 9 más a lo largo de su carrera, por las historias de Manhattan, Match Point, Maridos y Esposas, La Rosa púrpura del Cairo, Poderosa Afrodita, Los secretos de Harry, Días de Radio y Alice. Es decir que como guionista, Allen lleva el récord de ¡14 nominaciones al Oscar! Más otras 6 como director, y 1 como actor, suma un total de 21 nominaciones a los premios de la Academia.

Mia Farrow vs. Diane Keaton

Sus dos actrices con más protagónicos y/o secundarios. Farrow aventaja a Keaton, con 12 trabajos sobre 7, sin contar la participación de Mia en el mediometraje de Allen hecho especialmente por ese trío reunido en Historias de Nueva York, conformado por él, Martin Scorsese y Francis Ford Coppola.
Analizando con lupa, Farrow empezó con una actuación tibia en Comedia sexual…, pero enseguida vendría su desparpajo y matiz de comediante en Zelig y Broadway Danny Rose, aunque deslucida en obras mayores del cineasta como Hannah y sus hermanas (paradójicamente ella era Hannah, pero el film se lo robaban los secundarios de Wiest, Caine, Allen e inclusive Barbara Hershey) o en Crímenes y pecados. Pero realmente me convencí de que era una notable actriz en La Rosa púrpura del Cairo, en un papel muy bello al que supo dotarle sus mejores emociones. Y una mención especial merece esa chica ligerita de Días de Radio, un rol que el Woody guionista desarrollaría mucho tiempo después, con un perfil similar, para la prostituta de Mira Sorvino en Poderosa Afrodita.
Y Diane… ¡Diane! Sin duda una de las grandes comediantes de Hollywood de todos los tiempos. Woody pensó en ella desde el guión de Annie Hall, y es sabido el dato de que el verdadero apellido de Diane es Hall, y que la llamaban Annie. En esta obra maestra, melancólica, romántica, y también cruda y sincera, tanto ella como él componen de maravillas a esos “dos extraños amantes” del subtítulo. Diane ha brillado en cada film de él, exceptuando tal vez su rol híbrido en Interiores, opacada por la enorme Geraldine Page. Pero al lado de Allen siempre fue la compañera con mayor química y gracia. Como prueba, sus primeros filmes juntos: La última noche… y El dormilón. Y luego de Annie Hall, esa otra maravilla que es Manhattan.

Los Secundarios, el gran mérito del “Woody director de actores”

Cómo olvidar a Dianne Wiest (la hermana enamoradiza y limitada en Hannah…, o la diva del teatro en Disparos…), Judy Davis (esposa insatisfecha en Maridos… y en Celebrity), Mira Sorvino (la simpática “mujer de la calle” de Poderosa…), Penélope Cruz (la loca María Elena de Vicky Cristina…), Chazz Palmintieri y Jennifer Tilly (el gángster “dramaturgo” y la novata actriz insoportable en Disparos…), Sydney Pollack (su mejor rol como actor, en Maridos…), Jeff Daniels (el galán salido de la pantalla en La Rosa…), Mariel Hemingway (lolita en Manhattan), Maureen Stapleton (la nueva esposa en Interiores), Louise Lasser (gran comediante en Bananas y Todo lo que Ud…)

Los álter ego

Allen ha protagonizado 24 de sus filmes, y participaciones breves en un par (Dulce y melancólico y ¿Qué pasó Tiger Lily?, su ópera prima).
Cualquier fanático sabe que siempre hace de él mismo, o del personaje que se construyó desde Robó, huyó y lo pescaron. Aunque ha revelado algunos matices dramáticos en Maridos y Esposas, Manhattan o Recuerdos. Pero jamás encarnó un rol completamente dramático. En algunas ocasiones, ese personaje que tantas veces “vivió”, fue sostenido por las corazas de otros actores, como ocurrió con Michael Caine en Hannah y sus hermanas, John Cusack en Disparos sobre Broadway, Kenneth Branagh en Celebrity, Tobey Maguire en Los secretos de Harry, Jason Biggs en La vida y todo lo demás, Will Ferrel en Melinda & Melinda y, el último caso, Larry David, en la inminente Whatever works.

Profundidad de diván

Radiografías de pareja, y caigo en un lugar común (pero no encuentro otro término) para definir los inmensos trabajos que construyó desde su hora más temprana, en algún que otro relato de Todo lo que Ud siempre quiso saber sobre sexo…, o en la disparatada relación con Louise Lasser en Bananas.
Woody se fue afirmando en ese terreno tan íntimo y tan puertas adentros, empezando con las confusas infidelidades de Comedia sexual…, y luego centrándose en la pareja, con maestría de experto en Annie Hall, Manhattan, Crímenes y pecados, Hannah y sus hermanas, Maridos y Esposas, La otra mujer, hasta llegar a sus últimos trabajos, ya más "lavados", menos intensos, o con el discurso demasiado reiterativo.

Recuerdos

Pero también en el plano melancólico y familiar Allen fue maestro y artista. Relatos familiares ricos en anécdotas y aventuras en Días de Radio, historias fantásticas mezcladas con romances platónicos en La Rosa púrpura del Cairo, o el atractivo mundo del teatro movido por el hampa en Disparos sobre Broadway, o lograr “un canto a la vida y al amor” con Todos dicen ¡te quiero!

Similares pero tan distintas

El sueño de Cassandra tiene mucho del clima de Matcha Point así como ésta es pariente fiel de Crímenes y Pecados.
O Celebrity está hermanada en muchos sentidos con Maridos y Esposas, y Ladrones de medio pelo comparte varios genes con Robó, huyó y lo pescaron.
Asimismo, Woody ha hecho grandes homenajes a Ingmar Bergman, en los dramas Interiores, Septiembre y La otra mujer, o uno bien evidente al Ocho y ½ de Fellini en Recuerdos.
Y aunque le de vergüenza, o sea una pose de falsa modestia, muchos críticos lo han relacionado con los hermanos Marx o con Buster Keaton. Dichos artistas, junto a Vittorio De Sica o John Huston, entre algún que otro más, han sido referencias constantes y maestros desde siempre en el camino de Woody.

Luces sobre ellos

Sí, Scarlett es una delicia visual, pero nadie la ha vuelto a retratar como Allen en Match Point. O bien Charlize Theron, antes del Oscar y de los papeles serios, nunca fue tan amada por la cámara como él la registró en Celebrity, donde brillaba en cada fotograma al mejor estilo Marilyn. Difícil también despegar de un papel tan increíblemente bello, expresivo y natural como el de Diane Keaton en Annie Hall. Keaton pudo, aunque costó.
¿Pero acaso Mariel Hemingway pudo después de esa niña/adulta tan tierna de Manhattan? ¿La han visto a Judy Davis tan firme y convincente como en Maridos y Esposas? ¿Qué papel interesante tuvo Mira Sorvino luego de Poderosa Afrodita? ¿Y la genial Jennifer Tilly, después de Disparos sobre Broadway?
Grandes sorpresas fueron Elaine May y Tracey Ullman en Ladrones de medio pelo, o Colin Farrell y Jonathan Rhys-Meyers en Cassandra y Match Point, respectivamente.
¡Ni hablar de Mia Farrow! Su carrera no sería ni remotamente lo que fue sin cruzarse con el maestro. O el entrañable Alan Alda, siempre cálido y efectivo bajo las paletas que le ha permitido mostrar Allen. O la garantía de actuación que ha sido Diane Wiest en cada participación que obtuvo.

¿Qué le queda por contar al Sr. Allen? ¿Qué cuentas pendientes pueden quitarle el sueño? ¿Con quién le queda medirse? ¿Qué otra barrera puede cruzar, después de tanto andar? Woody es materia bruta, de análisis, de objeto de admiración, de estilo, modelo, género, de aprendizaje, de diversión, de gracia, de arte. Puede ramificarse demasiado. Esto es un pequeño conglomerado de ciertas cosas a las que ha ido moldeando, con las mejores armas, las legítimas, las de la vida misma, y las de su propio y poderoso ingenio, talento, astucia y verdad.

Woody Allen, señoras y señores.

Ultimos visionados, del '70 a hoy

2010-07-29T16:51:00.016-03:00

La Conspiración
Rod Lurie

La culpa es de Fidel
Julie Gavras

Regreso sin gloria
Hal Ashby

El último deber
Hal Ashby

Hud
Martin Ritt

Norma Rae
Martin Ritt

Sin miedo a la vida
Peter Weir

La pivellina
Tizza Covi – Rainer Frimmel

35 Rhums
Claire Denis

Tucker: un hombre y su sueño
Francis Ford Coppola

Justicia para todos
Norman Jewison

Glenda Jackson: la actriz sobrevalorada

2010-07-07T13:04:00.004-03:00

Sí, tiene una presencia notable. Y una voz única. Sus miradas son intensas. Claramente es una actriz con carácter.
Y, en general, a sus papeles les ha impregnado esas dosis de tenacidad, de mujer fuerte, con personalidad.
Pero cuando hablo de “sobrevalorada”, me refiero al reconocimiento excesivo que ha tenido esta actriz británica en cuanto a premios se refiere.
Recientemente vi las dos películas que le valieron sendos premios Oscar como mejor Actriz, en las entregas de 1971 y 1974.
Por un lado, Mujeres enamoradas, dirigida formidablemente por Ken Russell (Tommy), un film definitivamente “de avanzada” para la época. Con todo, del cuarteto protagónico, apenas si sobresale la Jackson, y es sin duda alguna opacada por una jovencísima y pocas veces más vista, la actriz Jennie Linden. Jackson es casi secundaria, y realmente no descolla en ningún momento. Su actuación es medida y correcta, no más.
Si vamos a las comparaciones (sí, son útiles en cuanto a “premios” refieren), Glenda competía con Sarah Miles por La hija de Ryan, Ali MacGraw por Love Story y Jane Alexander por La gran esperanza blanca. Injusto.
Pero aún considero menos justificado su lauro a mejor Actriz por un rol mediocre en una comedia idem, que en su momento hizo mucho ruido, y que al verla hoy (sí, tal vez el paso de las décadas no ayuda) genera un mal sabor al espectador. Me refiero a Un toque de distinción, dirigida por Melvin Frank y coprotagonizada por un insoportable George Segal.
Aquí la Jackson se nivela con su compañero en un “duelo” típico de guerra de los sexos y de opuestos enfrentados bastante pobre, acudiendo a gritos y morisquetas que dan pena.
Por esas injusticias de los premios, otra vez, Glenda competía por ejemplo con Ellen Burstyn por El exorcista, Joanne Woodward por Deseos de verano, sueños de invierno y Barbra Streisand por Tal como éramos.

Como dato curioso, hay que decir que ninguna de las dos veces fue a recibir el Oscar. En la misma actitud rebelde y contra la corriente de Katharine Hepburne, también galardonada cuatro veces con el premio mayor, y también alguna vez con cierta injusticia (porque por Sabes quién viene a cenar? no lo merecía.)

Yo me quedo, mejor, con sus otros dos trabajos nominados al Oscar, por los que no ganó: Domingo maldito domingo, de John Schlesinger, y Hedda, sobre la mítica heroína del teatro Gabler.

Familia rodante, sobre Running on Empty, de Sidney Lumet

2010-07-06T16:46:00.005-03:00

En Argentina la conocimos como Al filo del vacío. En España la rebautizaron Algún lugar en ninguna parte. Su título original es Running on empty, y es sin dudas, el film de la semana en mi blog.
Del prolífico Sidney Lumet, con un magnífico guión de Naomi Forner, y los protagónicos de River Phoenix, Judd Hirsch (impecables ambos) y Christina Lahti (luminosa y notable).
Lumet prioriza la bella y original historia, sin lucirse a nivel visual, como en otras tantas obras suyas. Con todo, y sin ser un film de enorme presupuesto ni mucho menos, el film se gana el corazón del espectador, en una historia conmovedora y fuerte, que nos habla de ideales, sueños, talentos y amores encontrados.
Nominada al Oscar a mejor Actor Secundario (River Phoenix, aunque es protagónico) y a mejor Guión original (perdiendo ante la inferior trama de Rain Man).
Debió haber sido nominada, sin dudas, Christina Lahti, también.

Véanla.

Boyz n the Hood / Los dueños de la calle / Los chicos del barrio

2010-06-26T20:55:00.003-03:00

Nominada al Oscar en 1.992 a la mejor Dirección y al mejor Guión original, ambos méritos de su realizador, John Singleton.
Entonces, dicho cineaste contaba con ¡24 años! Superó en edad a Orson Welles, quien fuera nominado en las mismas categorías por El Ciudadano (y levantaría su único Oscar por el guión de dicho film). Welles contaba con 26 años.

Singleton, además, fue el primer director afroamericano en conseguir la nominación al mejor Director. Recién este año, Lee Daniels lo secunda por su labor en Preciosa.
Boyz N the Hood fue una soñada ópera prima que, más allá de su virtuosismo y originalidad, sirvió como puntapié inicial para las carreras de Lawrence Fishburne, Ice Cube, Angela Basset y Cuba Gooding, Jr., en uno de sus papeles más medidos y logrados.

Sala de Cine recomienda, con viento a favor!

A SINGLE MAN / SÓLO UN HOMBRE, de Tom Ford

2010-05-10T00:36:00.003-03:00

El 22 de abril del corriente, se estrenó en mi país A Single Man, bautizada aquí como Sólo un hombre. Y mis ansias por verla venían creciendo desde que su protagonista, Colin Firth, fuera premiado con la Copa Volpi al mejor actor en el Festival de Venecia, en septiembre de 2009. Por otra parte, era la ópera prima del diseñador de moda Tom Ford, y los elogios hacia él no tardaron en expandirse a lo largo del mapa mundial.

Sólo un hombre se ubica entre esos filmes de estudiada factura, donde desde el diseño de producción hasta la banda sonora, pasando por la fotografía y el vestuario, brillan por su presencia en relación al espacio temporal de la trama.
Basada en la novela de Chistopher Isherwood, la adaptación se centra en la vida del profesor de literatura George Falconer, quien deprimido por la muerte de su pareja Jim (Matthew Goode), decide ponerle fin a su propia vida, mientras rememora momentos felices en concubinato. En esos días decisivos, deberá enfrentarse con una amiga que lo desea, en la piel de una breve pero precisa participación de Julianne Moore, y el flirteo con un alumno de su clase, en el rol de Nicholas Hoult, el carismático partenaire de Hugh Grant en Un gran chico.

A Single Man está tan bien filmada, tan precisamente dirigida, con un elenco tan medido y correcto, pero por otro lado pierde en emoción y en dramatismo. Firth está muy bien, pero no deja de encarnar a un personaje bastante meditado y contenido, y ello se percibe hasta en las escenas de mayor sensualidad, o en la química lograda a medias con la amiga que encarna Julianne Moore. Por momentos, recuerda a aquel film protagonizado por esta última, Lejos del paraíso, y la sensación como espectador es similar.

Ford consigue un melodrama gélido, con buenas intenciones y los mejores recursos, pero promediando el film, hay escenas soporíferas que restan al producto final. Y la trama carece de giros y situaciones de mayor relevancia, por lo cual, a la media hora de visionado, ya está prácticamente todo dicho.

Deliver Us from Evil – The Cove

2010-03-24T12:33:00.005-03:00

Tiempo atrás, vi por primera vez Capturando a los Friedman. Llegó a mis manos casi de casualidad, y tuve que hacer un esfuerzo por verla, ya que no me atrae el género “documental”, o mejor, priorizo siempre las películas de ficción.
Quedé maravillado por esa historia, por el registro, los testimonios, las dudas, ambigüedades, y también los hechos, las pruebas, las causas y consecuencias.
Fue tal el impacto que generó en mí como espectador, que quise seguir alimentándome de otros films así de contundentes e intensos. Y por ese camino descubrí a Líbranos del mal (Deliver Us from Evil, 2007), de la realizadora Amy Berg, y nominado al Oscar.
Cito la sinópsis de Film Affinity: “Documental sobre los escándalos sexuales de la Iglesia Católica en Estados Unidos. […] Narra la historia del padre Oliver O’Grady, el más conocido pedófilo de la historia de la iglesia moderna. Depredador sexual compulsivo, carente de remordimientos, O’Grady usó su encanto y su autoridad como líder religioso para violar a docenas de niños de familias católicas por todo el norte de California durante más de 20 años. A pesar de los indicios y las quejas de varios feligreses, la jerarquía de la Iglesia urdió un elaborado plan para enmascarar sus delitos y desacreditar a sus acusadores mientras trasladaban al padre O’Grady de parroquia en parroquia. Unos documentos internos de la iglesia demuestran que violó y sodomizó con el pleno conocimiento de sus superiores. La directora Amy Berg contactó con el padre O’ Grady, y milagrosamente le persuadió para que interviniera en el rodaje del documental. Utilizando su escalofriante testimonio como punto de partida, la película expone el alto nivel de corrupción dentro del seno de Iglesia Católica, y anima a alguna de las víctimas a narrar sus desgarradoras experiencias.”
El film transmite una impotencia por la desidia y la simulada ceguera del alto clero que indigna, y los testimonios de las víctimas, hoy convertidos en adultos, son conmovedores. El momento de mayor crudeza llega cuando varios de ellos, con la ayuda de un sacerdote, redactan una carta dirigida al Papa, y viajan especialmente al Vaticano para ello. Sean testigos Uds. mismos de lo que ocurre. De visión obligatoria, sobretodo en escuelas de sacerdocio, aunque eso no vaya a suceder.
Asusta el dato del porcentaje de víctimas que callan sus testimonios de por vida, y que ronda un 80%.
En un registro bien diferente, con una mayor producción, y avalado por varios organismos no gubernamentales, quise ver el largometraje documental ganador del Oscar en la última entrega, La caleta (The cove, 2009).
Dirigido por el antiguo fotógrafo de National Geographic Louis Psihoyos, quien contactó al que fuera el adiestrador de Flipper, el encantador delfín que dio origen a la emblemática serie, y que actualmente se muestra arrepentido por haber formado parte del inicio de un mercado industrial poderoso a partir de la imagen de los delfines, y lo que devino de allí: acuarios, pesca ilegal, peligro de la especie, etc.
El film documenta la matanza de más de 23.000 delfines en una caleta en Taiji, Wakayama (Japón). Dicha caleta es de acceso denegado, y a Psihoyos y equipo se les ocurre infiltrar micrófonos submarinos y cámaras de alta definición camufladas como rocas.
La contundencia de las imágenes registradas da pavor. Ver una porción de mar teñida de rojo es de un impacto pocas veces visto.
Desde ya, aquí también visita al espectador la impotencia, al ver cómo los funcionarios japoneses hacen y deshacen a su antojo sin ninguna ley que se los impida.
Dos películas muy fuertes, pero realmente necesarias, dignas y honestas.

El suplicio de una madre, sobre PRECIOUS, de Lee Daniels

2010-02-15T22:20:00.003-03:00

Tranquilamente, podríamos establecer una analogía entre la sufrida protagonista de Precious y la conflictiva joven de Rosetta. Pero, a ver, aclaremos algo, para evitar suspicacias y controversias: no se trata de comparar la filmografía de Lee Daniels -afroamericano con dos films en su haber, y segundo en su raza en competir por el Oscar a mejor Director- y los hermanos Dardenne -ganadores dos veces de la Palma de Oro en Cannes.- No establecerémos aquí las virtudes y defectos del cine de autor que pueden practicar los Dardenne, o del patchwork narrativo al que nos somete Daniels.
Se trata, simplemente, de enfocar la cuestión de un modo más original, pues quien haya visto ambos films, bien sabe que los roles de Gabourey Sidibe (nominada con justicia al Oscar) y Émilie Dequenne (ganadora como mejor Actriz en Cannes '99) son víctimas de un atroz círculo social y familiar.
Siguiendo con la línea trazada: ¿por qué Precious es considerada por algunos como “pornografía audiovisual” y Rosetta es una “obra maestra”? Seguramente, porque Precious tiene un nivel de explicitud y de morbo que los Dardenne siempre evitarían. Sin embargo, ambas logran sus objetivos: en determinado momento, sus protagonistas, o las circunstancias dadas, explotan.
Precious tiene el dialecto, los mohínes y ciertos clichés de los films encabezados por actores negros en personajes marginados. Desde Haz lo correcto hasta Hustle & Flow, pasando por Boy’z N the hood o Sugar, pero con la diferencia de que aquí las que llevan las riendas, para bien y para mal, son mujeres. La potencia de Mo’nique es arrasadora. Desde miradas gélidas hasta sonoros improperios, demuestra en presencia y esencia a una madre de temer, y logra que Faye Dunaway interpretando a Joan Crawford en Mamita querida parezca una serena mujer. Gabourey Sidibe, como esa hija sufrida y humillada, tiene la difícil tarea de enfrentarse a la amargura de su contexto, y esta joven sabe explotar todos los matices posibles, con el cuerpo y el alma.
Daniels, por si quedan dudas, no se mide. Va a los extremos, y sin ningún reparo hace uso alguno de la mesura. Antes que él, su guionista Geoffrey Fletcher lo precede. Y primera en el podio, Sapphire, la poetisa debutante en la novela con Push, el libro que inspiró al director para registrar las peores miserias.
Sabiendo lo sabido, entendiendo y siendo concientes de qué trata el film, y cual es el registro elegido, queda en los espectadores juzgarlo a Daniels.
Si Danny Boyle generó una guerra sin fin de polémicas con la mucho más discreta Slumdog millionaire, Precious seguramente será más recordada por el ruido que ha generado.
Lo dicho: el film está bien actuado y dirigido, y hasta escrito, con sus licencias y sus elecciones. Pero también, y a diferencia del film de Boyle, hay en Precious un film mucho más permeable a los odios y rechazos, a las polémicas y a los fervores, y todo ello opaca lo que queda con el tiempo, o no. Y Precious no será recordado como un film trascendental.

Al filo del peligro, sobre VIVIR AL LÍMITE, de Kathryn Bigelow

2010-02-13T01:49:00.005-03:00

Vivir al límite -The hurt locker para los amigos- pasará a la historia como la primera película en la que una directora consigue el Oscar a mejor dirección. Es lo más probable, a estas alturas, y según los premios previos, las críticas, y el viento a favor.

Ahora bien: ¿es el film de Kathryn Bigelow un gran trabajo? Bueno, ella lo cumple con eficacia, pero cuesta pensar en esta obra como grande, como trascendental, y probablemente, en su sentido global, de aquí a un par de años no conserve el prestigio del que hoy parece gozar.

Aclaro, es un film digno, muy bien realizado, más que correcto, con varias secuencias tensionantes, y un elenco sólido. Pero personalmente considero demasiado la probabilidad de que gane el Oscar a la mejor Película. No lo es, y desde aquí empiezo a hacer más fuerzas que nunca por Bastardos sin gloria, el único film que saca varias cabezas de ventaja, a medida que voy viendo en pantalla grande, como corresponde, a sus competidoras.

Los que ya la han visto, y han vivido el ritmo y la tensión de los tres soldados de Vivir al límite, coincidirán conmigo en que los puntos altos son un logradísimo comienzo, con actor invitado incluído (Guy Pearce), así como también la secuencia en el desierto, con otra participación breve, esta vez de Ralph Fiennes, o un sentido dramatismo en las escenas en que el protagonista encuentra a un niño con una bomba en su vientre. Mientras que promediando el film, los últimos momentos de acción no defraudarán.

La cámara en constante movimiento, algunos encuadres virtuosos, el finísimo trabajo sonoro, y una edición impecable, hacen el resto.

¿Alcanza? Supongo que a esta altura, ya es cuestión de gustos. Bigelow la tiene clara, y así se termina de consagrar con un material que sabe manejar muy bien. Su Oscar como directora puede que sea inobjetable, aunque otra vez insisto con lo dicho sobre los Bastardos, y yo no he visto aún a un realizador que supere al soberbio de Tarantino.

Jeremy Renner es el líder que el escuadrón, y el film, necesita, con todos sus diálogos y momentos que en ocasiones transitan el cliché. Es un rol interesante, pero tampoco lo considero digno de nominación. Anthony Mackie y equipo lo secundan con oficio.

The hurt locker es un buen producto. No le es indiferente al espectador. Pero no es un film redondo. Tal vez la falla venga desde el guión, porque visualmente, Bigelow demostró que pudo hacer lo mejor que pudo, y verdaderamente no es poco, sino todo lo contrario.

Best Supporting Actor

2010-02-10T11:09:00.003-03:00

A esta altura, hablar del Oscar a Christoph Waltz como mejor secundario es casi una redundancia. Es algo tan previsible y conocido que pareciera que la ceremonia ya ocurrió, hace un buen tiempo. Sin embargo, aún queda un mes, pero él ya tiene su trofeo asegurado.
Lo dije en su momento, cuando vi Bastardos sin gloria en un cine, y luego lo expresé aquí mismo: "No se pierdan a uno de los villanos más increíbles de la historia del cine –sí, no exagero- en la piel del desconocido Christoph Waltz." Sala de Cine, 03/10/09.
Sin miedos afirmo que supera en crueldad y en soberbia interpretativa los muy lucidos trajes de Heath Ledger y Javier Bardem, y es claro que el film no sería lo mismo sin él (esto también les cabe a los otros dos, ojo.)
Ante semejante potencia, los restantes cuatro también le sirven de escolta, al igual que las chicas con Mo'nique. Pero quiero dejar en claro que me parece vergonzosa la nominación a Matt Damon. No puedo comprenderla, sepan disculpar. Mi lógica y mis sentidos no la entienden. Me parece una elección nefasta. Es injusto para los otros nominados, con sus lugares bien ganados, y mucho más aún, para los que quedaron afuera, a saber: Christian McKay (Me and Orson Welles, buena sorpresa hubiera sido); Alfred Molina (An education); Alec Baldwin (It's complicated, una lástima, su nominación hubiese significado una mayor amplitud de selección); Anthonie Mackie (The hurt locker).
Con todo, es una alegría ver "el debut" en Stanley Tucci y Christopher Plummer, y la segunda vuelta para Woody Harrelson, que viene a representar al actor que renace después de estancarse un poco, como ocurriera meses atrás con Downey Jr., Baldwin o Matt Dillon.
No quiero que aquí haya sorpresas, y creo que a la mayoría nos pasa, a diferencia del sinsabor que puede generarnos la victoria de Mo'nique. En este caso, queremos que gane Christoph Waltz, y que pronuncie un discurso políglota, como su camaleónico Coronel Landa.

Best Supporting Actrees

2010-02-09T10:04:00.002-03:00

Analizando categorías que importan

¿Qué serían los Oscar sin el mejor actor, la mejor actriz, el mejor secundario, la destacada de reparto? No serían Oscars, sino algo insípido y aburrido.
Entonces, analicemos de lleno esos cuatro rubros que valen las más de tres horas de ceremonia, a pesar de que cada año, haya mínimo dos de los cuatro con ganadores previsibles y casi indiscutidos.

Best Supporting Actrees

Será Mo’nique, sin dudas. Las otras cuatro la escoltan. Hay dos que la acompañaron en diversos premios, una que resaltó promediando las nominaciones, y una única sorpresa, más que bienvenida.
Mo’nique es la Jennifer Hudson del año. Actriz consolidada por otros medios (la tv aquí, la música en el caso de Hudson), afroamericana, debutante prácticamente en cine, con un papel a medida que sabe explotarlo hasta lo soberbio. Dreamgirls era un film menor, Precious... está por verse, pero Mo’nique ha sido una gran embajadora, y ha ganado del primero al último premio al que ha sido nominada, caso similar al de Hudson, con la diferencia que aquella podía caer en los Oscar si Adriana Barraza o Rinko Kikuchi se convertían en sorpresas en favor de Babel.
Nadie recordará a Mo’nique de aquí a dos años, como sucedió con Hudson (¿alguien la ha visto más allá de su triste papel en el film de Sex & the City?), pero se puede decir que al menos en este caso, en los rubros secundarios, la Academia se permite premiar realmente “lo mejor del año”, y no teniendo en cuenta trayectorias o deudas, como suele ocurrir en ocasiones en los rubros actorales principales.
Desde ya que Mo’nique no está a la altura de una trayectoria como la de Julianne Moore, ninguneada por los Oscar, y cierto es que Penélope Cruz y Vera Farmiga ya están bien sólidas, con varios proyectos por delante. El caso es que si realmente Mo’nique compone un notable papel, la Academia la premiará el 7 de marzo, y luego, si te he visto, no me acuerdo. Y no está mal que así sea.

Sensaciones
No me gustó que nominen a Penélope Cruz. Es claro que está de moda. Menos si tenemos en cuenta que afuera quedó Julianne Moore o Samantha Morton. Hasta hubiera preferido alguna sorpresa como Judi Dench, o el dúo de Bastardos sin gloria (Laurent y Kruger), o Susan Sarandon...
De todos modos, sí fue una alegría ver entre las cinco a Maggie Gyllenhaal. Actriz ascendente, gran soporte de Jeff Bridges, literalmente, es una buena oportunidad para que le ofrezcan mejores papeles.

Utopía: ver triunfar a Anna Kendrick, por su hermoso papel en Amor sin escalas, o a Vera Farmiga, en menor medida.

Otros premios cantados en la historia de la categoría:

Mercedes Ruehl, The fisher king
Jennifer Connelly, A beatiful mind
Renée Zellweger, Coldmountain
Rachel Weisz, The constant gardener

Mis Apuestas finales: todas las categorías

2010-01-30T02:21:00.003-03:00

Actriz secundaria
VERA FARMIGA // UP IN THE AIR
MAGGIE GYLLENHAAL // CRAZY HEART
ANNA KENDRIK // UP IN THE AIR
JULIANNE MOORE // A SERIOUS MAN
MO'NIQUE // PRECIOUS: BASED ON THE NOVEL PUSH BY SAPHIRE

Actor secundario
WOODY HARRELSON // THE MESSENGER
CHRISTIAN McKAY // ME AND ORSON WELLES
CRISTOPHER PLUMMER // THE LAST STATION
STANLEY TUCCI // THE LOVELY BONES
CRISTOPH WALTZ // INGLOURIUS BASTERDS

Actriz principal
SANDRA BULLOCK // THE BLIND SIDE
CAREY MULLIGAN // AN EDUCATION
GABOUREY SIDIBE // PRECIOUS: BASED ON THE NOVEL PUSH BY SAPHIRE
MERYL STREEP // JULIE & JULIA
ROBIN WRIGHT PENN // THE PRIVATE LIVES OF PIPPA LEE

Actor principal
JEFF BRIDGES // A CRAZY HEART
GEORGE CLOONEY // UP IN THE AIR
COLIN FIRTH // A SINGLE MAN
MORGAN FREEMAN // INVICTUS
JEREMY RENNER // THE HURT LOCKER

Director
KATHRYN BIGELOW // THE HURT LOCKER
JAMES CAMERON // AVATAR
MICHAEL HANEKE // THE WHITE RIBBON
JASON REINTMAN // UP IN THE AIR
QUENTIN TARANTINO // INGLOURIOUS BASTERDS

Película
(500) DAYS OF SUMMER
AVATAR
DISTRICT 9
THE HURT LOCKER
INGLOURIUS BASTERDS
INVICTUS
PRECIOUS: BASED ON THE NOVEL PUSH BY SAPHIRE
UP
UP IN THE AIR
THE WHITE RIBBON

Guión Adaptado
AN EDUCATION
A SINGLE MAN
DISTRICT 9
PRECIOUS: BASED ON THE NOVEL PUSH BY SAPHIRE
UP IN THE AIR

Guión Original
(500) DAYS OF SUMMER
A SERIOUS MAN
THE HURT LOCKER
INGLOURIUS BASTERDS
UP

Montaje
Avatar
The hurt locker
Inglourious Basterds
Star Trek
Up in the air

Fotografía
A serious man
Avatar
Inglourious Basterds
Nine
The white ribbon

Dirección Artística
A single man
Avatar
Harry Potter and the Half-Blood Prince
Inglourious Basterds
Nine

Vestuario
Brigh star
Coco avant Chanel
The imaginarium of Doctor Parnassus
Nine
The Young Victoria

Banda sonora
A serious man
Avatar
The informant!
Up
Where the wild things are

Canción
Avatar (I see you)
Brothers (Winter)
Crazy heart (The weary kind)
Nine (Cinema Italiano)
Where the wild things are (All is love)

Maquillaje
District 9
The imaginarium of Doctor Parnassus
Star Trek

Efectos Visuales
Avatar
District 9
Star Trek

Mezcla de Sonido
Avatar
District 9
The hurt locker
Inglourious basterds
Star Trek

Edición de Sonido
Avatar
District 9
The hurt locker
Transformers: revenge of fallen
Star Trek

Film de Animación
Cloudy with a Chance of Meatballs
Coraline
Fantastic Mr. Fox
Ponyo
Up

Documental
The cove
Food Inc
The most dangerous man in America: Daniel Ellsberg and the Pentagon Papers
Every little step
The beaches of Agnes

Film en Idioma Extranjero
A prophet – Francia
Ajami – Israel
Samson & Delilah – Australia
The secret in their eyes – Argentina
The white ribbon – Alemania

El turista accidental, sobre AMOR SIN ESCALAS, de Jason Reitman

2010-01-28T23:06:00.004-03:00

Amor sin escalas invita al buen cine, a apreciar una buena comedia, con buenos actores, un buen guión y una buena dirección. Amor sin escalas es una buena idea...
Ok, partamos de la base: ¿existen hombres, como George Clooney, con ese tipo de trabajos a cargo? ¿Es el retrato de Clooney fiel a un contexto y a un marco verosímil? No podría asegurarlo, pero con esta interpretación, Clooney me ha hecho olvidar su aura de mega estrella, de carilindo, de heredero del estilo Cary Grant.
Jason Reitman necesitaba a un actor que tuviera todo eso (extra) y que además fuera actor, buen actor. Y Clooney, debo decirlo, aquí termina por consagrarse.
Sí, estaba muy bien en Michael Clayton, o en Syriana, aunque más que bien yo diría distinto, no tan bien, no tan merecedor de un Oscar, pero lo dejamos pasar.
Sin embargo, uno puede pensar que este papel le calzaría bien a un Hugh Grant, o a un Richard Gere, años atrás. Pero se ve que Clooney tiene algo más (¿algo más de talento?), y consigue que, últimamente, todos tengan puesta la mira en él, y las críticas, y los premios, le han respondido fabulosamente.
Pero además, George consigue una química genial con su coprotagonista, la ascendente Vera Farmiga, encantadora, atractiva y absolutamente carismática, mérito tal vez de Reitman, o del mismo Clooney.
Y sumando los elogios, va la tercera punta: Anna Kendrick. Verdadera revelación, fresca, espontánea, con presencia y carácter. Sí, vale, el guión, más que bueno es muy bueno, y estamos ante una película “de actores”/”para actores”.
Evidentemente, Reitman lo tiene claro, y no sólo aquí, pues no olvidemos los elencos que formó en Gracias por fumar y en La joven vida de Juno.
Así las cosas, el combo resulta un éxito. Sumar los tres actores, más dinámica road movie, más ingeniosos y pulidos diálogos, más original planteo y desarrollo… ¡Film sin escalas!

La conquista del honor, sobre INVICTUS, de Clint Eastwood

2010-01-28T13:23:00.003-03:00

El señor Eastwood tiene una constancia, una solidez y una conducta, para con su cine, intachables.
Un director que asciende a los ochenta años (n. 1930) pero que filma con el vigor y el ímpetu de un cuarentón, o el de una joven promesa.
Un artista que en los últimos cuatro años se despachó con dos dípticos (en 2006, La conquista del honor y Cartas desde Iwo Jima; en 2009, El sustituto y Gran Torino), y que en el corriente año se pone al día con su postergado proyecto de la biopic sobre Nelson Mandela.
Mucha agua corrió bajo el puente y, de hecho, Invictus, cuyo título original era El factor humano, no es precisamente la biografía de Mandela. Es la adaptación de una novela "deportiva e histórica" en relación al mundial de rugby de 1995, que atravesó a Sudáfrica y que le valió una jugada política "de película" a Mandela, de la que salió airoso.
Hablar de Morgan Freeman como Mandela es referirse a un rol que de antaño se le ha asignado (en el imaginario popular, y en reiterados rumores y proyectos) a este noble actor, por su condición física y parecido, y por sus propias ambiciones, y nuestras ganas como espectadores de verlo encarnar al ex presidente sudafricano y Premio Nobel de la Paz.
Eastwood dijo hace unos días algo muy cierto: "el que vaya a ver Invictus pensando en un film sobre el rugby, se decepcionará". Palabras más, palabras menos, dejó en claro que el film no es el típico relato sobre un gran partido o campeonato, de esos que han poblado la historia del cine de los E.E.U.U. Esta es la historia de cómo un presidente, en su flamante cargo, desafía a su propio pueblo, a sus admiradores y seguidores, y sorprende a sus detractores, y a los que debieran ser sus "enemigos", llevando a cabo el plan de hacer resurgir el equipo de rugby histórico de Sudáfrica, aunque su imagen recuerde a otra Sudáfrica, racista y discriminadora, parcial y elitista, alejada del margen popular, de la nueva masa, de los pobres y excluídos, ahora con voz y voto. Motivos más que interesantes para ser adaptados a la gran pantalla.
Uno de los méritos de Eastwood, presentes en un dramón como Million Dollar Baby, o en la anterior Gran Torino, por caso, es su habilidad para narrar en contextos dramáticos, situaciones simpáticas y hasta histriónicas, e Invictus no es la excepción. Desde el grupo de guardaespladas enfrentado en dos bandos, pasando por la asistente de Mandela, o algunas situaciones entre los deportistas en los entrenamientos, todas escenas trascendentales, pero necesarias, logradas, que amenizan y hacen de éste film un espectáculo sobrio e intenso, con la tensión justa en los momentos necesarios, y la calidez reinante, gracias a la entrega de Freeman, en una labor única e irrepetible. Se lo ve cómodo, seguro, creíble, demasiado pacífico y espiritual. Tal vez sea un Mandela muy idealizado, pero dentro del film el comedido sale bien. Y Matt Damon, en un marcado rol secundario, cumple con corrección su rol, pero no es merecedor de una nominación al Oscar, del mismo modo que Freeman no merece ser olvidado por la Academia, y así será.
¿Es el mejor Eastwood del último lustro? No, sus dos films anteriores calan hondo en el espectador, forman parte del melodrama al que tanto rigor y autoridad les implementó Clint. Con todo, Invictus es una interesante película, de 135 minutos que no pesan, de acción y emoción, de digno cine.
Por lo tanto, Clint sigue invictus. Queremos ver qué sigue en tu filmografía Clint.

Academy Award Nominations - "Una semana antes"

2010-01-25T11:16:00.003-03:00

Faltan 8 días. Pero luego de los SAG, los PGA, los Golden Globes, y los variados círculos de críticos, más algunas intuiciones y ciertos pálpitos de un digno seguidor de los Oscar, aquí van mis nominados en las categorías principales.
Los pintados de rojo, los "tapados", las sorpresas que pueden darle más color y riqueza a una temporada que, al menos en cuanto a nominados, se muestra bastante previsible.
Los invito a debatir, adelante!

Actriz secundaria:
VERA FARMIGA // UP IN THE AIR
MAGGIE GYLLENHAAL // CRAZY HEART
ANNA KENDRIK // UP IN THE AIR
JULIANNE MOORE // A SERIOUS MAN
M'ONIQUE // PRECIOUS: BASED ON THE NOVEL PUSH BY SAPHIRE

Actor secundario:
WOODY HARRELSON // THE MESSENGER
CHRISTIAN McKAY // ME AND ORSON WELLES
CRISTOPHER PLUMMER // THE LAST STATION
STANLEY TUCCI // THE LOVELY BONES
CRISTOPH WALTZ // INGLOURIUS BASTERDS

Actriz principal:
SANDRA BULLOCK // THE BLIND SIDE
CAREY MULLIGAN // AN EDUCATION
GABOUREY SIDIBE // PRECIOUS: BASED ON THE NOVEL PUSH BY SAPHIRE
MERYL STREEP // JULIE & JULIA
ROBIN WRIGHT PENN // THE PRIVATE LIVES OF PIPPA LEE

Actor principal:
JEFF BRIDGES // A CRAZY HEART
GEORGE CLOONEY // UP IN THE AIR
COLIN FIRTH // A SINGLE MAN
MORGAN FREEMAN // INVICTUS
JEREMY RENNER // THE HURT LOCKER

Director:
KATHRYN BIGELOW // THE HURT LOCKER
JAMES CAMERON // AVATAR
MICHAEL HANEKE // THE WHITE RIBBON
JASON REINTMAN // UP IN THE AIR
QUENTIN TARANTINO // INGLOURIOUS BASTERDS

Película:
(500) DAYS OF SUMMER
AVATAR
DISTRICT 9
THE HURT LOCKER
INGLOURIUS BASTERDS
INVICTUS
PRECIOUS: BASED ON THE NOVEL PUSH BY SAPHIRE
UP
UP IN THE AIR
THE WHITE RIBBON

Guión Adaptado:
AN EDUCATION
A SINGLE MAN
DISTRICT 9
PRECIOUS: BASED ON THE NOVEL PUSH BY SAPHIRE
UP IN THE AIR

Guión Original:
(500) DAYS OF SUMMER
A SERIOUS MAN
THE HURT LOCKER
INGLOURIUS BASTERDS
UP

Cine Argentino 2009

2010-01-24T21:22:00.003-03:00

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Este es mi listado de films nacionales vistos a lo largo de 2.009. Dieciocho, un número para nada despreciable, que me permite analizar en forma el año transcurrido para nuestra industria.

Amo y señor: Juan José Campanella y su consagración definitiva. Sí, ya había demostrado su talento para llegar al gran público con nobles y dignos films. Pero aquí se reinventó, apostó por otro género, volvió a confiar en Darín y Villamil, "descubrió" a Francella y Gioia, y terminó por enamorar al pueblo argentino en un film del cual es difícil subrayar los contras. Basta con leer las blandas pálidas de algunos críticos que no se resisten a "odiarlo".

Revelación: Pablo Fendrik. Dos películas, a cual más innovadora y brillante. Dos relatos muy diferentes entre sí, un soberbio protagonista repetido (Arturo Goetz) y una solvencia para narrar y filmar que sólo alimenta mis ganas de asistir a sus nuevos films.

Decepciones: Carlos Sorín y su solemne La Ventana. Pobre a nivel guión, actuación, tempos. Válida, y a regañadientes, sólo por sus encuadres. Un paso hacia atrás.

Calidad risueña: Música en espera y Cuestión de principios fueron dos ejemplos de comedias ajustadas casi a la perfección, con buen ritmo, sólidos elencos, risas, aventuras, gags y vueltas de tuerca logradas.

Mujeres: variopinto panorama. Distinguida labor de Julia Solomonoff, con un muy buen film en el que los niños protagonistas logran transmitir infinidad de sentimientos y sensaciones. Tibio segundo intento para Lucía Puenzo, tal vez aún con esa sombra presente de la lograda XXY. Corrección y poco más de la mano de Celina Murga, aunque la crítica la haya amado y Scorsese respaldado. Mientras que Teresa Costantini sigue filmando, esta vez una "superproducción" que en manos de un Doria por ejemplo, se hubiera destacado mucho más. Odiada por los críticos, vale decir, Felicitas no es una mediocridad.

El secreto de sus ojos, Juan José Campanella
La sangre brota, Pablo Fendrik
El Asaltante, Pablo Fendrik
Música en espera, Hernán Goldfrid
El último verano de la Boyita, Julia Solomonoff
Cuestión de principios, Rodrigo Grande
Toda la gente sola, Santiago Giralt
El niño pez, Lucía Puenzo
Tres deseos, Vivian Imar - Marcelo Trotta
Días de mayo, Gustavo Postiglione
El corredor nocturno, Gerardo Herrero
Las Viudas de los Jueves, Marcelo Piñeyro
Anita, Marcos Carnevale
Mentiras piadosas, Diego Sabanés
Felicitas, Teresa Costantini
Una semana solos, Celina Murga
Amorosa Soledad, Martín Carranza - Victoria Galardi
La Ventana, Carlos Sorín

Todo por un sueño, sobre THE BLIND SIDE, de John Lee Hancock.

2009-12-18T13:32:00.004-03:00

The Blind Side es el drama deportivo made in Hollywood por excelencia. De esos que se han filmado tantas veces que ya no se ven muchos, pero en otra época, eran prácticamente un género aparte.
Desde Rocky hasta El luchador, o desde The Natural/El mejor, de Barry Levinson, a Campo se sueños, con Kevin Costner.
Muchacho de los suburbios con pocas posibilidades en su vida, y un talento innato que le abre las puertas a un mundo mejor. La diferencia aquí es que no lo incentiva ni lo descubre un entrenador, un amigo, un padre abusivo. Quien le da el primer empujón es una señora de la alta sociedad, que se lo cruza casi por casualidad, y que por otros motivos empieza a brindarle su ayuda, hasta que descubren juntos ese don que el joven lleva consigo.
Mi hermano, al ver el trailer, dijo que Sandra Bullock parecía Erin Brockovich, por el look y por la postura que se le veía: canchera, bien dispuesta, inteligente, con presencia, sin nada que perder. En cierto modo, la analogía es correcta. Y si Julia Roberts necesitó de ese papel para consagrarse como actriz "seria" y "oscarizable", la misma vara sirve para Sandra Bullock, aunque en menor medida.
Su actuación en este film es central, y esencial. Su presencia es ciertamente magnética. Está realmente hermosa, le sienta bien el papel de madre de familia, con un hogar tipo norteamericano de casa de muñecas. Es, vale decir, un rol algo estereotipado. Pero es válido por el tipo de film en que está inmersa.
Se sabe que está basado en un personaje e historia reales, y el hecho de que esté teñida de rubio se debe a que la verdadera señora a quien interpreta es una madre de familia de 50 años, y no es un personaje del pasado.
Hay muchos momentos que rozan lo inverosímil, pero reitero, al comprar el subgénero, y una vez metidos en él, la historia se disfruta, y uno espera ver a Bullock como un torbellino, como esa mujer que ampara a ese joven talentoso como una reina madre, con toda la potencia, el encanto y la más atractiva de las personalidades.
Personalmente, no alcanza para un Oscar, pero será bien merecido su lugar en el quinteto de nominadas.
¿Es un hallazgo verla aquí? ¿Es un logro del director?
Sabemos que le juega en contra haber hecho tantas comedias flojas, y tantos otros blockbuster, pero por ejemplo yo me sorprendí, y gusté de ella, al verla en La casa del lago, dirigida por el argentino Alejandro Agresti, y en otra sintonía bien diferente a Máxima velocidad, junto a Keanu Reeves.
Pienso también en 28 días, en Fuerzas de la naturaleza, o en sus sobradas dotes de histrionismo en Miss Simpatía. Y, la verdad, está muy bien. No creo, como afirman muchos, que Infamous, y su rol de Harper Lee, sea su mejor papel. Ni que la hayan subestimado por Crash, a diferencia de la olvidada Thandie Newton.
Pero espero algo para su futuro: verla en otros films, con personajes tan ricos como el de The Blind Side.
Un dato no menor: muchas podrían haber sobreactuado esta caracterización, y Bullock jamás lo hace. Se percibe que ha respetado su rol, y que lo ha llevado a los mejores destinos.

El rey de la comedia, sobre FUNNY PEOPLE, de Judd Appatow

2009-12-18T09:55:00.002-03:00

Por recomendación de un amigo, anoche vi Funny people, el nuevo film de Judd Appatow, que según me comentó fue un fracaso de público en los EEUU, y que aquí a la Argentina, entonces, no puede llegar de otro modo que no sea directamente en dvd, sin pasar por los cines.
Sobretodo, teniendo en cuenta que es una comedia agridulce, muy particular y original viniendo de Appatow, ¡y con una duración de dos horas y media!
Con un solo visionado, la cosa es clara: hasta la hora y media, el film me pareció redondo. Entretenido, ácido, rápido en gags inteligentes, muy bien actuado, con una lograda química entre Seth Rogen y Adam Sandler, y con un dejo de melancolía, otra característica de los guiones de la factoría de Appatow.
El problema es que el relato, que podría ser una versión actual y menos dramática de Lenny, de Bob Fosse, se torna bastante denso una vez que se resuelve un problema serio del personaje de Sandler, y empieza a tener una segunda oportunidad con un viejo amor.
De allí en más, y a pesar de los valiosos aportes de Eric Bana, en un secundario breve muy logrado, y de la calidez de Leslie Mann, el guión pierde ese ritmo que venía acumulando, las actuaciones del dúo protagónico decaen bastante, y el conflicto mismo del film se diluye por completo.
Con todo, y como es habitual, Appatow exprime la naturalidad y el talento de ese trío de amigos que conforman Rogen y los efectivos secundarios de Jonah Hill (a pesar de repetirse en cada film) y Jason Schwartzman, más algunas joyitas de actores haciendo breves cameos, como por ejemplo Ray Romano y Sarah Silverman.
Si vale la pena, es por los geniales monólogos ante el micrófono, por ciertas conclusiones expresadas por los protagonistas, por la química en general de todo el elenco (que tranquilamente podría aspirar a un lugar entre los nominados a mejor elenco en los SAG Awards, al igual que los muchachos de Adventureland), y por esas ganas que transmite Appatow de narrar su modo de ver, pensar y accionar en esta vida a través de las frustraciones, del humor y de los amores perdidos y encontrados.

Comer, beber y amar, sobre JULIE & JULIA, de Norah Ephron

2009-12-11T12:36:00.007-03:00

Suena siempre tan fuerte Meryl Streep, que aún sin expectativas, vi finalmente Julie & Julia. No en cine, claro, pues aquí se estrenó hace tiempo ya. Pero estamos en temporada de premios casi, y siempre es grato saber que Meryl Streep puede estar entre las cinco nominadas al Oscar como mejor Actriz.
Ahora bien, debo decir que vi este film luego de leer una crítica en la que se hacía alusión a su rol como el de un personaje de la factoría de Antonio Gasalla. Gasalla, para los lectores que no son argentinos, es un famoso capocómico vernáculo que siempre se ha caracterizado por sus histriónicas composiciones sobre distintos tipos de mujeres, caracterizándolas con demasiado maquillaje, vestuario, posturas, y voces impostadas. Entonces, claro, no sonaba muy auspiciosa la analogía con la Julia Child que interpreta Streep en el último film de Nora Eprhon.
Pero hay que saber que la voz de esta señora (porque Julia Child existió, al igual que Julie, su admiradora) era tal cual la imita Streep, o bastante similar. Entonces, teniendo en claro eso, podemos decir que Meryl está bien.
Y el film está bien. Está correcto. Entretiene, no agota los recursos del montaje paralelo, y tiene en la contrafigura de Amy Adams, a una digna actriz que jamás desentona con la trama. O sea, Meryl y Amy jamás se cruzan en una escena, sus historias van en paralelo, pero no ocurre que al estar inmersos en las escenas de una, querramos que pasen rápido y que vuelvan las escenas de la otra. Las dos están bien, son buenas comediantes, y sus personajes son carismáticos y fuertes. Se bancan el protagónico.
Al igual que los secundarios. Y eso incluye a todos por igual. Evitemos subrayar lo bueno que es Stanley Tucci. Su rol cumple y ya, no es necesario alabarlo como muchos hicieron, ahora que "está de moda" y con "aires de Oscar" por The Lovely Bones. No, está correcto, al igual que Chris Messina, como los respectivos maridos de Julia y Julie.
La adaptación de las dos novelas, la de Julia y la de Julie, corre por cuenta de Eprhon, que logra un metraje de dos horas, algo extenso, y que aún así casi no se me te con la etapa de Julia Child como conductora de tv con su programa de cocina.
Eprhon se rodea de un buen equipo, en el que resalta el impecable diseño de producción, y los justos acordes del compositor Alexandre Desplat.
No conviene verla si uno tiene mucho hambre, aunque siempre es deleitable apreciar las locaciones en París y los platos de la cocina francesa.

Nota final: yo sé y entiendo que todos amamos a Meryl Streep, y que no hay dudas de que es una actriz sin límite alguno. Su rol es bien distinto a otros roles de comedia, como la soberbia editora de El diablo viste a la moda, o la suspicaz analista de Prime-Secretos de diván. Está lejos de su personaje en el filme de Abba, o de aquella caracterización en La muerte le sienta bien.
Por otra parte, me ocurrió que de tan alegre y positivo que es su personaje, por momentos me exasperó. Y me recordó a Sally Hawkins en Happy-go-lucky. Sí, tiene magnetismo, presencia, se disfruta. Pero atención: no sería justo una nominación al Oscar.
Seamos objetivos: esta temporada hay varias candidatas, más allá de las preferidas Carey Mulligan o Gabourey Sidibe. Va ganando fuerza Sandra Bullock, y están en gateras Helen Mirren y Emily Blunt. Por el mismo camino, y más atrás, sería genial que llegue a la meta Robin Wright Penn, o la aún joven (y eso siempre juega en contra) Saoirse Ronan. Entonces, una decimo sexta nominación para Streep empalaga, y habría que pensar si en otra actriz con los mismos logros para con el personaje, estaríamos hablando de una candidata en potencia. Creo que esta vez a Streep la ayuda su cartel. Y es bueno verla cada un par de años en el Kodak Theatre. Pero este año, mejor que esté como presentadora...

Música en espera, sobre EL SOLISTA, de Joe Wright

2009-12-10T11:24:00.004-03:00

El solista es un film que decepciona por todos los frentes.
Una pena, teniendo en cuenta el director tras las cámaras: Joe Wright.
Luego de demostrar su virtuosismo y talento enormes desde su ópera prima, Orgullo y precio, y en su segundo largo, la magnífica y no del todo alabada Expiación, deseo y pecado, Wright debutó en Hollywood con un guión bastante pobre, firmado por Susanah Grant, que ha demostrado mejores cosas con En sus zapatos y en Erin Brockovich, sobretodo.
Lo han dicho los críticos, esta vez con certeza: estamos ante la típica historia endulzada que gusta al mainstream hollywoodense, de una persona que descubre los talentos innatos en otra, pero que por ciertos motivos (físicos y/o mentales) no logran salir a la luz, como cualquier mortal con un don bajo el brazo desearía.
Ahora bien, si Robert Downey Jr. trabaja "de taquito", no niego que su presencia en el film es constante, y que al menos está correcto. Distinto es el caso de Jamie Foxx, un actor que no ha encontrado papeles interesantes tras su Oscar por Ray, al igual que su coterráneo Forest Whitaker.
Su labor es insoportablemente melodramática, y si uno trae consigo la carga de un film ambicioso en querer "entrarle" al espectador por el lado de la emoción, nada peor que las escenas dramáticas de Foxx.
Nota aparte, eso sí, para un plano secuencia en un callejón tomado por gente que vive en la calle, en el que Wright se hace sentir, y da rienda suelta a sus movimientos de cámara y a su creatividad para la puesta en escena. Pero no alcanza, como así tampoco los acordes de su habitual colaborador Dario Marianelli, quién no luce siquiera con su banda sonora, como nos tiene habituados en otros films.
Espero, y deseo, que Joe Wright siga pronto por el buen camino en el que comenzó. Aún es joven, y tiene dos grandes películas a sus espaldas. Hay que ser moderado. La próxima, será mejor...

Tesis: "La ocasión"

2009-11-06T19:35:00.023-03:00

Cuestión de honor, sobre Cuestión de principios, de Rodrigo Grande

2009-11-03T10:36:00.003-03:00

Que es costumbrista, que tiene una puesta rígida, que Luppi se repite nuevamente, que esta historia ya la vimos mil veces, que los actores merecían mejores personajes, que el director perdió mucho en la adaptación. Todas contras, la mayoría, lugares comunes.
Sí, no fue muy bien recibida Cuestión de principios. Yo, sepan, no comparto.
La segunda película de este director rosarino, que elige contarla nuevamente en sus pagos, está protagonizada por Federico Luppi, quién encabezó la ópera prima de Rodrigo Grande, Rosarigasinos.
Luppi es un actor polémico. Es odiado y amado. En general, en las escuelas de cine, los profesores lo odian. Algunos críticos lo valoran, y otros lo defenestran. En menor medida, a Alterio le pasa igual, y por esas paradojas de la vida, en España son mejor valorados.
No niego que Luppi es el eterno puteador del cine argentino, reiterado alter ego de varios films de Aristarain, galán recio, hombre de pocas pulgas, de principios o sin escrúpulos, pero siempre en registros similares. Con ello, y a pesar de ello, es muy buen actor. Y aquí es claro que el objetivo con el director fue cambiar un poco ese ícono en sí mismo que representa. Luppi está tierno, humilde, amistoso, encantador. Es un digno protagonista de comedia, y se carga al hombro este film de 115 minutos, con su presencia absoluta.
Lejos, lo mejor de Cuestión de principios, es su guión. Buena trama, efectivos giros, pintorescos personajes, trabajados diálogos. Todo con una pátina de frescura, de espontaneidad, y una agilidad bien lograda del género por excelencia del film: la comedia.
Sí es cierto que no hay grandes riesgos ni ambiciones desde la puesta en escena, y que la fotografía no ayuda del todo en ciertas escenas. Pero la música acompaña perfectamente la historia, y el elenco se luce, quién más, quién menos.
Vale decir que Norma Aleandro no está en su mejor actuación. Por momentos, tiene tics que recuerdan a la Norma de El hijo de la novia, o a la insoportable madre de la nena en Cien veces no debo, aunque sean dos roles completamente diferentes.
Pero la sorpresa más agradable es el rol que le toca jugar a Pablo Echarri. El actor le saca el jugo a un personaje que ciertamente permite el lucimiento, y sabe afinar todas las cuerdas para destacarse en cada una de las escenas en las que aparece. Así como también son entrañables las composiciones de Pepe Novoa, Oscar Núñez y Oscar Alegre (en sólo una escena este último.)
Yo no vi Rosarigasinos, pero me basta este film para ponerlo entre las comedias más logradas últimamente del cine argentino. Creo que Fontanarrosa estaría orgulloso.

La ley del deseo, sobre Los abrazos rotos, de Pedro Almodóvar

2009-11-03T09:51:00.003-03:00

Pedro Almodóvar vuelve a la carga con una historia colmada de pasiones, amores locos, odios, rencores y secretos.
Lo hace con su estilo y sello habitual. Se rodea de un notable equipo técnico, una música bien presente, y un elenco absolutamente significativo en referencia a su obra.
En Los abrazos rotos, el imán indiscutible es Penélope Cruz, una actriz tan bella como sólo Almodóvar sabe fotografiar (y el director o directora de un film llamado Las mujeres arriba, que ni me molesta en averiguar quién es.) Pero Pe no supera a esa criatura que la consagró en el séptimo arte en Volver, aunque su rol sea atractivo y desafiante para cualquier buena actriz que se precie de elegir papeles interesantes.
A su lado, Lluís Homar es un partenaire más que correcto, y en él se centra el eje de esta trama, por momentos demasiado folletinesca y rebuscada.
Hay varios cabos sueltos, e historias que no suman (como la de Tamar Novas), pero también momentos de notable clima almodovariano, secuencias que respiran buen cine, y diálogos filosos y brillantes, dignos de su pluma.
En su conjunto, las dos horas y minutos, son extremas. El manchego ha dicho que éste era su film más largo y ambicioso, y creo que eso no le juega del todo a su favor. Con todo, los primeros diez minutos seducen a cualquiera. Almodóvar nos cuenta desde el arranque el mundo del protagonista, con virtuosos planos y tempos perfectamente calibrados. Aunque no se correspondan con los minutos finales, llenos de explicaciones y cierres precisos a cada una de los nudos desarrollados. Arriesgo a que él mismo se siente incómodo con esa resolución, y por ello, el otro final de la película, ese que lo identifica con Mujeres al borde de un ataque de nervios, se presenta como un buen broche para su nueva historia de amor y pasión.

Centuria de Novela

2009-11-02T22:52:00.001-03:00

A mis lectores:
he sumado un nuevo blog, con el comienzo de un primer capítulo de una idea de novela.
Si leo que hay diez interesados como mínimo en querer saber cómo sigue, pues entonces publicaré el capítulo completo, y de a poco, iré escribiendo esta novela que llevo en mi cabeza.
Y sino, muy amables de todos modos.
La idea, como siempre, es expresarse, y entretenerse.
Bienvenido quien quiera que sea.
El link es http://centuriadenovela.blogspot.com/

La Ocasión

2009-10-24T13:32:00.009-03:00

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Desde el jueves 22 de octubre del corriente, y durante cuatro jornadas, estaremos filmando nuestra tesis en súper 16 mm, que consiste en un cortomeraje de doce minutos como máximo, ficción, y con algunos pautas a respetar.
El mismo, es el trabajo final de la carrera de Realización Audiovisual, cuyo título otorga la casa de estudios a la que pertenezco, E.N.E.R.C (Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica.) Y así como yo me recibo de director con esta tesis, habrá otros cinco compañeros, los cuales cada uno en su área, egresarán junto a mí con este trabajo. Ellos son: Facundo Bailez, en Guión. Julieta Bilik, en Dirección de Fotografía. Agustín Balestrini, en Dirección de Sonido. Victoria Fermani, en Montaje. Y Agustín Burghi, Paula Martel y Mariano Mouriño, en Producción.
La ocasión, cuyo título tomé prestado de una novela homónima del escritor argentino Juan José Saer, es la historia de un reencuentro entre una docente y veterana actriz de teatro, con su querida vieja alumna, hoy consagrada como actriz en el extranjero. La ocasión habla de un reencuentro, pero sobretodo de una mujer que ha pasado los sesenta años, y con motivo de un homenaje a toda su carrera artística, se replantea distintos acontecimientos de su propia vida íntima, saliendo a la luz algunas cuentas pendientes nunca realizadas, como tener un hijo o formar una familia.
Una trama colmada de sentimientos no siempre dichos, de alegrías y angustias, de momentos tensos y otros emotivos.
Contamos para ello con un sólido trío de actores argentinos, encabezado por Regina Lamm, en el rol protagónico, una actriz con gran trayectoria en las tablas de nuestro país. Lucrecia Blanco, como esa querida alumna que hoy sigue sus pasos en la actuación, de reciente exposición televisiva en el boom que fue Los exitosos Pells, y la participación especial de un primer actor argentino destacado en teatro, cine y tv: Hugo Arana, en la piel de un colega de años, confidente y alguna vez enamorado de nuestra protagonista.
Los saludo, y será hasta la post. No quería dejar de compartir este proyecto que para mí es un sueño, en éste mi espacio, con mis colegas bloggeros. Hasta pronto.

Por 100 más

2009-10-18T14:59:00.005-03:00

El último post publicado, sobre Bastardos sin gloria, ha sido la entrada número 100 de este joven blog.
Vamos por una centuria nueva, siempre atenta a las últimas obras sobresalientes y polémicas del séptimo arte.
Gracias a todos los que alguna vez pasaron por aquí, y han permanecido en cada nueva publicación.
Un saludo a mis colegas bloggeros de Buenos Aires, Misiones, México, Venezuela, España, Costa Rica, y tantos otros...
Hasta el 101, Tomás.-

Tiempos violentos, sobre Bastardos sin gloria, de Quentin Tarantino

2009-10-03T22:42:00.010-03:00

Quentin Tarantino es de esos directores que tienen el don de cumplir con lo que su fama dicta. Me explico mejor: considero que Tarantino, Eastwood, Scorsese, Almodóvar, Campanella, son de los pocos directores actuales que garantizan, quién más quién menos, un nivel de entretenimiento y disfrute para el espectador, ya sea en la totalidad, o en buena parte del film que entreguen.
En el caso de Bastardos sin gloria, el placer como espectador es total. No conviene saber casi nada de la trama, pero no porque el film prometa altas dosis de suspenso o intriga, sino porque es maravilloso sentarse en la butaca y dejarse llevar por el fantástico viaje en el que nos encamina durante dos horas y media este soberbio director.
Un artista que, además, ama escribir punzantes y eternos diálogos entre sus personajes, y filmar cada encuadre con un virtuosismo que se transforma en un deleite absoluto.
Ahora bien, si Tarantino es un eterno “imitador” de sus propios ídolos, o un permanente anfitrión que homenajea a eclípticos directores, no le quita a mi criterio mérito alguno.
El sabe que en sus películas nunca deben fallar tres aspectos: el reparto, la banda sonora y el montaje. Analicemos entonces su filmografía, y difícilmente podamos objetarle a sus carismáticos y expresivos actores, el ritmo de cada una de sus ficciones y la calidad en la selección de un amplio repertorio musical.
Tarantino sabe que pisa fuerte en el séptimo arte, y por ende se plantea objetivos a nivel trama y realización que en su último film se despliegan hasta lo inimaginable. Y ya no importa la verosimilitud, o el respeto por la historia mundial contemporánea -entenderán el por qué una vez visto el film-. Importa el contexto que construye, el clima que nos hace percibir, la emoción que nos inyecta, las ganas que nos transmite.
No dejen de ver, y en pantalla grande por favor, a estos Bastardos sin gloria. No se pierdan a uno de los villanos más increíbles de la historia del cine –sí, no exagero- en la piel del desconocido Christoph Waltz. Pongan a prueba la ductilidad de Brad Pitt, enamórense de las nuevas femme fatale Melanie Laurent y Sienna Miller, dignifiquen a un joven gran actor como Daniel Brühl, o elogien el cameo de un irreconocible Mike Myers.
Vean Bastardos sin gloria, y no saldrán indiferentes ni inmunes. Aplaudan, los invito, a un gran “hacedor” del séptimo arte.

El color del dinero, sobre Las Viudas de los Jueves, de Marcelo Piñeyro

2009-09-15T23:34:00.006-03:00

Pocas veces en mi archivo personal de películas vistas, he presenciado una adaptación tan pobre de un libro a la pantalla.

Las viudas de los jueves fue un best-seller en Argentina, surgido de un concurso de novela de escritores desconocidos, que catapultó al ámbito académico a su autora, Claudia Piñeiro, quien posteriormente demostró que era más que una escritora de moda. En su opus concentró una historia coral de varios pares de matrimonios sumergidos en un country de fines de los noventa. A través de capítulos breves, concisos, de prosa clara y directa, sin ambiciones de academicismos varios, Las viudas de los jueves ilustró todo tipo de personajes y actitudes, desde la codicia, el desempleo y descontrol, hasta la infidelidad, los secretos íntimos y los divorcios más escandalosos.

Cuando empezó a correr el rumor de trasladar la obra a fílmico, hubo un primer nombre, extraño y poco factible, para el proyecto: Lucrecia Martel. Enseguida llegó el proyecto de El Eternauta, y el candidato nº 1 pasó a ser el más apto tal vez para semejante adaptación: Marcelo Piñeyro.
Una coproducción con España, varias empresas respaldando, y un elenco multiestelar de carismáticos actores argentinos (más un par de españoles), parecía una base demasiado sólida como para que el film resultase, cuanto menos, correcto.

Y si le sumamos que la adaptación la realizaría Piñeyro (co-guionista de probada trayectoria junto a Aída Bortnik) y Marcelo Figueras (novelista y responsable del guión de la lograda Kamchatka), cuesta creer los pobres resultados vistos en pantalla grande.

Pareciera que Piñeyro filmó sin ganas. No hablemos ya del guión, limitado y erróneamente mesurado en relación al caudal de la novela, sino del tratado estético, pues Las viudas de los jueves parece más una maratón de varios capítulos de una serie tipo Dinastía o Amas de casa desesperadas, con planos sencillos, transiciones monótonas, diálogos un tanto forzados, un ritmo cadencioso y extraño. Es más, compararlo con dichas serias sería injusto, porque hoy por hoy las series yankis brillan por sus elencos, su acertado montaje y sus pulidos guiones.

Pero aquí todo está demasiado lavado, pasado de cocción, absolutamente deslucido. Eso incluye a los actores, exceptuando el probado oficio y cierta naturalidad en el matrimonio Sbaraglia-Toscano, y hasta ahí nomás. Eso sí, todos son bellos y fotografían de maravilla ante la cámara (atención con la presencia de la poco conocida actriz Ana Celentano), pero en este caso, no alcanza. Y tal vez uno de los mayores errores haya que adjudicarlo al afán por hacerse de un elenco de jóvenes figuras, cuando en el original todos los matrimonios ya superan los cuarenta y pico de años cada uno, mínimamente. Así, hasta el hecho trágico de la trama resulta inverosímil, en hombres que recién lucen sus treinta, y que todavía pueden presentar batalla ante la falta de empleo y la adversidad por la pérdida del status social y económico.

Ahora bien, un director con la trayectoria de Piñeyro, con trabajos excelentes a cuesta como Caballos salvajes o Cenizas del paraíso, que ha sabido crear climas de verdadero profesional en films como Plata quemada o El método: ¿puede ser el mismo que no aprovecha ninguno de los caminos de intriga, misterio y muerte que le presenta la trama de Las Viudas de los Jueves?

Evidentemente sí, y a las pruebas me remito. Vean el film, y díganme si hay cine en este híbrido que parece haber enviudado del todo.

Con sólo mirarte, sobre El secreto de sus ojos, de Juan José Campanella

2009-08-31T13:19:00.006-03:00

Campanella dio un knock out. En su sexta película, se ha mostrado sólido y maduro como nunca antes. Ha conjugado lo mejor de su dirección de actores, refinado los diálogos que otrora expresara junto a Fernando Castets. Afinado su visión, con planos delicados y exquisitos, con climas soberbios, y con las mejores herramientas, perfectamente equilibradas. Todo junto y por separado, con coherencia y con un impecable envase, representa El secreto de sus ojos.
Más de dos horas, y uno sale extasiado. Sale con potencia, con esa energía tremenda que genera un buen relato. Campanella cuenta un cuento bastante redondo, y de una forma tan concreta como ambiciosa. Pero siempre previendo lo que puede pasar, y adelantándose a las circunstancias futuras, para poder así construir la trama más cerrada de su filmografía. En la receta: una novela atrapante, seductora, inteligente. Un equipo técnico talentoso, con orfebres de primera como el "Sr. Director de Fotografía argentino", Felix Monti. Y esa combinación tan bien preparada entre el drama, el romance y la decadencia. Más un elenco de primera, y de primeros. A saber: Ricardo Darín, su actor fetiche. El nuevo Luppi de las puteadas, con otro estilo, y otro contexto, pero sus “boludo” son tan argentinos como característicos en él como criatura de Campanella. Un lujo de actor, siempre arriba, con presencia, efectivo y carismático. Ideal para llevar la trama sobre sus hombros, o sobre sus ojos en este caso. Soledad Villamil. Sólida, bella pero no atractiva, inocente y ambiciosa, heroína ideal para el coprotagónico. Impecable. Guilermo Francella. Un secundario hecho a medida, bien aprovechado por este actor que logra correrse de su estereotipo, aunque no del todo, y sabe hacer crecer todos los matices de su personaje. Pablo Rago. Vale sobretodo por un largo plano dramático. Luego cumple con corrección, pero en determinado momento, su personaje lo devora, y eso le juega en contra. Alarcón, Gioia y otros, breves pero bien, en papeles fuera de lo común, acetando bajo la mirada del director.
La mejor película argentina del año hasta el momento. El director que mejor sabe combinar calidad y cantidad –de espectadores-. Vale recordar El hijo de la novia, El mismo amor, la misma lluvia, y Luna de Avellaneda.

Gracias Campanella, porque aunque no seas mi modelo a seguir, cuando vi tu última película pensé: “alabado sea el director que me transporte de ese modo durante dos horas. Bendito sea el film que genere tantas emociones y que de tanto placer a uno como espectador.” Plus: maestría visual en el plano secuencia de la cancha de fútbol. Impecable, arriesgado y difícil, pero logradísimo, sin dudas.
¡Y que sea con éxito en el Festival de San Sebastián!

El estudiante de Cine y el desafío que casi no se enseña: cómo dirigir.

2009-08-16T18:20:00.009-03:00

Valiosas palabras de un joven director español, Nacho Vigalondo plasma en su blog sensaciones y percepciones del quehacer cinematográfico en relación a los nóveles directores que se enfrentan al desafío de dirigir un corto o un largo.
A más de un académico, y a cientos de estudiantes "soñadores" y adictos a las citas, les vendría bien leer esta especie de "manifiesto".
Yo, uno más, con 22 años, a dos meses de filmar mi tesis como alumno de 3º año de Dirección, tomo nota. Los invito.
Gracias colega Gustavo Cornaglia.
Alguien que quiera formarse como director de cine sabe más o menos cómo está el patio: Si él mismo o su familia tiene poder adquisitivo, podrá acudir a una escuela de cine. Si no es así tiene la opción de conseguir estudiar un módulo o una carrera universitaria que se acerque lo más posible a la cuestión. Y si ni esto es posible, o no resulta apetecible, siempre está la opción de tirarse al patio con la cámara, ya sea el juguete maravilloso para el que llevas ahorrando un año, o ese trasto para tontos que te tiraron a la cara en tu primera comunión.
Supongo que la buena noticia (o la que termina de confundirnos) es que, de todos estos caminos, no hay uno que sea más frecuente que otro en el pasado de los distintos directores en activo. ¿Cómo es posible esto?
Para bien o para mal, una de las circunstancias más extraordinarias del lenguaje audiovisual es que en dos horas puede aprenderse toda la gramática necesaria para poder ponerla en práctica o desafiarla. En efecto, como diría el manual, usted puede ser director de cine en menos tiempo de lo que dura The Dark Knight. La pregunta es ¿Qué hacemos durante las siguientes dos horas?
Más de una vez he tenido, por mail o en persona, conversaciones con jóvenes que necesitan orientación para decidirse por uno de estos dos caminos: ¿Universidad o escuela de cine? El problema que plantean las universidades es la aparente poca disponibilidad de recursos para hacer prácticas. Las escuelas parecen cubrir esta necesidad pero ¿Qué garantiza de verdad ir a una de ellas, con la inversión de tiempo y dinero que conllevan? ¿Realmente uno sale de allí teledirigido hacia El Cine?
En realidad, estas cuestiones entrevén algo preocupante en la actitud del interesado: En realidad, no está buscando un entorno donde poder formarse en una técnica, o construírse una identidad como artista o artesano: Está buscando el sitio donde su talento tenga la oportunidad ponerse en práctica y verse confirmado lo antes posible. La obsesión por las clases prácticas, la preocupación por el crédito que se te concede el último día... Revelan que el futuro alumno, en el fondo, cree que aprender, lo que es aprender... No tiene mucho que aprender, pero sí mucho que demostrar. Hace poco tuve un encuentro con alumos de dirección en su último año en una importante escuela de cine. Tenían ante sí el rodaje del corto de final de carrera. Yo formaba parte de una serie de encuentros con directores de cine a los que poder interrogar acerca de los problemas del rodaje, la planificación visual, la puesta en escena, el trato con actores... De diez alumnos de ese grupo sólo se presentaron cuatro. Y las preguntas que éstos me hicieron fueron del estilo de ¿Cómo conseguir coches? ¿Cómo conseguir niños? ¿Cómo conseguir angloparlantes?. Respondí en la medida de lo posible, pero me alertó que nadie parecierse darse cuenta de que las preguntas que me estaban haciendo correspondían al área de producción, y no de dirección. Borja Cobeaga era el invitado al día siguiente y me contó que su experiencia fue similar.
Si nos vamos a otros sectores, la sensación que tengo es similar: Si uno sobrevuela foros de cortometrajistas, verá que las cuestiones de las que más se habla son cuestiones de producción, modelos y precios de cámaras, accesorios, plug-ins, concursos y ayudas a la financiación. Apenas se habla del lenguaje en sí. Y cuando esto sucede, en forma de críticas a cortometajes o películas de estreno, las cuestiones que se plantean tienen a ser muy superficiales, y la terminología muy simplificada (que si efectos especiales, que si cámara en mano o ciento volando).
Todo el mundo sabe cuáles son los estándares de un guión literario. Casi nadie sabe cuál es la mejor manera de hacer un guión técnico (que se tiende a confundir con el storyboard).
Todo esto lo produce la sensación que todos tenemos (o algunos tuvimos en su momento) de venir al mundo con el pan bajo el brazo. De ya saber. En un amplísimo porcentaje, es en mitad de un rodaje cuando un joven director se topa con la dolorosa revelación de que no tiene ni pajolera idea de como salir de ahí por sí mismo.
El problema reside, por un lado, en esos engañosos ciento veinte minutos de formación que os explicaba antes. Pero también en otra circunstancia extraordinaria del cine: Es el arte más visible, más popular. El audiovisual forma parte de nuestra formación emocional con una fuerza que casi siempre se impone respecto a otras artes. Desde que tenemos uso de dazón. Si descubrimos en nosotros la vocación de continuar este legado, todos, absolutamente todos, sufrimos o nos beneficiamos de la misma tendencia: Queremos ser capaces de generar en otros lo que las películas de nuestra infancia o adolescencia hicieron en nosotros. Entonces desarrollamos una escala de valores según la cual los recursos que se aproximen a los de aquellas experiencias son “más cine”, y los que se alejan, o son opuestos “menos cine”.
Por eso nuestra generación tiende a pensar que el formato panorámico de pantalla es “más cine” que los formatos más anchos. Porque, de niños, el fomato panorámico significaba “más que la tele”. Por aquel entonces se reducía a las salas. En televisión casi siempre se mutilaba, y cuando no era así, cuando nos permitían ver “las rayas negras arriba y abajo” era en esas ocasiones en las que los programas de cine nos mostraban inesperados, espectaculares, estremecedores avances de películas recién estrenadas en Estados Unidos, y que tardarían en llegar aquí. “Ayer dijeron en la tele que hay otra de Indiana Jones”.
Por eso nos tiende a sonar mejor el doblaje al castellano que el sonido directo en castellano. Por los cientos de películas que vimos dobladas de niños.
Por eso damos por supuesto cómo y por qué se utiliza música en las películas. Por la moda que se impuso durante nuestra infancia.
O cómo se filma una conversación. O un tiroteo.
Porque intuímos “qué es más cine” y “qué es menos cine”.
Todo lo anterior se viste habitualmente con el nombre de “Influencia”. En realidad, este término se usa casi siempre de un modo bastante inapropiado. Pensemos en Spielberg. Un director que, sumando recursos provenientes del cine clásico norteamericano visualmente más atrevido (Lean, Ford, Aldritch) destila un estilo de planificación que, sin plantear una ruptura formal decisiva, sí renueva el ritmo dentro del plano, y ciertas políticas de montaje, dando por resultando una reinvención del espectáculo. El director “influído” por Spielberg debería sentirse arrastrado por una ambición similar: Llevar a cabo un replanteamiento formal y temático del cine comercial igual de decisivo y memorable. En otras palabras, el director de cine influído por Spielberg está condenado a dirigir de un modo diferente a Spielberg.
Sin embargo, estamos acostumbrados a que lo que llamamos influencia se manifieste en forma de, precisamente, imitación. Y llamamos heredero de Spielberg a aquel que utiliza los mismos movimientos de cámara que Spielberg, las mismas ópticas, mismo estilo de banda sonora o misma política de dirección de actores. Al que cita a Spielberg.
Influencia y cita no son lo mismo. Lo primero es ámplio, marca una vida entera, transforma una personalidad, puede ser insondable, puede ser inconsciente. Lo segundo es una decisión tomada.
Llamamos influencia a la cita. Y es un vicio que padece el joven cineasta y cierto tipo de crítico: Ambos caen en la trampa de pensar que repetir de forma explícita y reconocible los recursos de Hitchcock, Ford, Scorsese Gordard, Tarantino o Reygadas, te hace participar de ellos.
La gramática se aprende en 120 minutos. Pero encontrar un estilo, una retórica y una temática relevante, intransferible y que resista al paso del tiempo es labor de toda una vida. Citar es fácil, no es más que darle la documentación necesaria a la persona que hace el trabajo duro y pedirle que lo repita. Pero ser influído de un modo fructífero conlleva una mezcla complejísima de voracidad, intrepidez, curiosidad y suerte. En otras palabras: Casi nadie sabe dirigir cine. Y los que hemos dado un par de pasitos en esa dirección, y no se nos permite ser autocomplacientes, cada vez nos enfrentamos con más horror al reto de la composición del espacio y el tiempo.
El estudiante de cine se enfrenta a muchos laberintos antes de su primer día de rodaje. Pero ha de saber que uno de ellos es, precisamente, desembarazarse de esa ilusión de sabiduría y dominio que todos llevamos a cuesta en nuestros comienzos, y que supone un ataque frontal a nuestra creatividad.
No sabemos nada. De hecho, no tenemos ni pajolera idea. No sabemos qué contar ni cómo, ni siquiera si tenemos algo que contar. Ni siquiera si seremos capaces de contar algo que no pueda contar mejor y más barato el de al lado.
Y a partir de esa sospecha inicial (pero que, por otro lado, no te abandona durante toda tu vida) uno empieza a pensar en los auténticos motivos para plantar la cámara aquí, y nunca allí.

Nacho Vigalondo, en su blog Nacho Vigalondo - Diario Cinematográfico
Link: http://blogs.elpais.com/nachovigalondo/2009/08/mata-el-cine-la-creatividad-del-estudiante-de-cine.html

Hermanas, sobre Hace mucho que te quiero, de Philippe Claudel

2009-08-04T21:52:00.004-03:00

La ópera prima del escritor francés Philippe Claudel me hizo acordar a varios pasajes del último film del inglés Stephen Daldry, The Reader. Y, sin dudas, en dónde más lo percibí es en el calibre de sus actuaciones protagónicas. Si Hannah Schmidt, con esa mezcla de frialdad, mesura y rigidez, terminó por consagrar a la aún joven Kate Winslet, se puede afirmar que a Kristin Scott Thomas, veterana y solidísima actriz, la Juliette de Hace mucho que te quiero, volvió a ponerla en la mirada de artistas y críticos de cine.

No era difícil que el film no me gustase. Reúne varios de los condimentos que me cautivan como espectador: drama familiar, reencuentros que se las traen, énfasis absoluto en un elenco sólido y confiable, climas logrados con sutileza y empeño...

Además, los roles protagónicos recaen en dos mujeres, y ése es otro punto que a mi me suma, me interesa, sobretodo si están tan bien resueltos como sucede en este caso gracias a Scott Thomas y a Elsa Zylberstein.

Hace mucho que te quiero se destaca más en el guión que en la dirección, correcta y ya. Pero Claudel tuvo buen criterio para elegir a su elenco, y se valió de una trama casi impecable para su debut en fílmico. Aquí hay demasiada tensión, bastante dolor, soledad y angustia. Pero de ninguna manera hay "redención", un término tan utilizado por críticos y espectadores para sumar una crítica cuando lo creen necesario. Vean el film y piensen si estos personajes pueden encontrar la redención...

Algo que se agradece, y mucho, es el delicado trazo con el que se cuenta el reencuentro de las hermanas, sin caer ninguna de ellas en los estereotipos o lugares comunes a mano, así como sucede con el resto de los personajes y el contexto en general. De hecho, la relación misma de Juliette con el policía que vigila su libertad condicional es un hallazgo, o con su cuñado.

Como varios films con personajes polémicos, éste acierta al poner todas las cartas sobre la mesa y poco a poco ir desarrollando los conflictos y realidades, como ocurriría en la vida misma.

Nos habíamos amado tanto, sobre Un conte de Nöel y Reyes y Reina, los dos últimos films de Arnaud Desplechin

2009-07-22T20:56:00.006-03:00

Arnaud Desplechin ya ingresó para quedarse en mi lista de directores a seguir. Lo descubrí con Un conte de Noël, titulada aquí El primer día del resto de nuestras vidas, y luego inspeccioné aún más en el otro film disponible en Argentina: Rois et reine, aquí Reyes y Reina.
Este director tiene una obsesión, en ambos films, por las relaciones amorosas, pero sobretodo las familiares. Hay más de una conexión entre ambos, al darme cuenta por ejemplo de que la familia Vuillard, en la ficción de El primer día…, porta el mismo apellido que el protagonista de Reyes y Reina, Mathieu Amalric, actor presente en ambos films, con características similares en los roles que compone. En la primera, su personaje es Henri Vuillard, mientras que en la segunda, encarna a Ismaël Vuillard. Y en ambos films también hay heridas profundas y distanciamientos no del todo esclarecidos entre hermanos, así como también turbias relaciones de padres e hijos (por momentos cálidas), amores desencontrados, viejos amantes decepcionados, frustraciones personales que conducen a la decadencia, y ciertos aires de esperanza, generalmente a la hora de cerrar los relatos.

Ante menudo coctel de relaciones humanas, Desplechin no se amedrenta, sino por el contrario utiliza la cámara en todas sus formas, componiendo notables encuadres, y mezclándolos con cámaras en mano, zooms agresivos, ejes saltados, expresivos fuera de campo y, además, cortes fuera de raccord, tiempos quebrados y elipsis notables.
Por otra parte, en ambos trabajos la duración es superior a las dos horas y cuarto, y en Reyes y Reina hay un organizado desorden, al estilo del cine de Iñárritu, aunque algo más moderado, mientras que en El primer día… todo se centra en la familia en cuestión, y sin embargo, en no más de ocho personajes, cada cual brinda material de sobra para las dos horas y media de metraje y aún más.

Se lo podrá juzgar de ambicioso, de querer abarcar demasiado, de retratar situaciones delicadísimas con una sobriedad rayana en la indiferencia, pero son esas las características que lo consagran a Desplechin como autor absoluto de su propia creación cinematográfica.
Particularmente, me costó adentrarme en la trama de Reyes y Reina, pero bien vale subrayar los capolavoros de Emmanuelle Devos y Mathieu Amalric, exprimidos al máximo a nivel interpretativo por su director.

En el caso de El primer día…, disfruté de una obra mucho más acabada, pulida y refinada, una mezcla rara entre el drama y la comedia. Al salir del cine, lo agradecí. Con el paso de los minutos, me fue invadiendo un dejo de angustia y tristeza. Y es que eso tiene el film: los Vuillard se hacen querer como familia, y uno los conoce a través de la óptica de su autor, identificándose con todos ellos, pero cuando los tres días en los que se reúnen concluyen, mucho trapitos al sol han quedado expuestos, y uno como espectador empieza a recibir los golpes y frustraciones de cada uno de ellos.
En ese sentido, la mamá de Catherine Deneuve, el papá de Jean-Paul Roussillon, los hijos personificados en Amalric, Anne Consigny y Melvil Poupaud, y los familiares políticos que juegan Chiara Mastroianni, Hippolyte Girardot y Emmanuelle Devos, merecen todos los honores. Estamos ante un excelente reparto, sin aristas, similar al resultado del film.

Crímenes del corazón, sobre Monster's Ball, de Marc Forster

2009-07-22T19:58:00.003-03:00

Hay dramas y dramas. Existen películas intensas, y las hay también desgarradoras, de esas que tienen la virtud de dejar al espectador en KO. Monster’s Ball (Cambio de vida en Argentina, El baile de los muertos en otros países hispanohablantes) es una de ellas.
Dirigida por el ecléctico Marc Forster –ver texto aparte-, ésta es una trama de personajes densos, inmensos en contextos duros, limitados, fríos.
Sin embargo, el film quedará en la historia (o al menos su mayor característica será) por ser el que le valió el primer Oscar a una actriz negra por un rol principal: Halle Berry.
Y sí, la Leticia Musgrove que encarna Berry es de una intensidad, una entrega y una visceralidad dignas de ser premiadas, y es mérito de Forster el brindarle semejante rol a una actriz que en materia cinematográfica no había podido lucirse, aunque su Dorothy Dandridge para un telefilm estadounidense haya cotizado su carrera con justo reconocimiento. La otra cara del film es el comisario Hank Grotowski al que le presta el cuerpo Billy Bob Thornton. Rol difícil para un actor, porque el personaje requiere cierta –excesiva- tranquilidad, y parece explotar sólo una vez (prestar atención con qué o quién), y Thornton se muestra así: pacífico, resignado, y a la vez honrado por su crudo cargo penitenciario, y con una difícil carga familiar, que lleva consigo del único modo que puede, soportándolo sin quejas ni depresiones.
La tercera pata, ya en un secundario claro, es el hijo de Grotowski, al que Heath Ledger personifica en la primera media hora. Su apatía recuerda, por momentos, el ascetismo de su Ennis del Mar, el papel consagratorio de su carrera, por Secreto en la montaña.
Forster se luce dirigiendo actores, y sabe manejar las riendas de un guión durísimo, en el que ocurren bruscos giros dramáticos, sobretodo en los primeros cuarenta minutos de metraje. Los novatos Milo Addica y Will Rokos fueron los responsables, y por su original script llegaron a ser nominados al Oscar.
Cambio de vida es sin duda un film que divide aguas entre los que se presten al dramático ir y venir de estas almas carentes de tantas cosas. Forster los retrata con oficio y cierto alejamiento, que se agradece. El film golpea, casi desde el inicio, por lo que nada se percibe maniqueo o en pos de. Los hechos son fuertes, porque la vida también a veces lo es, y hay que ser valiente, profesional ¡y artista! para poder contarlo en menos de dos horas.

Plus
Halle Berry tiene un par de escenas soberbias. Y una mirada intensa que conmueve y da escalofríos. Dan ganas de verla en roles así más seguido. Su carrera ha ido cuesta abajo, pero de vez en cuando elige bien, y vuelve a mostrar su oficio. El caso más reciente es el film que protagonizó junto a Benicio Del Toro: Lo que perdimos en el camino (Things we lost in the fire), de la danesa Sussane Bier, comentada en su momento en Sala de Cine, cuyo link adjunto, disponible en el archivo: http://salacine.blogspot.com/2008_05_18_archive.html

El director multitarget
Marc Forster debutó en el celuloide con un oscuro thriller titulado Loungers, en 1996. Le siguió un drama independiente encabezado por la dupla Rhada Mitchell – Megan Mullally, Un grito en la noche (Everything put together). Al año siguiente, Cambio de vida, un proyecto bien diferente a sus predecesores. Pero en 2004 sorprendió que consiguiera la dirección en un film de estudio, con holgado presupuesto, y varias estrellas: Descubriendo el País de Nunca Jamás (Finding Neverland). Forster demostró estar a la altura, y el film sobre el escritor de Peter Pan es hoy un fresco emotivo y mágico.
2005 es el año del regreso a sus inicios, y dirige a Ewan MacGregor y Naomi Watts en el film de suspense Tránsito (Stay), para luego manejar los hilos de la comedia con la inteligente Más extraño que la ficción (Stranger tha fiction), de 2006.
Y como Forster es un realizador hambriento de desafíos, en 2007 se topó con un best-seller, The Kite Runner, y puso su sello en Cometas en el cielo. Como si todo ello no bastara, cambió de género nuevamente, otra vez como director mainstream, nada menos que para dirigir al nuevo 007 en Quantum of Solace.
Cada cual podrá juzgarlo visionando su filmografía, y habrá quien lo condene por la falta de una coherencia en su propio camino temático como director/autor. En mi humilde visión, Marc Forster es un realizador de ¡cuarenta años! que ha sabido navegar distintas aguas, con la mayor valentía, rigor y oficio, y destellando, de vez en cuando, pinceladas de gran director. Su carrera recién comienza, tiene tiempo de sobra para seguir inspeccionando nuevos géneros…

Dossier Jean-Pierre & Luc Dardenne

2009-07-06T08:53:00.006-03:00

Personajes ricos, con personalidad, perturbados, navegando en un contexto dramático y cruel, que muchas veces exige lo peor de cada uno, pero en ocasiones surgen las buenas causas.
Famosas cámaras en mano, planos secuencia largo, violentos, muy movidos.
Detalle absoluto en el accionar cotidiano y en los quehaceres de sus criaturas.
Es esas aguas se mueven Jean-Pierre & Luc, los hermanos Dardenne. Documentalistas en el pasado, directores de ficción en el presente. Aclamados, polémicos, analizados, con sello propio.
Directores mimados tal vez en demasía por el círculo cinéfilo más exigente, los Dardenne han ganado, como pocos –muy pocos-, la Palma de Oro en dos oportunidades (Rosetta y El Niño), al igual que sus actores Emilie Dequenne y Olivier Gourmet se han llevado sus Palmas como mejores actores (por Rosetta una y El Hijo el otro.)
Por el estreno meses atrás de El silencio de Lorna en nuestro país, casi un año después de que compita en Cannes y se alzara con la Palma al mejor Guión, revisité parte de la obra de ficción de estos artistas, con excepción de sus primeros dos trabajos en el campo de la ficción, y arrancando desde La promesa y hasta Lorna.
Lo que me ocurre como espectador con sus filmes es que los aprecio mientras los miro, pero cuando terminan, siento que no me impactan como espectador, ni me quedo pensando en ellos, que de todos modos no es lo que espero de cada film que veo. Sin embargo, con varios trabajos de los Dardenne, con el correr de los días poco a poco recuerdo y analizo secuencias y personajes sobretodo, de esos mundos asfixiantes que crean a su modo.
En algunos films, la empatía y el dejarse llevar ocurren de modo natual, como en La promesa o El silencio de Lorna, mientras que en otros puede resultar más complejo, como en El niño, Rosetta, o El hijo sobretodo.
Pero considero que lo más interesante, es el modo en que construyen cada personaje protagónico, cada alma tomada incansablemente por la cámara. En ese sentido, Emilie Dequenne en Rosetta, Olivier Gourmet en El hijo, Jérémie Renier en La promesa y El niño, y Arta Dobroshi en El silencio de Lorna, son criaturas tan vulnerables como verosímiles, tan intensas como volátiles, tan humanas como ricamente ficticias.

Alejandro Doria

2009-06-18T00:12:00.003-03:00

Enrique Pinti, actor cómico de nuestro país, lo acaba de dejar bien claro en una entrevista en la Legislatura Porteña, donde fue a velar a su colega Fernando Peña, también fallecido en este día gris para la cultura nacional: "los actores queríamos que cualquier director sea como Doria." Y es que este realizador de 72 años, fallecido a causa de una neumonía crónica, era celebrado por sus dotes de notable director de actores.

Su último film estrenado fue Las manos (2006), ganadora del Goya al mejor film extranjero. Con su sello, nos legó diez films que enriquecen la historia del cine argentino. Desde su ópera prima, Proceso a la infamia (1974), pasando por Contragolpe y Las islas (ambas de 1979), Los miedos (1980), Los pasajeros del jardín (1982), sobre la novela homónima de Beatriz Guido, escritora y guionista, esposa de Leopoldo Torre Nilsson, la conmovedora Darse cuenta (1984), Sofía (1987) y Cien veces no debo (1990). Pero seguramente será recordado por esa película emblemática, ya un clásico del cine argentino, como Esperando la carroza (1985), un proyectó que nació de la obra teatral homónima, y que Doria supo plasmar en celuloide con los mejores recursos y, fiel a su estilo, un elenco soberbio de actores, hoy de raza: Antonio Gasalla, China Zorrilla, Betiana Blum, Luis Brandoni, Juan Manuel Tenuta, Mónica Villa, Lidia Catalano y Darío Grandinetti.

Actualmente, trabajaba en la adaptación de la primera novela de la autora de Las viudas de los jueves, Claudia Piñeiro, titulada Tuya. Para ese film, ya tenía "apalabrado" el protagónico de Erica Rivas, quien privilegió trabajar con Doria ante el ofrecimiento del rol protagónico de la comedia televisiva Los exitosos Pells, de actual emisión, con éxito, por la pantalla de TeLeFé.

En la industria dicen que no era fácil, que era severo, riguroso, obsesivo. Del mismo modo que los actores hablan de él con un cariño y una catarata de elogios.

Hace instantes, la diva del cine argentino por excelencia, Graciela Borges, lo recordaba acongojada y sorprendida, pero con lucidez y respeto, con justicia, porque Alejandro Doria era un gran director, no sólo de cine, sino también de tv, gracias a ciertas miniseries que trascendieron el género.

Desde este humilde espacio, dejo por escrito parte de esa cosecha artística que sembró como pocos. Luz, cámara, y recuerdos, recuerdos vivos, ¡acción!

Cosas que perdimos en el fuego, sobre "Lejos de la tierra quemada", de Guillermo Arriaga

2009-06-15T01:37:00.006-03:00

En la carrera de todo guionista, pareciera estar escrito que si éste triunfa con uno o varios guiones, el siguiente paso es la dirección. En el particular caso de Guillermo Arriaga, se sabe de sus diferencias irreconciliables con el director Alejandro González Iñárritu, y de su ruptura luego de tres asociaciones exitosas y de calidad: Amores perros, 21 gramos y Babel. Arriaga ha expresado su desilusión en relación a la dirección de esos films, ya que él entendía que podría haberse desarrollado un trabajo conjunto entre la realización y el guión, desde Amores perros en adelante. Pero así como ha mostrado sus inquietudes y expresado sus principios (él no se considera guionista, sino escritor, pues un guión es a su modo de ver, literatura, sin más), ha sabido construir paralelamente su carrera en el cine, adaptando dos novelas propias para otros directores mexicanos, y hasta escribiendo la que fuera la ópera prima como realizador de Tommy Lee Jones, Los tres entierros de Melquíades Estrada. Y como si todo ello fuera poco, por ese film obtuvo el premio a mejor Guión en Cannes 2007, y consiguió su única nominación al Oscar hasta el momento por el guión de Babel.

Luego de la ruptura con Iñárritu, se impuso un nuevo camino, en el que pudo plasmar esas ansias por dirigir, previa escritura del guión. El proyecto contó con la producción de varios estudios y de la actriz Charlize Theron, quien además se ubicó en el protagónico, junto a la espléndida Kim Basinger. Así surgió Lejos de la tierra quemada.

Con estructura coral, fiel a su estilo, Arriaga está lejos de repetirse, y en cada personaje y entramado, su inventiva y desarrollo es notable. No es oportuno sintetizar la trama, es mejor sumergirse y "perderse" a los primeros minutos, con varias madejas desovilladas, sin puntos de conexión. Poco a poco, Arriaga se vuelve generoso y empieza a develar ciertas uniones entre el pasado y presente de unos y otros, en esta historia en la que hay dos familias, infidelidades, secretos, relaciones de padres e hijos dificultosas, pasión y venganza.

Lejos de la tierra quemada cuenta con un sobrio elenco, y al dúo femenino protagónico, se deben sumar las notables labores de Jennifer Lawrence, John Corbett, Joaquim de Almeida, J.D. Pardo y Robin Tunney.

Arriaga no cuenta con Rodrigo Prieto ni con Santaolalla para la fotografía y la banda sonora características en la filmografía de Iñárritu, pero sabe rodearse nada menos que de Robert Elswitt (Oscar a mejor Fotografía por Petroleo sangriento/Pozos de ambición) y Hans Zimmer en la partitura original.

Es momento de que este guionista y director despegue más de la plataforma actual, e incursione en otro tipo de estructuras que, a la vez, le permitan diferenciarse de su "enemigo íntimo". De momento, ha empezado con el pie derecho. Arriaga demuestra aquí que sabe generar tensión, dramatismo y emoción. O sea, conoce bastante bien varias herramientas dignas del séptimo arte.

Noche de estreno

2009-06-09T09:33:00.002-03:00

En el día de ayer, lunes 8 de junio del corriente, los alumnos de 3º Año de la Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica, nos dimos el gusto de mostrar nuestro cortometrajes de ficción realizados en soporte 16 mm. Los mismos corresponden a las cátedras de las áreas de Realización, Guión, Producción, Montaje, Sonido y Fotografía, del 2º año, cursado en 2.008.
Para la mayoría de los alumnos, fue una experiencia nueva, en la que pudimos compartir a sala llena (250 butacas) nuestros trabajos curriculares, y verlos como espectadores al igual que nuestros familiares, amigos, actores y diversas personas que colaboraron en las distintas etapas de los cortos.
Un agradecimiento en especial al Espacio Cine Gaumont KM O, el complejo que depende del I.N.C.A.A., y a las autoridades, que nos brindaron un generoso espacio de tres horas, cediendo funciones de películas comerciales, para nuestra proyección.
A continuación, los diez cortos proyectados, y sus respectivos realizadores: Dice que no sabe, Valeria Sartori; El sueño de los justos, Agostina Bryk; El encargo, Gonzalo Echagüe; El último viaje de Gulliver, Gustavo Cornaglia; Herencia, Martín Ghiglione; La historia del Niño y su Pájaro, Francisco Márquez; PutaMadre, Valentina Miño Savanco; Regreso a Menester, Carolina Carrillo; Sea una familia feliz, Andrea Testa; Anticuario, de quien suscribe, Tomás Sala.

El amor y el espanto, sobre The reader, de Stephen Daldry

2009-06-02T10:01:00.001-03:00

Finalmente vi The reader/El lector. Imagínense que al ser dirigida por Stephen Daldry, y protagonizada por Kate Winslet, mis expectativas eran demasiadas, y resistí la tentación de verla en copia "pirata" para darme el gusto de disfrutarla en la gran pantalla. Claro que por esas cosas de las distribuidoras, recién en mayo llegó a nuestro país, demorado estreno para un film que había sido nominado al Oscar como mejor Película. En su momento me di el gusto de ver las restantes cuatro candidatas también en cine, así que The reader no iba a ser la excepción.
Es cierto que en cuestiones de aspectos formales, el film está muy bien. No voy a utilizar mi espacio para llenar renglones "juzgando" algunos ridiculeces que ponen en su boca los críticos más papistas que el Papa, afirmando que ésta es una película digna de la Academia, para seducir a un determinado público, con un rigor puesto en tela de juicio, con temas tratados de modo "amable", "cordial" o "sin profundidad". Los que sentimos pasión por el cine ya sabemos que cuando un film trata temas "delicados" allí estarán los críticos, siempre dispuestos a citar grandes autores (siempre Resnais y su Noche y niebla el santo evangelio) y a darnos lección de cómo un cineasta debe manejar ciertos temas, y cierta moralina que despiden en sus "críticas". Los invito nomás a ingresar a http://www.otroscines.com/ y leer la lamentable reseña de Diego Batlle sobre el film, y las reacciones y acertadas réplicas, en general, de sus lectores.
Pero yendo a lo que generó en mí, The reader, percibo, no fue filmada con la misma pasión con que Daldry sí lo hizo en sus anteriores, y excelentes (sí, excelentes, esto es subjetivo, y lo aclaro porque hay tantos que odian a Daldry sin argumentos) Las horas y Billy Elliot. Si bien sigue sin fallar en elecciones imprescindibles como el casting, y en aspectos secundarios pero notables como la banda sonora, la fotografía y el diseño de producción, El lector es una película que, como leí varias veces, puede ganar en segundos visionados. Uno la ve por primera vez, y le queda una sensación amarga, triste (por la trama en sí), pero también cierta sensación de haber visto un film de difícil digestión. Hay una mesura y una contención a lo largo de todo el metraje, de la que Daldry se hace cargo y es coherente, a diferencia de sus anteriores trabajos, y esto se nota (y habla bien de él, de su trabajo y de su tratamiento visual y formal) en los trabajos del elenco y en sus encuadres y puestas de cámara.
David Kross se carga el film al hombro, y su rol es interpretado con un talento que está al nivel del papel "más importante" hasta el momento en la carrera de Kate Winslet. Lo de Kate es una actuación compleja, de esas interpretaciones que uno no duda en elogiar y premiar. El suyo es un rol con un pasado omnipresente, y un presente frágil y tierno, y Winslet sabe armonizar ambos, y demuestra que es una actriz notable en ciertas miradas o ante determinadas acusaciones. ¿Merecía el Oscar? Como espectador, me cuesta sentirme atraído por este tipo de actuación, en relación a otro tipo de personajes, más viscerales y sanguíneos, de mayor expresividad y actitud, y por ello se impone en mi mente, en esa competencia, la estupenda Anne Hathaway en Rachel getting married. Aunque ya le llegará su turno. Winslet sabe de eso.
Lena Olin da una clase de profesionalismo en breves minutos, y Ralph Fiennes gana presencia y fuerza en los tramos finales, ya que en la primera parte está bastante desdibujado.
Veremos qué pasa con The reader en el futuro. De momento, es un interesante film.

Años rebeldes, sobre "Días de mayo", de Gustavo Postiglione

2009-05-19T13:00:00.004-03:00

Cuando pienso en la película que presencié anoche en su avant première porteña, me viene a la cabeza una palabra que no es sencilla de transmitir, a modo de sensación, contexto o atmósfera, en la gran pantalla: "nostalgia". Y puede que haya sido uno de los objetivos primordiales de Gustavo Postiglione, director que quiso plasmar en su nuevo film a esa juventud idealizadora, revolucionaria y rebelde, pero también inocente, tierna y fresca. Pienso entonces que fue un acierto haber trabajado un casting del cual salieron las caras protagónicas de Días de mayo.
Postiglione se sumerge en su proyecto más ambicioso, rodado en un expresivo blanco y negro, y ambientado con rigor en diversas locaciones de su Rosario, para hablarnos desde los primeros minutos del "Rosariazo", y del flechazo que se gesta en esa movilización entre Laura y Pablo, los jóvenes protagonistas, interpretados por la carismática y espontánea Agustina Guirado, que se carga el protagónico al hombro, y por Santiago Dejesús, unos escalones más abajo que su partenaire. En roles secundarios se luce otros actores "descubiertos", Caren Hulten y Juan Nemirovsky, y muy particularmente Antonio Birabent, en un rol desopilante.
En general, se percibe la variedad de temas que Postiglione quiso retratar, y no todos fluyen como debieran. Hay también cierto estereotipo en el modo de concebir a los personajes, aunque se acepta si se entiende que estamos ante una historia de viejas ilusiones e ideologías, de tiempos pasados, de otros estados de ánimo, de otras luchas sociales.
Postiglione da un paso adelante, y tal vez éste sea su film más "pensado" o logrado, el que le permita asomar aún más sus inquitudes artísticas por fuera de Rosario. Esperemos que en un futuro, sepa sortear mejor ciertos vicios y algunas obviedades, y manejar con mayor solvencia ciertos tempos que por momentos deslucen la trama de su Días de mayo. Más allá de eso, sale airoso como director de actores, y consigue hacernos querer a estos jóvenes de los cuales tranquilamente podríamos enamorarnos, en esos tiempos tan complicados, pero también tan particulares. Sensaciones que cobran vida en esta película.

En la ciudad sin límites, sobre "La Sangre Brota", de Pablo Fendrik

2009-05-17T13:02:00.002-03:00

Hay un nuevo realizador argentino. Sus primeros dos filmes se estrenaron en Francia, y ambos estuvieron en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes en sus dos ediciones anteriores.

El asaltante es su ópera prima, y aún no pude verla. El protagonista es Arturo Goetz, quien repite cartel en su segundo largo, junto a Nahuel Pérez Biscayart, como un padre e hijo en una relación particular. La madre tambíen tiene lo suyo. Y hay varios personajes más, que rondan por allí, con intereses personales, y con la plata como meta final o como medio para. Hablo de La sangre brota, una película desgarradora, punzante, bien en el estilo por el que ha debutado este director.

Y si las cálidas críticas y los elogiosos comentarios Lo sitúan como un director con futuro, consagrado por dos filmes, superándose a sí mismo, puedo empezar a coincidir luego de ver su segunda obra.

Pablo Fendrik escribió una especie de relato coral, entre madre, padre e hijo, pero también entre personajes relacionados con ese padre, taxista, y ese hijo, adolescente perdido.

Desde el minuto uno, Fendrik, ya en su rol de director, se las ingenia para meterse al espectador en el bolsillo, y no lo hace con una situación explícita desde la trama. Por el contrario, en los primeros veinte minutos, o algo más, el relato no parece avanzar demasiado, pero ya en la presentación de los personajes, y en los contextos en que se mueven, Fendrik va construyendo una capa de tensión y angustia notables.

Quiero decir que antes de la media hora, como director logra un clima espeso del cual ningún espectador quiere perder detalle, aunque aún no sepa qué está en juego. Luego sí las cartas están sobre la mesa, los personajes más afilados, y las acciones más definidas. Y así, in crescendo, la película aumenta las dosis, y los hilos manejados por Fendrik transitan una especie de "caos calmo".

Fendrik compone encuadres y situaciones en sitios muy transitados de Buenos Aires, pinta primerísimos planos muy crudos y, de a poco, va soltando su ira. No nos olvidemos que aquí, en algún momento, la sangre va a brotar.

Como director, además de utilizar con maestría las posibilidades de la cámara, y de darle al sonido un lugar fundamental, que se luce y está presente como en el mejor cine de Lucrecia Martel, Fendrik también se las arregla para dirigir a un elenco homogeneo y talentoso, en el que todos brillan. Y es en su protagonista Arturo Goetz donde mejor se comprueba, aunque haya secundarios notables como los de Ailín Salas, Carolina Balbi y Guillermo Arengo.

Hay algo de la tensión manejada con talento por Paul Schrader en su film Aflicción, y también climas que remiten a la filmografía de Mike Leigh. Pero Fendrik realmente sorprende, hace la diferencia, porque su película parece dirigida por alguien con muchas más horas de vuelo.

Espero que el público argentino pueda darse la oportunidad de descubrirlo, para empezar a torcer ese destino del "nadie es profeta en su tierra", tan presente en nuestro cine.

Buenos muchachos, sobre "Gomorra", de Matteo Garrone

2009-05-14T10:11:00.002-03:00

Se ha dicho bastante sobre Gomorra. Los críticos han alabado su "rigurosidad", su "radiografía casi documental", su "solemnidad". Yo la he encontrado como un film "correcto" y "prolijo", pero... Sí, desde ya que prefiere un cine con más sangre si hablamos de la mafia. Sé que hay patrones, y que como espectador espero mayores referencias a clásicos como la saga de El Padrino, a la filmografía de Scorsese, a algunos trabajos de De Palma, o para ser más actuales, a las primeras tres películas de James Gray, una trilogía sólida que completó con Los dueños de la noche.
Es cierto que Gomorra no centra el tema de la mafia en relación a una familia, o a vínculos de sangre o de herencia, ni se juega el honor o la traición a través de las acciones de sus personajes. El filme busca ser un fresco de esa organización poderosísima que extiende sus lazos desde Italia hacia el munco: la Camorra.
Pero creo que Matteo Garrone, como director, se contiene demasiado. Así como son prolíficos y notables sus encuadres en grandes planos generales, pienso que el film está tratado con la misma distancia. La cámara se impone, registra todo, pero falta mayor pulso, tensión, conmoción.
El cine, a esta altura, puede hacer grandes cosas con una trama así, sin necesariamente plagiar a viejas joyas del género. Gomorra opta por la discreción, y la controversia y las expectativas parecen ser parte de otro cuento, ése que nos vendió la prensa y la distribuidora de la película y del libro homónimo de Saviano. Pero en el film mismo, no es tan fácil descubrirlo.
Algo a favor: creo que de todos modos es un film correcto, bueno, y algunos encuadres y ciertos climas persisten en mí. Pero sostengo que su contrincante en varios festivales y premiaciones, Il Divo, es altamente superior.

Los mejores años de nuestras vidas, sobre "Two for the Road", de Stanley Donen

2009-05-13T09:25:00.005-03:00

Hace un tiempo, hablando con una persona de confianza sobre mis intereses como estudiante de dirección de cine, le comentaba de mi atracción por las tramas en las que rigen los encuentros y desencuentros de personajes, más allá de los motivos que los llevan a unirse y a separarse en cada film. Y me recomendaron una película del año 1967, dirigida por el realizador de Charada, Stanley Donen.

Me encontré entonces con una encantadora pareja que se conoce, se enamora, discute, viaja con su hijo, se separa, y finalmente... De la mano de Audrey Hepburn y Albert Finney, Donen los lleva y trae en el tiempo, con continuos cambios de look (sobretodo de peinados) y en ocasiones, con pintorescos personajes secundarios, y siempre bajo paisajes cálidos y bellos de Europa, en viajes por la carretera que son los que bautizan con justicia al film: Two for the Road.

En su momento, el guión fue nominado por el Oscar, sin embargo se omitió el notable trabajo de un oficio y entrega totales que brinda Stanley Donen. Two for the Road es una road movie sumamente innovadora, en el mejor estilo de El graduado/Mike Nichols y Perdidos en la noche/John Schlesinger. Donen utiliza sin miedos ni pudor agresivos zoom in y zoom outs, encuadres virtuosos, planos detalle poderosos, y alturas de cámara de un amplio rango de variación. Y se vale de un montaje rico en detalles y en objetos en común o zonas de cuadro que nos llevan del presente al pasado de la pareja, o viceversa.

El ritmo es vertiginoso, y Hepburn/Finney nos van contando su historia con mínimas referencias, pues enseguida, y por movimiento de cámara, ya estamos en ese pasado al que hacían referencia. Entre ellos, además, hay una química notable, una conexión intensa gracias a la cual ninguno busca sobresalir ante el otro.

Two for the Road merece el descubrimiento/revisionado, así como también valorarlo como un film que en esa época ya hablaba con inteligencia de esas relaciones tan particulares y complejas a las cuales se les llama amor.

Actores de Reparto, según los Blogger

2009-04-29T10:22:00.002-03:00

Heath Ledger: ¿qué más se puede decir a esta altura sobre su labor en The Dark Night?
Ledger pasó la prueba, sin ser opacado por el sello que en su momento le impusiera al Guasón un colosal Jack Nicholson. Ledger se corrió de ese peso, y lo encaró a su modo. Tuvo el respaldo de un director muy visual, pero que evidentemente respeta a sus actores, y se largó a componer un rol particular y único.
En temporada de premios, no perdió ninguna de las nominaciones. Fue valorado por cuanto círculo de críticos, asociaciones y festivales. Y ya cercano al Oscar, triunfó en las antesalas de los Globo de Oro y en los premios del Sindicato de Actores.
No hay lugar al beneficio de la duda con respecto al Oscar: vivo o muerto, éste era un reconocimiento previsible, pero justo.
No creo que Blogger Awards vaya contra la corriente. Aunque no me corresponde como jurado y encargado de entregar este premio anticipar mis predicciones, pero ésta se cae de maduro. Seguramente, Heath Ledger sellará su temporada de premios con nuestro Blogger.

Retrato de una Dama

2009-04-25T02:13:00.003-03:00

Más de uno acertó en el primer intento. Pero hubo otros nombres: Brigitte Bardot, Rita Hayworth, Marlene Dietrich, y hasta la gran actriz argentina Norma Pons.
Pero no, era la actriz italiana por excelencia: Sophia!

En busca de la felicidad, sobre Happy-Go-Lucky, de Mike Leigh

2009-04-25T01:17:00.005-03:00

Es, cuanto menos, extraño ver a Mike Leigh manejando los hilos de una comedia tan edulcorada, bastante aleccionadora (en un buen sentido), con reiterados mensajes y connotaciones bastante gruesas, y realmente atípicas, si nos detenemos en la filmografía de este gran director.
Que Leigh se mueve mejor en las aguas del drama de los suburbios de Inglaterra es evidente: las sobresalientes "Secretos y mentiras", "A todo o nada" y "El secreto de Vera Drake" lo demuestran. Pero en esta nueva obra, pareciera que el realizador se encaprichó con hacer un film en el que la vida parezca realmente bella y genial, según su protagonista.
Y, tal vez, allí sea donde más ruido haya. He visto a Sally Hawkins en otros trabajos, e inclusive aquí, demuestra tener una gran presencia, espontaneidad y química, tanto con la cámara como con sus colegas. Sin embargo, en su rol de Poppy, está demasiado almidonada. Estamos ante un personaje que jamás se enoja, a la que le puede tocar un alterado emocional que le dice barbaridades en las clases de manejo, o una mediocre hermana que la trata de inmadura a sus treinta años, y Poppy siempre tiene una sonrisa y una respuesta sencilla y justificada sobre cada paso que da en su vida. Por otra parte, compone a su criatura con una desmesura atípica dentro de los personajes escritos por Leigh, y a su constante ruido de pulseras, se le suman mohínes y risas demasiado impostadas, lo cual evidencia un engranaje poco funcional en varios contextos. Es como que en varias escenas, a Poppy se la ve como una desubicada, o simplemente una mujer que en sus treinta, pareciera tener una edad mental inferior.
Entonces, son contados los momentos de verdadera calidez y de logradas actuaciones en conjunto. Así mismo, Eddie Marsan, en su rol de profesor de manejo, es el polo opuesto de Poppy, y obtenemos de él la misma desmesura y sobreactuación que en Hawkins.
A pesar de todo ello, sí, hay momentos en los cuales Leigh consigue su pátina esperanzadora y alegre, pero inclusive a nivel guión hay varias irregularidades que, a esta altura, es difícil pasar por alto en su carrera (aunque la Academia lo haya hecho nominando su Guión Original.)
Un film menor, entretenido por momentos, extenso en demasía en otros, con varias escenas "de más", y con un elenco correctísimo, pero con un par de cabecillas protagónicas algo revoltosas. Y el revuelo, a veces, satura.

Papeleta de nominados por Sala de Cine

2009-04-22T16:55:00.003-03:00

Les dejo mi lista de nominados, y las nominaciones finales, abajo. Así pueden comparar, y yo repaso las que considero acertadas, las omisiones propias, y algunas injusticias.

•Mejor Película
Slumdog Millionaire
Frost/Nixon
Milk
Changeling
Il Divo

•Mejor Director
Danny Boyle (Slumdog Millionaire)
Ron Howard (Frost/Nixon)
Clint Eastwood (Changeling)
Paolo Sorrentino (Il Divo)
Steve McQueen (Hunger)

•Mejor Actor
Colin Farrell (In Bruges)
Leonardo Di Caprio (Revolutionary Road)
Sean Penn (Milk)
Frank Langella (Frost/Nixon)
Mark Wahlberg (Reservation Road)

•Mejor Actriz
Anne Hathaway (Rachel getting married)
Meryl Streep (Doubt)
Angelina Jolie (Changeling)
Melissa Leo (Frozen River)
Kate Winslet (Revolutionary Road)

•Mejor Actor de Reparto
Heath Ledger (Batman)
Jason Butler Harner (Changeling)
Walter Jakob (Los paranoicos)
Phillip Seymour Hoffman (Doubt)
Brad Pitt (Burn after reading)

•Mejor Actriz de Reparto
Amy Adams (Doubt)
Viola Davis (Doubt)
Rosemarie DeWitt (Rachel getting married)
Penélope Cruz (Vicky Cristina Barcelona)
Jennifer Connelly (Reservation Road)

•Mejor Guión Original
Il Divo
Rachel getting married
Milk
Changeling
In Bruges

•Mejor Guión Adaptado
Slumdog Millionaire
Entre les murs
Doubt
Frost/Nixon
Revolutionary Road

•Mejor Edición
Il Divo
Milk
Slumdog Millionaire
Frost/Nixon
In Bruges

•Mejor Reparto
Rachel getting married
Milk
Il Divo
Slumdog Millionaire
Entre les murs

•Mejor Película Animada
Wall E

•Mejor Película de Habla no Inglesa
Leonera (Argentina)
Entre les murs (Francia)
Il Divo (Italia)
Hunger (Inglaterra-Irlanda)
El nido vacío (Argentina)

•Película más Poética
Slumdog Millionaire

•Mejor Fotografía
Changeling
The curious case of Benjamin Button
Milk
Il Divo
Revolutionary Road

•Mejor Dirección Artística
Changeling
The curious case of Benjamin Button
W.
Il Divo
Revolutionary Road

•Mejor Vestuario
Changeling
The curious case of Benjamin Button
Milk
Sex & the City
Revolutionary Road

•Mejor Maquillaje
The curious case of Benjamin Button
The Wrestler
W.

•Mejor Partitura
Slumdog Millionaire
Revolutionary Road
El nido vacío
Il Divo
The Dark Night

•Mejor Canción
The Wrestler (Bruce Springsteen)
Slumdog Millionaire (A.J.Rahman - Jai Ho)
El nido vacío (Jorge Drexler, Oscar mejor Canción “Diarios de motocicleta”)
Gran Torino (Clint Eastwood)
Slumdog Millionaire (A.J.Rahman - O Saya)

•Mejores efectos visuales
The Dark Night
The curious case of Benjamin Button
Wall E

•Película mas entretenida
Slumdog Millionaire
In Bruges
Frost/Nixon
Gran Torino

NOMINADOS FINALES A LOS BLOGGER AWARDS 2009

Película más entretenida

The Dark Knight
In Bruges
Let the Right one in
Slumdog Millionaire
Wall-e

Mejor Película Animada

Bolt
Waltz with Bashir
Wall-e

Película más Poética

The Curious case of Benjamin Button
Flight of the Red Balloon
Let the Right One In
The Reader
Wall-E

Mejor Canción

("Gran Torino")- Gran Torino
(“Jai Ho”) - Slumdog Millionaire
(“Little Person”) - Synecdoche,New York
(“Down to Earth”) - Wall-E
("The Wrestler") - The Wrestler

Mejor Partitura

The Curious Case of Benjamin Button
The Dark Night
Let the Right One In
Slumdog Millionaire
Wall-E

Mejor Maquillaje

The Curious Case of Benjamin Button
The Dark Knight
Hellboy II: The Golden Army

Mejor Dirección Artística

The Curious Case of Benjamin Button
Changeling
The Duchess
Revolutionary Road
Synecdoche, New York

Mejor Vestuario

Australia
Changeling
The Curious Case of Benjamin Button
The Duchess
Revolutionary Road

Mejor Fotografía

Australia
The Curious Case of Benjamin Button
The Fall
The Reader
Slumdog Millionaire

Mejor Reparto

The Class
Doubt
Milk
Rachel Getting Married
Slumdog Millionaire

Mejor Edición

The Curious Case of Benjamin Button
The Dark Night
Frost/Nixon
Milk
Slumdog Millionaire

Mejor Guión Original

Frozen River
In Bruges
Milk
Rachel Getting Married
Wall-E

Mejor Guión Adaptado

The Curious Case of Benjamin Button
Let the Right One in
The Reader
Revolutionary Road
Slumdog Millionaire

Mejor Actor de Reparto

Heath Ledger - (“The Dark Night”)
Philip Seymour Hoffman - (“Doubt”)
James Franco - (“Milk”)
Ralph Fiennes - (“The Reader”)
Michael Shannon - (“Revolutionary Road”)

Mejor Actriz de Reparto

Amy Adams - (“Doubt”)
Viola Davis - (“Doubt”)
Lina Leandersson - (“Let the right one in”)
Penelope Cruz - (“Vicky Cristina Barcelona”)
Marisa Tomei – (“The Wrestler”)

Mejor Actor Protagonista

Frank Langella - (“Frost/Nixon”)
Sean Penn - (“Milk”)
Leonardo DiCaprio - (”Revolutionary Road”)
Richard Jenkins - (“The Visitor”)
Mickey Rourke - (“The Wrestler”)

Mejor Actriz Protagonista

Meryl Streep - (“Doubt”)
Melissa Leo - (“Frozen River”)
Anne Hathaway - (“Rachel Getting Married”)
Kate Winslet - (“The Reader”)
Kate Winslet - (“Revolutionary Road”)

Sobre los premios Blogger, mis Votos previos

2009-04-22T16:47:00.002-03:00

En el día de hoy se anunciaron los nominados a la segunda edición de los Premios Blogger al Cine 2008/2009, una iniciativa de José Barriga desde su blog, quien ha invitado ambos años a diversos cinéfilos de la comunidad que nos bloggea alrededor del cine y de los premios, abarcando desde los Oscar hasta sus periferias.
Yo me he sumado al jurado en esta segunda edición, y antes de hacer un análisis sobre los nominados finales, comparto con Uds. mis elecciones.
Aclaro que aún no vi (se estrena el 7 de mayo en cine, e iré corriendo a verla, pues no quise verla en dvd pirata) "El lector-The reader" ni tampoco la sensación hecha película que ha generado el film sueco "Let the righ one in", que veré en estos días, aunque no pueda incluir a ambos films entre mis nominados. De todos modos, comento esto porque las dos han sido incluídas entre las mejores películas, junto a "Slumdog millionaire", "Sólo un sueño-Revolutionary Road" y "Wall-E".

Como verán en mi lista, varios elegidos por mí no llegaron a los nominados. Entre ellos, y realmente me parece injusto, las actuaciones de Angelina Jolie en "El sustituto-Changeling" y Colin Farrell en "In Bruges".

Una actriz nos auspicia, gracias Caro!

2009-04-19T23:01:00.002-03:00

Como verán, Sala de Cine ha renovado su foto de tapa, o mejor dicho, ha cambiado la genial foto de La Dolce Vita por un particular e interesante logo encargado a una amiga, casi una hermana, artista en esto del diseño: Carolina González.

Esta joven periodista, productora, y diseñadora, le ha dado un toque personal a este querido blog.

La pregunta a los lectores que quieran participar es: ¿qué actriz emblemática es la que posa tan sensual y simpática para este espacio?

Espero aciertos y nombres varios.

Todos los hombres del presidente, sobre "Il Divo", de Paolo Sorrentino

2009-04-19T17:59:00.003-03:00

Días atrás se conocieron las nominaciones a los premios David di Donatello, que anualmente se entregan en Italia a través de su Academia de Cine. Es decir, como los Goya en España, los César en Francia, o los Sur, aquí en Argentina.

Es bueno enterarse que el film “Il Divo” cuenta con 16 nominaciones, superando a la favorita y muy mimada a nivel mundial “Gomorra”.
Y dichas nominaciones me sirven como excusa para contarles sobre esta biopic tan particular, y tan exquisita. Les presento, una vez más, a “Il Divo”.

Esta ambiciosa película cuenta, con sus permitidas y obvias licencias, la carrera que intenta emprender el estadista Giulio Andreotti hacia la presidencia del país. El relato oscila entre el pasado y el presente de esta especie de celebridad de la política, con su postura fria y calculada, paciente y tenaz, y sus relaciones, nunca del todo comprobadas, con la mafia italiana más densa que haya existido.

Todo el carisma, el pintoresquismo, la ambición y los diversos métodos empleados que no vemos en la piel de Andreotti, están presentes en sus colaboradores y detractores. Por lo que “Il Divo” se vale de un notable reparto de actores secundarios, y hasta una participación sin desperdicio de esa actriz que brilla con los primeros planos: la espléndida Fanny Ardant.

En tanto que Andreotti adquiere presencia desde la mesurada, contenida y soberbia composición que encarna el actor Tony Servillo, en auge dentro de su cine, ganador del David di Donatello el año anterior como mejor Actor, por un punsante policial titulado “La ragazza del lago” (“La chica del lago”).

Pero la verdadera estrella, el artífice máximo de esta obra, es su realizador, el genial Paolo Sorrentino. Lo que hace este artista con la cámara es sencillamente maravilloso. Hay que ver nada más los complejos y elaborados planos secuencia que regala al espectador, y las magníficas puestas en escena, que remiten a la histórica “El Ciudadano” y a la virtuosa y mágica “Ocho y medio”, gracias a los amplios decorados, y al uso frecuente de lentes gran angular, ejecutados por un talentoso Director de Fotografía.

Sorrentino exprime cada posibilidad de un montaje alucinante, y se expresa también a través de una riquísima banda sonora. Jamás falta el ritmo, la tensión, y la magia que cada encuadre puede brindar si cada área entrega lo mejor de sí. Esto significa que estamos ante un director virtuoso, ampuloso, que se regodea en sus técnicas y en sus puestas, y además consigue un relato casi coral, en un film de difícil encasillamiento, pues Sorrentino no se limita, y nos pasea de aquí para allá, gracias a un incansable guión de información constante, a transiciones en el tiempo y el espacio, a personajes sin desperdicio, y a un relato colosal sin fisuras.

Sin dudas, creo que éste va a ser “el film político del año”, y eso que en Argentina aún no se estrenó, pues yo pude verlo en el Festival de Cine Independiente de Buenos Aires.
Ojalá alguna distribuidora permita su llegada a los cines, porque “Il Divo” es un film que por su complejidad, su tratamiento, y su magnificencia, DEBE ser visto en la gran pantalla.

De aquí en más, sumo a Paolo Sorrentino a mi lista de directores admirados, y visitaré sus dos films anteriores, esperando pronto poder vivir una nueva experiencia cinematográfica de semejante vibración.

ESTE BLOG É UMA JÓIA

2009-03-26T15:46:00.002-03:00

Muchas gracias a Víctor que desde su blog eligió a mi espacio como uno de los tres blogs que siempre tiene en cuenta, y en el caso de Sala de Cine argumentó "Porque disfruto mucho leyendo sus análisis."
Me siento muy halagado, y respetando la tradición iniciada en otros blogs (desde allá lejos en España!), y que se ha ido haciendo cadena, procedo a elegir mis tres blogs de referencia constante.

Mis tres premiados son:
http://laroskibajolalluvia.blogspot.com/ Una cinéfila que desde su espacio invita a la alegría constante, y con un pintoresquismo particular para ver el mundo que la rodea.
http://unblogdepelicula.blogspot.com/ El blog mejor diseñado que he visitado y visito. Sin el caudal de información sobre cine que encuentro en otros compañeros, pero sí con data interesante sobre temas menos enfocados, y visualmente atractivos.
http://marianotodooscars.blogspot.com/ Por ser el primero que descubrí y me fue llevando a los otros compañeros de Blogs Cinéfilos. Por su constante información y su modo particular de analizar los Oscar y en esta etapa post Oscar, las películas en general. Tiene un criterio muy interesante que obviamente no siempre comparto, pero que respeto.

Las reglas que debo seguir como premiados son las siguientes:
- Exibir la imágen del premio
- Elegir 5 personajes famosos con los que nos gustaría cenar, celebrando el premio.
- Poner el enlace de la persona que me ha premiado
- Elegir 3 personas para premiar
- Escribirles un mensaje en su blog para que se enteren de su premio
Y los 5 famosos afortunados con los que yo tendría la fortuna de cenar son:
Roman Polanski, Glenn Close, Charlie Kaufman, Anne Hathaway y Vittorio Storaro.

¿Por qué? No sólo por ser artistas de enorme talento, sino porque me pondría en rol de productor y los invitaría a cenar con un proyecto bajo el brazo que de algún modo marque el regreso de Polanski como un realizador de films oscuros, perversos, ambiciosos y magníficos, de la mano de un escultor de la luz como el genial Storaro. Escrito por el no menos perverso pero a la vez brillante, histriónico y tierno Charlie Kaufman, y con una gran dupla femenina actoral que, considero, simboliza a un veterano de la actuación que ha sabido brillar y componer grandes papeles como la Sra. Close, y a una juventud en constante ascenso, con mucho talento aún por explotar, como sería el caso de la Srita. Hathaway.

El viaje a ninguna parte, sobre Historias extraordinarias, de Mariano Llinás

2009-03-23T13:24:00.001-03:00

"Historias extraordinarias" es el segundo film del director argentino Mariano Llinás, cuyo trabajo anterior fue el notable documental "Balnearios". Este nuevo trabajo viene generando expectativa y buena acogida de público, más algunos extensos espacios de textos y análisis por diversos medios. Se trata de una película de ¡cuatro horas de duración! que se proyecta en centros culturales (actualmente sólo en el MALBA.)
Fue presentado un año atrás en la 10º edición del BAFICI, con excelente repercusión y premios para su director. Los reconocimientos perduraron, y hace poco más de un mes fue considerada la mejor película nacional de 2008 por la crítica especializada (FIPRESCI.) superando a "Aniceto" de Favio, "Leonera" de Trapero, y "La mujer sin cabeza" de Martel. Paradójicamente, los Cronistas de Cine porteños que entregan los Cóndor de plata anualmente, relegaron al film a la categoría de "Video-Film", ignorando sus méritos en categorías como montaje, sonido, banda sonora y guión original. Veremos si la Academia de Cine argentino actúa con el mismo (y ridículo) rigor al momento de dar a conocer sus nominados a los premios Sur.
Más allá de la cuestión de los premios, y de la particular distribución y reproducción actual del film en cuestión, sepan que de antemano hay que tener predisposición para estar frente a la gran pantalla unas cuatro horas. Una vez sumergidos en la aventura, estamos ante una notable experiencia cinematográfica, un relato clásico y casi sin fisuras, con varias historias que le hacen honor al llamado "cine coral". A los actores (un reparto extenso repleto de papeles fugaces pero claves para el avance o retroceso en la trama) rara vez se les escucha la voz. Así como son tres los ejes que maneja el director, también hay tres voces en off de permanente audición, que nos van contando el cuento, literalmente. Sin embargo, dichas voces nunca saturan, y así, el director se vale del abuso de este recurso para subrayar logradas secuencias y pintar diversos matices en sus personajes.
Hay un sentido y logrado homenaje a "La ventana indiscreta", tiernas secuencias como las de Lola Gallo, o la de las hermanas rurales. Y a pesar de que hay en el film un misterio en torno a un crimen con resultados trágicos, el drama escasea frente a la frescura de un relato de aventuras constantes y de viajes personales en búsqueda de...
Exigirle como espectador la perfección, o la solidez absoluta en su obra, sería ridículo. Reitero: son cuatro horas. Aún así, si pienso en escenas que "sobren" sólo me resulta trascendental la secuencia de la guerra. Por lo demás, Llinás consigue un trabajo notable, se permite excentricidades pero sin perder jamás el eje en las acciones planteadas sobre las que vuelve una y otra vez, consciente de que todos los disparadores que ha desatado en su extenso relato, deben ser resueltos, a modo de recompensa al espectador, por esas horas de diversas hipótesis y posibles finales, algunos verosímiles, algunos extraordinarios.

Lo que queda del día, sobre La Ventana, de Carlos Sorín

2009-03-17T11:46:00.002-03:00

¿Es Carlos Sorín un buen director? ¿Tiene esa sensibilidad necesaria para contarnos una historia que se precie de cálida y sencilla, pero con esa magia que el cine necesita tan a menudo? Si tomamos por caso gran parte de "Historias mínimas", o algunos momentos de "El perro", o ciertos tópicos presentes en "el camino de San Diego" y en "La película del Rey", pareciera que no caben dudas de ello. Sin embargo, se despacha con un nuevo film sumamente pobre, literalmente. ¿Qué le ocurrió?
Por empezar, algo fundamental, y yo diría lo más notorio, y nocivo, y mediocre: las actuaciones. Nadie está bien en su rol, nadie actúa, nadie compone, ni se limite a "parecer natural" desde su formación, o no formación, actoral. Veamos: el protagonista, Antonio Larreta, es un señor de 80 años, que se limita a un tono de voz de difícil comprensión, un par de miradas poco sentidas, y una pose de constante observación sobre la acción que se presenta en cada escena en la que está. No es casual, entonces, que lo "mejor" del film sea la secuencia en la que Larreta camina por el campo, con divinos paisajes que hacen lucir encuadres y una fotografía preciosista que recuerda a "El sol del membrillo", de Victor Erice. Luego están las dos señoras que lo cuidan, con sus tonadas regionales, sus constantes declamaciones, y las odiosas alusiones (de tanta reiteración y sobreactuación saturan al espectador) a su patrón al que se refieren cada tres lineas de guión con un "don Antonio" esto y "don Antonio" aquello. Lo del señor que arregla un piano es meramente trascendental, y ni hablar de las dos amigas que encuentran al viejito tirado entre los yuyos: una, especie de española alterada y pasada en todo sentido; la otra, Marina Glezer, actriz aún desaprovechada por el cine argentino. ¿Nadie vio sus virtudes en "El polaquito", ni su bello rostro de la mano de Aristarain en "Roma"? Por lo que nos quedan las breves y amenas participaciones de Arturo Goetz (ese señor debe tener una de las mejores voces del cine argentino, lo cual ayuda a que sus diálogos fluyan con un sonido particular y bello, sin perder lo orgánico) y Luis Luque, que hace vibrar algunas cuerdas de calidez y expresividad.
Pero si trazamos la sinópsis de este film, estamos ante un personaje que espera la llegada de su hijo después de mucho tiempo sin verse. Entonces, ¿cómo Jorge Díez es tan inexpresivo y poco interesante en su personaje de hijo? ¿Y con qué necesidad y falta de ideas a los guionistas se les ocurre que venga en compañía de su mujer, una ejecutiva con su celular, para mostrarnos que viene de alguna gran ciudad y que los aires pacíficos rurales no son lo suyo?
Carla Peterson es una buena actriz, al menos en tv. Entonces le preguntaría a Sorín: ¿cómo permite una composición tan burda, tan cliché, tan fuera de lugar para la historia y los climas que intenta concibir? Esto habla a las claras de que Sorín es vulnerable en la dirección de actores. Véase sino malas decisiones al dar lugar a roles mal encarados como el de Julia Solomonoff en "Historias mínimas" o el de la señora que le regala el perro al protagonista del film homónimo.
Yo estudio cine, dirección más precisamente, pero cualquier espectador que se precie de reconocer buenas composiciones comprenderá la falta de preparación de algunos personajes. El caso más grueso se presenta cuando una de las señoras que cuidan a Antonio le está emprolijando el cabello con una tijera. Un director de teatro, agudo en esas observaciones, puede llegar a espantarse por la falta de verascidad en esa acción. La señora dialoga con el viejo y simula cortar el pelo. Es lamentable.
A nivel sonoro, llama la atención la obviedad de los reiterativos tic tac de un viejo reloj, a modo de leit motiv. Similiar al trabajo sonoro en los primeros minutos de "Gritos y susurros", pero nunca más forzados que aquí.
Para concluir, cuento una anécdota: el jueves, día de estreno en la Argentina, Sorín atendió un llamado de una importante radio y respondió a una breve entrevista. Al preguntarle por las expectativas de público, Sorín afirmó que estaba relajado, pues el film ya había recuperado su inversión con una exitosa venta internacional, por lo cual esperaba que simplemente lo viera gente que tuviera ganas de "un cine particular" (en clara referencia al público popular, a las masas, atajándose ya con su pequeño film.) Yo pensé: qué maravilla. Este señor es director de cine, filma sus proyectos a su modo, y se asegura una venta internacional, sin necesidad de hacerse malasangre por la respuesta del público local. Ahora que vi el film, sus expresiones me resultan chocantes, agresivas. Habría que ver hasta qué punto le tiene fe a su película para referirse tan sueltamente sobre el público. Aquí tuvimos a un gran director, Fabián Bielinski, que decía que es muy fácil filmar proyectos y luego dejarlos librados al gusto de la gente, a lo que perciba cada uno, a los finales abiertos, a que cada cual lo interprete como le plazca. Una posición bastante cómoda que toman algunos cineastas una vez concluídos sus films.
A los lectores de España, cuando se estrene, espero sus miradas sobre esta "Ventana".

Qué he hecho yo para merecer esto, sobre "Gran Torino", de Clint Eastwood

2009-03-11T10:37:00.002-02:00

Expectativas: Clint, siempre Clint, y aquí no sólo como director, sino también como actor.
Este es el segundo trabajo luego de "El sustituto", y quería evaluar cuán interesante puede ser un artista realizando dos films en un año, como ocurriera tres años antes con el díptico "La conquista del honor" y "Cartas desde Iwo Jima".

Transición: Eastwood está presente en casi todas las escenas del film. Es un protagónico absoluto, por lo tanto hubiese pagado por ver cómo un señor director se dirige a sí mismo en un largo de dos horas en el cual la tensión va de la mano con el humor y la ironía.
A su favor juega un guión del debutante Nick Shenk: agudo, sutil, preciso, efectivo. Con sus bemoles también: previsible por momentos, demasiado calculado, y con transiciones de algunos personajes un tanto obvias.
El film no aburre en ningún momento. El pulso narrativo es impecable, y como realizador Clint consigue lucirse en los momentos dramáticos, así como también logra pasajes sumamente cálidos y con mucha química entre sus personajes (y su personaje), como ya ocurría en "Million Dollar Baby", film al que remite bastante, así como en "El sustituto" se podía percibir al mismo hombre detrás de la cámara que en "Río místico".

Créditos: esta última etapa como director, Eastwood se destaca por formar elencos homogéneos en los que no resaltan grandes nombres, y si los hay, están en absoluta concordancia con el resto, con actuaciones medidas, sentidas y más que logradas. Tanto Hilary Swank como Angelina Jolie, o Ken Watanabe, Morgan Freeman y John Malkovich, en los últimos films, consiguen brillar a la par de notables roles secundarios a cargo de actores casi desconocidos para la industria. Que en "Gran Torino", él mismo sea la estrella, y que su rol sea tan interesante como el de sus protegidos vecinos, habla de un compromiso, un riesgo y una entrega que terminan soplando a favor en un proyecto que sale airoso, y en el que Eastwood, podríamos decir, se reivindica como actor.
Podemos estar de acuerdo en que a lo largo de su carrera sus composiciones han sido similares, como actor se ha repetido mucho, y claramente tiene sus limitaciones. Pero, vaya paradoja, ha inmortalizado e iconizado un rol como el de Harry Calahan, y pareciera que una vez aferrado a las riendas de la dirección, ha encontrado en él mismo los proyectos oportunos para ofrecer sus mejores armas en la actuación.
Nótese, por caso, y aunque hablemos de algo superficial como puede ser un premio, que las dos oportunidades en las que Clint fue nominado al Oscar como Mejor Actor, ha sido por dos films dirigidos por él mismo. Causalmente, ambos le valieron el Oscar como mejor Director (por "Los imperdonables" y por "Million Dollar Baby".)
En su momento, mucho se especuló sobre una nueva y fuerte presencia del cineasta en la última edición del Oscar, pero a la hora de las nominaciones, no consiguió estar entre los cinco directores por alguno de sus recientes trabajos, ni tuvo cabida entre los cinco mejores actores según la Academia, a pesar de que crecía el rumor de que dicha nominación actuaría con un nuevo homenaje/mimo (uno más y van) en la carrera de Harry el Sucio.
Subjetivamente, Brad Pitt y Richard Jenkins le han robado el lugar, y no sólo a él, pero más allá del Oscar, que ya pasó pareciera hace una eternidad, hay que bancarse dirigir y actuar, estar en cuadro todo el tiempo, y conducir al espectador de un lado y del otro de la cámara. Próceres como Orson Welles, Lawrence Olivier, y más recientemente (salvando distancias) Kenneth Branagh, Nani Moretti, Roberto Benigni, lo han conseguido. Clint Eastwood suma, o más bien reafirma, otro mérito a su bien ganado rango de artista.

La fiesta inolvidable, sobre la 81era. entrega de los premios Oscar

2009-02-24T22:12:00.003-02:00

Ha concluído la edición número 81 del Oscar. Debo admitirlo: no acerté en varias de las categorías principales. Y entre nos, la realidad es que en el fondo sabía, o intuía, la victoria para “Slumdog Millionaire” de Dirección y Guión Adaptado. Pero al arriesgar por los premios a Daldry y Hare (los “tapados” de “El lector”), yo mismo estaba haciendo fuerza por una ceremonia sorpresiva e imprevisible, más que jugando a “pronosticar quién ganará”. Porque lo que siento, y supongo que a los fanáticos como yo les ocurrirá en mayor o menor medida, es que con tantos premios en la carrera por los Oscar, llega la entrega y ya está casi todo dicho. Matemáticamente era casi imposible que si Danny Boyle había ganado el premio a mejor Director del sindicato de Directores, Stephen Daldry le arrebatara el Oscar, cuando en esa categoría, la mayoría de los que votan son del mismísimo sindicato de directores. Y así respectivamente en cada sindicato, de cada área, para cada premio.
Por eso, aquella hazaña lograda por “El pianista” a la que me referí hace una semana, hoy por hoy suena como un hecho casi increíble, difícil de materializarse, inverosímil. Y en realidad estamos hablando de una entrega de hace siete años atrás, no más.

Más allá de los premios previsibles, quiero destacar que por primera vez en varios años coincido con el Oscar a la mejor Película y al mejor Director. Uds. Se preguntarán: ¿pero si este hombre poco más que hizo lobby por el premio para Daldry y para Hare? Y es verdad, pero también es cierto que aún no vi “El lector” (única que me queda), y que me dejo llevar por la admiración que siento por ambos, director y guionista, luego de “Las horas”.
Lo cierto es que a mí “Slumdog Millionaire” me pareció un cuento perfecto, una historia de amor conmovedora, y sin erotismo ni seducción de por medio. Una proeza fílmica, una belleza de planos y una coherencia actoral de méritos mayores. Y me alegra de que Colson (productor), Boyle y Beaufoy (guionista) carguen con sus respectivos Oscar.

Desde 2005, con el triunfo de “Million Dollar Baby”, que no coincido con la Academia en la mejor Película. E inclusive ese año, si bien el film de Eastwood me marcó como pocos, no me pareció que mereciera el lauro a mejor Director. Creo que lo filmado por Scorsese para la, paradójicamente, fallida “El aviador”, fue un capolavoro de un artista que sabe dirigir con maestría. Así, ni en 2.006 estuve de acuerdo con el triunfo de “Vidas cruzadas” (aunque tampoco lo hubiera estado con “Secreto en la montaña”) y de Ang Lee, ni en 2.007 compartí elección con “Los infiltrados” y con el mismo Scorsese (esta vez no consideré lo suyo un trabajo mayor.) Finalmente, tal vez la mayor desilusión, una vez visto el film, fue el año pasado, con el triunfo de “Sin lugar para los débiles” y, más aún, con el premio a mejor Dirección para los hermanitos irónicos Coen. La víctima de ese robo fue Paul Thomas Anderson, por un descomunal trabajo visual y narrativo en “Petróleo sangriento”. Pero mayor fue la decepción ante la que considero una de las omisiones más imperdonables de la Academia: la de Joe Wright como mejor Director, por “Expiación, deseo y pecado”. Su labor era aún superior a la de Anderson.

Volviendo a la actualidad, Boyle demostró ser un narrador exquisito para esa fábula que será recordada como “Slumdog Millionaire”. Y en relación a los actores, Kate Winslet por fin ganó, en la única actuación que me queda por “evaluar” y seguramente apreciar, de las diez correspondientes a actores. También hubo justicia para Sean Penn, pero no utopía. Si leen otro post, expresé la superioridad, por poco, es cierto, de la labor de Langella, a quien más allá de mi deseo sí creí que podía triunfar, más que Daldry o Hare. Pero como lo de Penn es notable, me alegré mucho, y aquí la Academia me sorprendió, pues yo esperaba a los votantes aplaudiendo a rabiar a Mikey Rourke, “babeándose” con su “redención” hiperinflada en “El luchador”.
Penélope, bueno, no era mi elegida. Amy Adams tenía mayor mérito, pero creo que a Cruz le juega a favor ese “no se qué” ganado en Hollywood desde “Volver”. Y por ello nunca mejor citados en su speech de agradecimiento sus maestros, aquellos que la fueron esculpiendo frente a la cámara: Trueba, Bigas Luna y, claro, Almodóvar.

Una ceremonia precisa y directa, no muy extensa, justa en casi todos los rubros, con la certeza confirmada del triunfo avasallante de Sumdog, con la “pequeña sorpresa” del Oscar a Penn y la verdadera sorpresa en relación al film extranjero: “Departures”, por Japón. Aquí sí que acerté, pues intuía que luego de 12 nominaciones en la historia de Japón, ya era hora de que un Oscar vaya a parar a las tierras de don Kurosawa.

Correcto y ágil Hugh Jackman, medido e histriónico, con buenos cuadros musicales. Poca atracción (esto es personal) por parejas presentadoras de alto perfil como Sarah Jessica Parker y Daniel Craig, o los chicos de High Scholl (aunque entienda los motivos: el target al que apuntaban en la audiencia), y destacados “hosts” como el dúo Tina Fey-Steve Martin o Jenifer Aniston-Jack Black. Desopilante también la parodia a Joaquin Phoenix de la mano de Stiller, a quien le podrían dar un Oscar por “Actuación especial en cada entrega” (sino recuerden aquella vestido de verde presentando el premio a Efectos Visuales.)

Lo mejor: excelente idea las presentaciones en quinteto para cada actor/actriz. Emotivas presentaciones como DeNiro/Penn, Cotillard/Winslet, Loren/Streep, MacLaine/Hathaway (estoy enamorado de Anne, esa sonrisa!), o en los secundarios: Saint/Davis, o la de Amy Adams (no recuerdo quién la presentó, pero qué emocionadas estaban las chicas de “La duda”, ya por eso quería que ganaran!)

Hemos analizado, una más y van, otra noche de los Academy Awards, esos premios que por momentos son soporíferos, aunque de vez en cuando ofrecen ovaciones de pie y discursos emotivos que conmueven a uno, despertando la eterna fantasía del Oscar propio…

Extrañas predicciones, pero me tengo fe...

2009-02-22T17:49:00.005-02:00

Mejor Película:
Slumdog Millionaire

Mejor Director:
Stephen Daldry (El lector)

Mejor Actriz:
Kate Winslet (El lector)

Mejor Actor:
Frank Langella (Frost/Nixon)

Mejor Actriz de Reparto:
Amy Adams (La duda)

Mejor Actor de Reparto:
Heath Ledger (The Dark Knight)

Mejor Documental:
Encounters at the End of the World, de Werner Herzog

Mejor Guión Adaptado:
David Hare (El lector)

Mejor Guión Original:
Andrew Stanton y Jim Reardon (Wall-E)

Mejor Película Animada:
Wall-E

Mejor Película en Idioma Extranjero:
Departures, de Yojiro Takita (Japón)

Mejor Dirección de Arte:
The Curious Case of Benjamin Button

Mejor Fotografía:
Wally Pfister (The Dark Knight)

Mejor Vestuario:
The Duchess

Mejor Corto Documental:
The Conscience of Nhem En

Mejor Montaje:
Slumdog Millionaire

Mejor Maquillaje:
The Curious Case of Benjamin Button

Mejor Banda Sonora:
The Curious Case of Benjamin Button

Mejor Canción Original:
“Jai Ho” Slumdog Millionaire

Mejor Corto Animado:
La Maison en Petits Cubes

Mejor Corto Ficción:
Auf Der Strecke (On the line)

Mejor Mezcla de Sonido:
Slumdog Millionaire

Mejor Edición de Sonido:
The Dark Knight

Mejores Efectos Visuales:
The Dark Knight

Nosotras que nos queremos tanto, sobre "La boda de Rachel", de Jonathan Demme

2009-02-22T02:50:00.001-02:00

Expectativas:

•Hace tiempo que tenía ganas de verla, había escuchado variados comentarios y se perfilaba como una de las máximas exponentes del cine independiente actual.
•Jonathan Demme dirigiendo a Anne Hathaway.

Transición: sobre conflictos familiares, reencuentros, celos y admiración entre hermanas, huéspedes metiches, y la caótica organización de una boda en la misma casa donde ocurre todo eso…
La cámara no para un momento, se percibe que Demme está probando cosas nuevas. Bill Irwin impecable como el padre que pone paños fríos entre las hermanas que han compartido tanto, pero que ahora les cuesta estar unidas por ese casamiento.
Anne Hathaway merece la nominación al Oscar con seguridad. Está excelente en su rebelde y conflictuada Kym, pero si debemos hacer una lista de los olvidados de esta temporada, sin dudas entre los primeros puestos, uno le corresponde a la hermana de Kym, la Rachel del título, interpretada por una expresiva y luminosa Rosemarie DeWitt. Mientras que Debra Winger responde con oficio y entrega a la madre de esa familia en las pocas escenas que le toca jugar.
El guión de Jenny Lumet (hija del prolífico Sidney) permite el lucimiento de todos ellos, a la vez que transmite la euforia y los nervios de una típica boda en la que abundan las relaciones humanas. Su trabajo también merecía nominación.

Créditos: un par de escenas conmueven. Sólo un abrazo que resume todo entre la madre y sus hijas, o el peso que siente Kym luego de una pelea con su madre, o el momento de comedia en la cocina, que termina en desconcierto y dolor.
Demme agota con tanto movimiento, y uno se pregunta si era necesario. Abusa también de la música, aunque le da variedad de ritmos a diversos momentos. Sin duda su máximo logro es en relación a sus actores.
“La boda de Rachel” es un filme agridulce, un drama que habla de los tragos difíciles de la vida y del poder del hombre de intentar seguir adelante. Vale la pena

MEJOR ACTRIZ: KATE WINSLET, CLARO.

2009-02-21T21:38:00.003-02:00

Mi secreto me condena VS Yo, la peor de todas

El film de Barbet Schroeder que le valió el Oscar a Jeremy Irons en alusión al papel de KATE WINSLET, y la película de la argentina María Luisa Bemberg, que protagonizó Assumpta Serna, en referencia al rol de MERYL STREEP.
Hay una clara favorita, y ella es Kate. Meryl la tiene difícil, aunque si nos guiamos porque es la actriz más nominada, siempre tenida en cuenta por la Academia, estamos omitiendo un dato que la convierte en una etrena perdedora: Streep perdió 12 de las 14 nominaciones que tuvo, y su último Oscar lo recibió ¡hace 26 años! Tendrá, con su nominación número 15, su revancha y su tercer Oscar?

Kate Winslet en “El lector”

Premios como Actriz Secundaria:

•Broadcast Film Critics Association Awards
•Chicago Film Critics Association Awards
•Golden Globes, USA
•Screen Actors Guild (SAG) Awards

Premios como Actriz principal:

•BAFTA Awards
•London Critics Circle Film Awards
•San Diego Film Critics Society Awards

Meryl Streep en “La duda”

•Broadcast Film Critics Association Awards
•Kansas City Film Critics Circle Awards
•Screen Actors Guild (SAG) Awards
•Washington DC Area Film Critics Association Awards

¿Sorpresas aquí? Con el premio caliente aún, recién otorgado a la Mejor Actriz en un Film Independiente, Melissa Leo se impone ante Anne Hathaway. Y se habla cada vez más de esta actriz ya no tan joven, con años de carrera como actriz secundaria. ¿Vendrá su consagración en “Frozen River” con el Oscar como broche? No creo, pero sí le auguro el tercer lugar, aunque eso nunca lo sabremos…

MEJOR ACTOR: ¡FRANK LANGELLA!

2009-02-21T21:07:00.003-02:00

MICKEY ROURKE - SEAN PENN VS FRANK LANGELLA

El luchador y el activista gay contra la “redención” de Richard Nixon

Premios para Rourke como Actor principal:

•BAFTA Awards
•Boston Society of Film Critics Awards
(único premio compartido con Sean Penn)
•Central Ohio Film Critics Association
•Chicago Film Critics Association Awards
•Florida Film Critics Circle Awards
•Golden Globes, USA
•Kansas City Film Critics Circle Awards
•London Critics Circle Film Awards
•San Diego Film Critics Society Awards
•San Francisco Film Critics Circle
•Toronto Film Critics Association Awards
•Washington DC Area Film Critics Association Awards

Premios para Penn como Actor principal:

•Boston Society of Film Critics Awards
(único premio compartido con Mickey Rourke)
•Broadcast Film Critics Association Awards
•Los Angeles Film Critics Association Awards
•New York Film Critics Circle Awards
•Palm Springs International Film Festival
•Phoenix Film Critics Society Awards
•San Francisco Film Critics Circle
•Screen Actors Guild (SAG) Awards
•Southeastern Film Critics Association Awards

12 premios para Mickey Rourke contra 9 para Sean Penn.
Sin embargo, creo que la máxima sorpresa de la noche, y bien merecida, será el triunfo de Fran Langella por sobre los dos favoritos, aunque Langella haya obtenido 8nominaciones y sólo haya ganado un premio, el de Las Vegas Film Critics Society Awards.
No lo olviden: Langella será el Mejor Actor.

Actor de Reparto: Heath Ledger

2009-02-21T20:08:00.001-02:00

EL GUASÓN QUE SUPERÓ CON CRECES AL DE JACK NICHOLSON

HEATH LEDGER in “The Dark Night”

Premios como Actor Secundario:

•BAFTA Awards
•Boston Society of Film Critics Awards
•Broadcast Film Critics Association Awards
•Central Ohio Film Critics Association
•Chicago Film Critics Association Awards
•Florida Film Critics Circle Awards
•Golden Globes, USA
•Kansas City Film Critics Circle Awards
•Las Vegas Film Critics Society Awards
•London Critics Circle Film Awards
•Los Angeles Film Critics Association Awards
•Online Film Critics Society Awards
•Phoenix Film Critics Society Awards
•San Francisco Film Critics Circle
•Satellite Awards
•Screen Actors Guild (SAG) Awards
•Southeastern Film Critics Association Awards
•Toronto Film Critics Association Awards
•Washington DC Area Film Critics Association Awards
•Australian Film Institute (único premio como Actor protagónico)

Para Ledger no habrá adversarios. Su actuación no tiene rivales posibles, y su Guasón merece todos los reconocimientos. Su muerte no ha alimentado el triunfo unánime, en todo caso, su magnífica composición.
Ha ganado absolutamente todos los premios a los que fue nominado, y mañana culminará su larga victoria con el Oscar.

Actriz de Reparto: Amy Adams

2009-02-21T19:22:00.003-02:00

LA EX NOVIA INESTABLE VS LA MONJA DUBITATIVA

Penélope Cruz en “Vicky Cristina Barcelona”

Premios como Actriz Secundaria:

•BAFTA Awards
•Boston Society of Film Critics Awards
•Gaudí Awards
•Kansas City Film Critics Circle Awards
•Los Angeles Film Critics Association Awards
•National Board of Review, USA
•New York Film Critics Circle Awards
•Santa Barbara Internatinal Film Festival
•Southeastern Film Critics Circle Awards

Amy Adams en “La Duda”

Ningún premio, ha cosechado seis nominaciones incluyendo BAFTA, Golden Globe y SAG Award.

Pareciera no tener posibilidad, pero su nombre suena cada vez más fuerte, su rol es muy importante en el film, y es casi protagónica. Está al nivel del elenco, y le toca interpretar un rol nada fácil.
Subjetivamente su labor me parece superior a la de Cruz, y creo que va a ser una de las sorpresas de la noche.

¿Tercera en discordia? VIOLA DAVIS

Siete nominaciones, dos premios:

•Black Reel Awards
•National Board or Review, USA, Best Breakthrough Performance – Female, algo así como Mejor Revelación Femenina

El cuarto poder, sobre Frost/Nixon, de Ron Howard

2009-02-21T18:51:00.002-02:00

Expectativas:
•Ver a Frank Langella como Nixon, sin más.

Transición: latente, cautivante, lúcida, precisa, notable.
Esos adjetivos le caben muy bien a “La entrevista del escándalo”, subtítulo con el que se conoció en Argentina a “Frost/Nixon”.
Dos horas reloj que se pasan volando, en un clima perfectamente calculado de tensión in crescendo, en un duelo actoral sumamente bien encuadrado y aprovechado por Howard, y majestuosamente montado por los dos editores que vienen acompañando a Ron desde “Una mente brillante”.
Sabemos bien que se basa en una obra de teatro, por lo tanto, permítanme una comparación que sirve para un cuentito con la moraleja de “qué es un buen director”. Veamos entonces dos films basados en obras teatrales: “La duda” y “Frost/Nixon”. Ambos, piezas dramáticas de prestigio, colmadas de premios, muy bien actuadas y con dramaturgos de peso atrás. Que en ambos casos adaptan sus obras al cine, y consiguen la nominación al mejor Guión Adaptado. Pero el primero asume el riesgo de dirigir ese material en cine. Lo cierto es que en materia de actores, ambos tienen con qué relajarse. Los dos elencos pueden ser formidables. Pero Morgan, el segundo, no recoje el guante como director, así que quien maneja los hilos es el director Ron Howard.
Resumiendo: guión y dirección de Shanley en la primera, dirección de Howard en la segunda. Sobre “La duda” ya he expresado que es un correcto film en el que se lucen los actores. El guión es bastante bueno, pero el film no es redondo. “Frost/Nixon” parte de una entrevista verídica, en la que todos esperamos que el entrevistador “quiebre” al entrevistado. Guiándonos por los acontecimientos históricos, el resultado es previsible. Pero aquí sí estamos ante un film redondo.
Pues bien, la moraleja es que Ron Howard sabe trasladar excepcionalmente de las tablas al celuloide un relato en el que pareciera que no hacen falta más que dos actores. Y vaya que esos dos actores tienen presencia en el film, pero no se los ve solos, abandonados, clamando por un escenario, incómodos con sus parlamentos, en la gran pantalla.
Howard revuelve lentamente el caldo, y el gusto que tiene el plato final es delicioso.

Créditos: Michael Sheen es Frost, tan protagonista como Langella, e ignorado por cuanto premio ha habido. Su labor es encomiable, y está a la altura del veterano actor, como un firme opositor, como una ejemplar contrafigura. Frank…, Frank… Su Nixon es carismático, con presencia, ambivalente, sarcástico, entrometido. La cámara ama a ese Nixon, es decir a Langella. Soporta los mejores primeros planos, y la composición toda es sencillamente excelente.
Antes dije que si hay justicia, Penn debe ser premiado por sobre Rourke. Ahora me actualizo: el Oscar a mejor Actor, si hay utopía, es para Langella. Penn está cerca, ¿y Rourke? A miles de kilómetros.

La razón que te demora, sobre El curioso caso de Benjamin Button, de David Fincher

2009-02-21T17:47:00.002-02:00

Expectativas:

•Gran producción gran
•Un trailer que me había dejado con la boca abierto por el virtuosismo visual
•Las trece nominaciones al Oscar

Transición: lejos la peor de las nominadas a mejor película (aunque resta ver “El lector”), Fincher me desilusionó, quizá no la tuvo fácil con un presupuesto descomunal, un par de estrellas, y la notoria presión de los estudios por realizar “un tanque distinguido”.
Al comienzo del año casi me prometí no escribir sobre aspectos negativos de los filmes, evitaría trasnformarme en los críticos, pero la realidad es que en este film hay pocas cosas buenas. Empezando por un mediocre guión de un señor escritor que ha brindado libros formidables como los de “Forrest Gump”, “El Informante” o “Munich”, es decir: ¿qué le ocurrió? No puedo evitar caer en la expresión de que quiso lograr un revival al estilo Forrest Gump, y ciertamente su trama es lenta, insípida, artificial, llena de frases deplorables, sosa.
Otra expresión común: claro que es impecable a nivel técnico! Aunque la fotografía, en comparación, no esté al nivel de “Slumdog Millionaire”, o de “Sólo un sueño”, o inclusive de Milk, sin dudas la más arriesgada y certera desde la imagen. Los decorados, la ambientación y el vestuario son sobresalientes, y el maquillaje y los efectos visuales más que dignos y a la altura de los desafíos que presenta el relato. Sin embargo, también me decepcionó la banda sonora de Alexandre Desplat, un artista que ha registrado musicalmente films como “Syriana”, “Al otro lado del mundo” o “Crimen y lujuria”. Aquí, no acierta en la música, y la misma atenta contra el film, del mismo modo que lo hace la voz en off que expresa las frasesitas de Roth.
Por último, pero no menos importante, nos queda el elenco. Correcto, no más. Y volviendo a los Oscar: A) enhorabuena que no nominaron a Cate Blanchett, no lo merece, no hay tras ella un papel rico en matices y digno de nominación. B) Me resulta incomprensible y ciertamente mediocre la nominación a Brad Pitt. Su personaje atraviesa realmente varios dramas, pero Pitt está siempre en el mismo volumen, no hay en él exabruptos, ni bajones, ni gestos de más, ni miradas profundas, menos que menos.
C) Lo mismo vale también para Taraji P. Henson. Tiene un rol simpático y ya, su nominación es una generosidad que se permitió la Academia, y punto.

Créditos: a juzgar por lo expresado, las dos horas y media no ayudan, y ciertamente Fincher no sale airoso del reto de condensar un buen cuento de amor y fantasía. El ha expresado su desacuerdo con el montaje final, acaso sea, leyendo entrelíneas, un mea culpa?
A favor: la secuencia del reloj, la de las acciones condicionales (“qué hubiera ocurrido si…”), y cierto clima logrado en el geriátrico donde Pitt se cría, y donde muere.
Se ha dicho la falta de química entre Blanchett y Pitt, que no desentonaron como matrimonio en crisis en “Babel”, pero aquí, ciertamente, hay mayores méritos en el cruce entre Pitt y Tilda Swinton. Tal vez, Tilda hubiera encontrado otros atributos en el protagónico, pero, a fin de cuentas, no le podemos echar la culpa a Cate, e inclusive, a Brad. Desde el vamos, los cimientos eran de temer.
Aplauso para el único detalle magistral del guión: la reiteración del personaje que habla de las siete veces que un rayo lo tocó, y sus respectivos flashbacks.
N.A.: el título corresponde a una canción de Rata Blanca. He cambiado nombres de films por temas musicales, en este caso, por la alusión más que pertinente del título con la trama.

"El lector": ¿tras los pasos de "El pianista"?

2009-02-19T21:54:00.005-02:00

Futuro condicional: diversas posibilidades para la noche del 22

En la edición número 75 de los Academy Awards, la gran favorita era "Chicago", un destacado musical que podía ser galardonado dentro del género, luego de tantas décadas sin ser premiado ninguno como el mejor film. Su sombra era la épica ambiciosa y algo irregular "Pandillas de Nueva York", cuyo director, Martin Scorsese, sonaba fuerte a alzarse, finalmente, con el Oscar a mejor Director. Analogías y distancias mediante, "Slumdog millionaire", sin ser un musical, pero con su cosecha de premios y calurosas críticas a favor en Hollywood, sumado a la aprobación del público a nivel mundial, ocupa claramente el lugar del favorito, y "El curioso caso de Benjamin Button" puede ser comparada (por su gran producción, excelente factura técnica, notables estrellas y un director de las grandes lides actuales) con "Pandillas de Nueva York" que, al margen de la suerte que pueda tener el film protagonizado por Pitt, en dicha entrega se fue con las manos vacías, entre diez posibles nominaciones, y un nuevo espaldarazo de la Academia hacia Scorsese.
Esa noche, una ceremonia fría y distante, afectada por el reciente atentado a las Torres Gemelas y el posterior clima de pánico en la tierra del norte, hubo un "tapado" que sorprendió con tres de los Oscar principales, opacando el consentido triunfo de "Chicago" como mejor película: "El pianista".
Esa gran obra, previamente galardonada con la Palma de Oro en Cannes, le valió al ausente con aviso Roman Polanski, el Oscar a mejor director, en uno de los momentos más sorpresivos y justos de la noche, con un Scorsese vencido aplaudiendo de pie ante un escenario vacío, pues es sabida la situación de Polanski como prófugo de la justicia en ese país. Pero además, Adrien Brody triunfó como mejor Actor, sobre cuatro pesos pesados como Daniel Day Lewis, Jack Nicholson, Michael Caine y Nicolas Cage. Su reacción cuando dijeron su nombre, es hoy recordada como una de las más histriónicas y emotivas, junto a las de Roberto Benigni, Cuba Gooding, Jr., o Halle Berry, por ejemplo.
La tercera estatuilla, fue para el guión adaptado, firmado por el veterano Ronald Harwood.
Pues entonces, este año esa situación podría repetirse, cierto que con menores chances, para "El lector", el cual dejó de ser "la sorpresa" entre las nominadas para convertirse poco a poco en un film, sino con fuertes posibilidades, a respetar a la hora de los anuncios. Los académicos podrían premiar a Slumdog como mejor película, y respaldar el máximo galardón con los premios a Banda sonora, Canción original, Montaje y Fotografía. Y, por otra parte, "El lector" sería la sorpresa de la entrega, sumando al casi seguro triunfo de Winslet como mejor Actriz, el Oscar a guión adaptado para David Hare (perdedor por "Las horas" contra Harwood en 2002) y, por qué no, el de mejor director para Stephen Daldry.

Analicémoslo: el libro homónimo en el que se basa la trama, ha sabido ubicarse entre los más prestigiosos del autor Bernard Schlink, por lo que Hare realiza una adaptación seguramente prolífica, conociendo su mérito con el guión de “Las horas”, a mi criterio una labor por la que merecía el Oscar en lugar de Harwood. Seguramente, estamos ante una obra sin fisuras, al menos desde el guión (aclaro: no he visto el film) en la que Daldry y Hare se complementan a nivel artístico, y así ambos llegan nuevamente a la nominación.
Ahora bien: una cosa es que valoren y premien al film por su guión, y otra algo más dificultosa a su director, en un año donde aparece opacado por el triunfo avasallante de Danny Boyle, y con algunos que tuercen sus apuestas hacia Fincher (lo dudo mucho, lo veo como un perdedor seguro.)
Pero Daldry cuenta con un dato color más que interesante: proveniente del teatro, las tres veces que dirigió en cine llegó al rubro de mejor Director. Es un hecho único, y verdaderamente ejemplar. Ha demostrado ser un fino autor de dramas, de historias de vidas conflictivas y ambivalentes, y un excelente director de actores. Teniendo en cuenta “Billy Elliot” y “Las horas”, Daldry supo manejar los hilos con notable solidez, y ha conseguido las mejores actuaciones de los últimos tiempos en las carreras de Julie Walters, Ed Harris, Julianne Moore, Toni Colette, Jamie Bell y Nicole Kidman.
Por otra parte, si Kate gana en su rubro, será la segunda en la filmografía de Daldry (Kidman fue la primera con su Virginia Woolf.)
Entonces, ¿por qué no apelar al talento de un director que aún tiene mucho celuloide por registrar, pero que con tres filmes ha sabido ubicarse entre los mejores directores contemporáneos?

En busca del destino, sobre Milk, de Gus Van Sant

2009-02-19T20:07:00.007-02:00

Expectativas

•Sean Penn.
•Gus Van Sant lejos de sus proyectos más personales
•El Oscar
•La historia en la que se basa

Transición: una biopic con un sólido guión, un modo particular de narrarlo, mezclando constantes imágenes de archivo con escenas de ficción, con una acertada fotografía con película de mucho grano, otorgándole al film una imagen lavada y fria, que sirve para adentrarnos en el contexto.
No es casual el título que le puse (no sólo por empecinarme en titular cada texto que publico con el nombre de un film, sino porque en este caso, al comienzo del film, cuando Harvey Milk es un desconocido, se encuentra frustrado porque a los 40 años no ha vivido ni producido algo significativo para con él mismo...)
El elenco es notable. Irreconocible Sean Penn (¿es él, es ese actor tan viril, tan masculino, ese eterno rebelde de Hollywood?), sólidos Emile Hirsch y Alison Pill, correctísimos Josh Brolin, Diego Luna y James Franco (que me recordó, vaya a saber por qué, al Ennis del Mar de Heath Ledger.)
Festín para los que saben apreciar una buena y variada banda sonora.
A Van Sant el cine “más comercial” o “de estudio”, no le queda grande. Aunque sigo prefiriendolo por “Elephant” o “Paranoid Park”, es mérito suyo y de un ajustadísimo guión la fluidez que tiene el film, no sólo dramático y/o trágico, sino también con logradas escenas de comedia y espíritu hippie.

Créditos: los últimos diez minutos. En ellos, Van Sant resuelve la escena del asesinato con un virtuosismo que me recordó a “Elephant”, y lo que viene luego, no puede ser menos que emotivo.
Si hay justicia, Sean Penn debiera ganar el Oscar. No hay comparación posible con lo de Rourke. No en vano el gremio de actores supo distinguirlo. Veremos…

Negocios entrañables, sobre Frozen River, de Courtney Hunt

2009-02-14T12:55:00.002-02:00

Expectativas:
•Melissa Leo, a quien solo vi en “Los tres entierros de Melquíades Estrada” y “21 gramos”, en la cual me atrajo notablemente su labor. Desde ya, por haber obtenido un lugar entre las cinco nominadas al Oscar, por sobre Kristin Scott Thomas y Sally Hawkins.
•Courtney Hunt, por haber conseguido una nominación a mejor Guión Original, y por lo poco pero interesante que sabía de la trama.

Transición: Frozen river es un film de momentos. Creo que al arranque le falta un buen empuje, y luego el clima va “congelando al espectador en la butaca”… La trama está muy bien estructurada, pero considero que no está suficientemente lograda la relación que va construyendo la directora entre Melissa Leo y su socia de “negocios”, la actriz desconocida y premiada en algunos círculos de críticos Misty Upham.

Créditos: interesante labor del hijo adolescente de Leo. Impecable ella en su rol, con una cara que desde el minuto uno muestra tristeza, pesar, desolación. Dan ganas de darle un abrazo y consolarla.
Excelente secuencia la del bolso, interesante debut para Courtney Hunt, consagrada actriz Melissa Leo.

¡Qué bello es vivir!, sobre Sulmdog Millionaire, de Danny Boyle

2009-02-14T12:30:00.004-02:00

Expectativas:
•Multipremiada, 10 candidaturas al Oscar, Premio Globo de Oro, Premio SAG al mejor elenco, Premio Bafta.
•Danny Boyle, un director que nunca me llamó la atención, hasta que más de uno me contó que en este film hace “lo que quiere” con la cámara.
•El hecho de que ya ocupe el lugar nº34 en el ranking de las 250 mejores películas en IMDb.com (sí, ya sé que es muy particular el rank, y no puedo creer que “The dark night” ocupe la 5º posición…)

Transición: un bellísimo cuento de principio a fin, lleno de dramatismo, crudeza, tensión, romance, adrenalina, diversión. Maravillosamente filmada, muy bien musicalizada, notable fotografía, excelente compaginación, cálidas actuaciones.
Si me hubieran contado previamente que se filmaría un proyecto sobre un joven de las villas que participa del programa “Quién quiere ser millonario?” no hubiera apostado mucho ni depositado expectativas.
Boyle narra con soberbio pulso, y al redondear los exactos 120 minutos uno sale embriagado por un film de excepción.

Créditos: merece sin duda el SAG al mejor elenco. Boyle logra lo mejor de cada actor, comenzando por el tiernísimo y natural Dev Patel, en un protagónico sin fisuras, altamente superior a actores nominados este año como Pitt, Jenkins, Shannon e inclusive Rourke. El niño que lo interpreta en la infancia transmite una empatía única, al igual que la niña que encarna a la joven y bella Freida Pinto. Muy buenas participaciones del conductor del programa y del hermano del protagonista. No hay un actor que pase la raya, que sobractúe, que esté en desnivel. Brillante trabajo de un verdadero elenco.
Si gana el Oscar al mejor film, voy a coincidir luego de tantos años de discrepancia. Una obra maestra, no lo dudo. Ni me detengo en el lugar común que ha adoptado la crítica en sus calificaciones pobres y en su lugar de fiscales. Claramente no entienden el sentido del film, y me pregunto inclusive, qué entienden por objetivo por parte del séptimo arte?
Vean esta joya…

La verdadera antesala del Oscar

2009-02-09T15:03:00.004-02:00

Kate Winslet sigue arrasando en la carrera por el Oscar. Sin embargo, anoche, en la entrega de los premios Bafta, fue la primera vez que ganó por su rol protagónico por “El lector”, ya que tanto en los SAG como en los Golden Globes, había triunfado pero como actriz secundaria. Ridículo a esta altura, pues debiera estar bien establecido cuando un rol es protagónico y cuando es secundario. Pero ahora sí, Winslet, con el triunfo de anoche, se arraiga como candidata predilecta para convertirse en la mejor Actriz de la entrega número 81 de los Academy Awards.
Un poco menos previsible se presenta la categoría a mejor Actor. Si bien Mickey Rourke ha triunfado en los Globo de Oro y en los Bafta de ayer, Sean Penn obtuvo el premio del SAG, el gremio del sindicato de actores que suele coincidir con los actores que luego son premiados con el Oscar. Y por otra parte, tanto Rourke como Penn se dividen los premios de los círculos de críticos, aunque aquí la ventaja sea para Penn, con siete distinciones sobre tres para Rourke.
Por otra parte, como era sabido, Heath Ledger fue el mejor Actor de Reparto, y sus triunfos consecutivos (previsibles y seguros) camino al Oscar, recuerdan a los de Javier Bardem, Chris Cooper y Benicio del Toro, en la misma categoría, años atrás. Mientras que Penélope Cruz se consagró como mejor Actriz de Reparto en su primer triunfo fuera de su tierra, donde ya había ganado el Goya.

Ahora bien, ¿no estamos ante una entrega de Oscars un poco devaluada en cuanto a rubros actorales? Exceptuando a la magnífica composición de Ledger y su Guasón, y a la seguramente notable composición y definitiva consagración de Winslet (me animo a afirmarlo aunque aún no haya visto “El lector”), que Mickey Rourke y Penélope Cruz suenen fuerte en sus rubros, me hace un poco de ruido.
Realmente, considero que ni por lejos sus actuaciones son merecedoras de un Oscar, y creo que en el caso de Rourke, hay demasiada alabanza, y ese elogio constante que tanto gusta a los críticos estadounidenses de sobreestimar su labor hablando de “redenciones” y “carrera resucitada”, si bien es cierto que, a las claras, Rourke está en una nueva etapa artística, definitivamente mejor, y en boga de todo Hollywood.
La otra cuestión es: ¿Sean Penn, como rival principal, está a la altura de un nuevo Oscar? Cuando el jueves se estrene “Milk”, me sacaré la duda. Aunque a favor de Mickey, puedo decir que con sus rivales (menores) Brad Pitt y Richard Jenkins, no tendría problema. Es decir: aún no entiendo por qué nominaron a Pitt, y lo de Jenkins (medido y correcto) tampoco era para estar entre los cinco mejores. La sorpresa en esta categoría podría ser Frank Langella, en su rol de Nixon, papel que lo ha consagrado en las tablas de Broadway antes de hacerlo en cine.

Y Penélope, si bien no es favorita, desde las primeras premiaciones ocupó un lugar por “Vicky Cristina Barcelona” en todas las categorías de actriz secundaria. Perdió en las ocasiones que tuvo que competir con Kate Winslet, pero desde que la Academia decidió que lo de Winslet era un protagónico, tanto la Cruz como Amy Adams y Viola Davis (“La duda”), ganaron en posibilidades. Con menos chance (¡y con justicia!) completan el quinteto Taraji P.Henson y Marisa Tomei.
En definitiva, y sin lugar a dudas, este año los rubros más interesantes serán Actor de Reparto y, sobretodo, Actriz principal.

Un año atrás, los premios Bafta fueron realmente “la antesala del Oscar”, pues sorprendieron premiando a la mejor actriz principal y secundaria: Marion Cotillard (cuando la favorita era Julie Christie) y Tilda Swinton (Cate Blanchett sonaba como ganadora). Los triunfos se repitieron en los Oscar.

¿Será, entonces, Mickey Rourke, muy a mi pesar, el mejor actor?
¿Logrará Penélope Cruz, con suerte y muy posible viento a favor, un segundo Oscar para un actor español?

Barajar y dar de nuevo

2009-02-05T01:34:00.000-02:00

Este nuevo año, en el que es mi espacio para hablar libremente del cine que consumo por gusto y placer, intentaré apartarme un poco de ese modo de juzgar y muchas veces condenar y/o alabar excesivamente a una película.
Procuraré centrarme sobretodo en los aspectos positivos que le encuentre a cada film, y aquel que vea como espectador y no le encuentre esa cuota virtuosa, pues entonces no tendrá un espacio de expresión en el blog (lo cual no difiere demasiado de las publicaciones del último año.)
La verdad es que muchas veces “me enveneno” por el ensañamiento de algunos críticos para con determinados directores, géneros, actores o corrientes cinematográficas, y pienso que no están realizando bien su trabajo. Yo no soy crítico, y este blog no es una columna periodística sobre cine, entonces creo conveniente buscar otros modos de expresión al momento de dar una opinión, mirada, sensación, o lo que fuere, sobre una película.
Voy a esmerarme para que quien lea este blog de ahora en más, encuentre ese cambio desde lo escrito sobre rollos y rollos de celuloide. Comienzo con los primeros films vistos en cine o en dvd de este 2.009, y que giran en torno a los premios Oscar en su edición 81 próxima a ocurrir. Así, por orden de visualización, citaré a “La Duda”, “Vicky Cristina Barcelona”, “Sólo un sueño”, “El luchador”, “El Visitante” y “El sustituto”.

Segundo año de Sala de Cine, los invito a compartirlo…

Perdona nuestros pecados, sobre LA DUDA, de JOHN PATRICK SHANLEY

2009-02-05T01:31:00.002-02:00

Expectativas

•En años anteriores llegó al país como obra de teatro, con un dúo protagónico sumamente atractivo, conformado por Susú Pecoraro (luego reemplazada por Gabriela Toscano) y Fabián Vena. No pude ver la obra, pero las buenas críticas y los premios no tardaron en llegar.
•Al leer la noticia de que se estaba adaptando para cine, con otra dupla actoral más que convocante (Streep y Hoffman), sólo esperé la oportunidad de tenerla en la gran pantalla.

Transición: casi dos horas de duración, mucho diálogo –lo cual siempre me resulta atractivo mientras esté bien escrito- y notables actuaciones.
Demasiada expectativa sobre Meryl Streep. Lo cierto es que esta señora actriz está muy bien, pero claramente no se la va a recordar por este papel, y en su propio ranking, inclusive me cuesta ubicarla en un top five. Hoffman se luce en un par de escenas, mientas que Amy Adams tiene el rol más difícil, pues su personaje nunca estalla, y debe imprimirle a su criatura cierta ternura, inocencia y pudor, aspectos nada fáciles para actuar. Sale airosa. Finalmente, Viola Davis, en el rol con menos acción, se luce en una escena que conmueve por su llanto y su cara de sufrimiento, nada menos que con Streep de parteneire, quien queda disminuida por el brillo de la Davis.

Créditos: se percibe la dificultad en el pasaje del teatro al cine. El director se mueve ampliamente mejor como guionista, aunque su film no pierde el ritmo en ningún momento, y sabe con qué riendas controlar a esos monstruos de la actuación.

Mujeres al borde de un ataque de nervios, sobre VICKY CRISTINA BARCELONA, de WOODY ALLEN

2009-02-05T01:27:00.002-02:00

Expectativas

•Penélope Cruz, actriz que no es de mi agrado, y los elogios a su performance.
•Ciertos rumores de encontrarme con el viejo Allen de la buena comedia.

Transición: simpática, agradable, más comedia que nunca en las escenas que interviene Cruz, buenas actuaciones en general, interesante protagonismo de Rebeca Hall, y elogiable riesgo tomado por Allen al otorgarle a la actriz menos conocida del elenco el rol más importante.

Créditos: me sorprendió Penélope, se sentía su ausencia y esperaba con ansias su regreso a escena. De todos modos no es para que gane un Oscar, pero si merece todos los elogios porque sabe brillar en sus momentos y le da mucha frescura al film.

Cosas que perdimos en el camino, sobre SÓLO UN SUEÑO, de SAM MENDES

2009-02-05T01:25:00.001-02:00

Expectativas

•¡Reencuentro de DiCaprio y Winslet luego de Titanic!
•¡La vuelta al drama del director Sam Mendes!
•La estrategia de los distribuidores de esperar a la época del Oscar para cosechar nominaciones.

Transición: sólido duelo actoral, química, pasión, y también la frialdad de los personajes de Leo y Kate. Correctos encuadres de Mendes, quien sabe lucirse en las escenas oportunas. Intenso dramatismo y banda sonora, bella fotografía.
No creo que estemos ante un melodrama, sino ante un dramón bien definido. Disfruté la tensión en ciertos pasajes del film, y me conmovió la escena de baile de Kate Winslet.

Créditos: Mendes es amado u odiado, para él no hay término medio. He leído una crítica sumamente agresiva, injustificada y “ruidosa” del crítico Leonardo D’Espósito. Prácticamente falta que incluya una carta documento acusando a Mendes de ser un director, a pesar de él, talentoso.
Creo que Mendes buscó lo que filmó: el derrotero de una pareja en un contexto tan sensible como el de los años ’50. Vale!

Cinderella Man, sobre EL LUCHADOR, de DARREN ARONOFSKY

2009-02-05T01:20:00.002-02:00

Expectativas

•Los múltiples elogios (y premios) a la labor de Mickey Rourke.
•El premio principal del Festival de Venecia para el film.

Transición: sólo me gustaron breves escenas, como la que Rourke “se luce” vendiendo en un almacén, o su mea culpa ante su hija, o la conexión que se da entre él y Marisa Tomei en las cuatro o cinco escenas que comparten.

Créditos: buen broche con el tema final de Bruce Springsteen. No me gustó el film, y acá cierro, fiel a mi idea de encarar los comentarios de films vistos este año.
Rourke está correcto: no le den el Oscar.

El turista accidental, sobre EL VISITANTE, de TOM McCARTHY

2009-02-05T01:18:00.001-02:00

Expectativas

•El hecho de haberse destacado como film dentro del circuito independiente.

Transición: lenta y pausada. Correcta y menos aún, pero bien trabajadas las relaciones entre los personajes, sobretodo entre Richard Jenkins y Hiam Abbas.

Créditos: a Jenkins no le alcanza para estar entre los cinco mejores actores según el Oscar. Tom McCarthy merece una revancha como director y guionista, pues se aprecia su medido logro en la dirección actoral en general.

Todo sobre mi madre, sobre EL SUSTITUTO, de CLINT EASTWOOD

2009-02-05T01:14:00.002-02:00

Expectativas

•Cualquier film nuevo de este cineasta es bienvenido para mí.
•El caso real en el que se basa.
•Los comentarios a favor de Angelina Jolie.
•La competencia y el rumor de triunfo que no fue en Cannes 2008.

Transición: atrapante de principio a fin. Sin baches. Notable elenco comandado por un intenso y logrado trabajo de Angelina Jolie. Complemento logrado entre un guión y una dirección.

Créditos: Angelina en su mejor labor (uno olvida que esta sufrida mujer es una estrella en exposición constante y rodeada de films mediocres en los últimos tiempos), Clint luciéndose con su marca registrada de encuadres contenidos prevaleciendo siempre la trama, la intensidad y la dirección actoral por sobre la estética en general.
Drama desgarrador, el género que más me gusta.
Reminiscencias en los flashbacks de otro drama trágico notable, “Mientras estés conmigo”.

Las elegidas

2008-12-30T21:57:00.003-02:00

Luego de una encuesta más que interesante y variopinta, el film animado "Wall-E" fue el más votado en los respectivos top five de los lectores que respondieron la consigna.
Algunos no llegaron a nombrar cinco filmes, aduciendo que no hubo cinco películas merecedores de sus top fives; otros, no recordaban cinco buenas películas vistas este año en una sala de cine o en un dvd; y los que menos, no alcanzaron en el transcurso del año a ver cinco estrenos cinematográficos.
Otros títulos que le siguieron al film de Pixar/Disney son: "Batman, El caballero de la noche", ocupó el segundo puesto. Le siguieron parejos "Petroleo sangriento" y "Quémese después de leerse", "La familia Savage" y "La mujer sin cabeza".
Un poco más atrás, algunas menciones para "Sin lugar para los débiles", "Expiación, deseo y pecado", "Iron Man", y las nacionales "Aniceto" y "Leonera".
Con un voto nada más, también hubo consideración para "Get Smart", "The Fall", "Paranoid Park", "Los paranoicos", "Historias extraordinarias", "Hacia rutas salvajes", "Mamma Mia", "Juntos nada más" y "Un novio para mi mujer".
Gracias a los catorce lectores asiduos y no tanto de este espacio que, por momentos, intenta respirar cine. Seguiré en 2009, felicidades a todos, y a disfrutar del cine, que esta etapa veraniega trae títulos para todos los gustos.

Las inevitables de fin de año

2008-12-23T00:08:00.007-02:00

No soy un crítico profesional que ha visto casi todo lo estrenado, ni he cubierto festival alguno. Pero tomando como base los filmes estrenados en este año, y basándome en mi conteo de treinta y nueve películas vistas en cine y cerca de cincuenta en dvd, aquí va mi top five.
El mismo es, claro está, sumamente subjetivo, y no hay influencias en base a mis gustos sobre un determinado director, actor o guionista. Simplemente, los cinco films que más me llegaron de este 2008.
A una la considero una obra maestra, a la siguiente, la mejor película argentina del año. Una tercera es un drama de notables climas y vueltas de tuerca, y también hay un thriller soberbio y una conmovedora comedia dramática.
Van por orden alfabético, ya de por sí es difícil elegir solo cinco.
A quienes deseen, son bienvenidos sus top five antes del 31. Pueden escribirme a correotomas@hotmail.com
Gracias, a quienes alguna vez pasaron por este espacio. Vamos por más!

Mis Cinco:
Expiación, deseo y pecado, de Joe Wright;
La Desconocida, de Giuseppe Tornatore;
La familia Savage, de Tamara Jenkins;
Leonera, de Pablo Trapero;
Un Secreto, de Claude Miller.

Anclados en el Sur

2008-12-16T19:04:00.001-02:00

Anoche se entregaron por tercer año consecutivo los Premios Sur, otorgados por la Academia de Cine Argentino, y nuevamente pasaron desapercibidos, y particularmente, creo que saltaron a la luz varias y notables fallas y “sorpresas”.
Por empezar, una vez anunciadas las nominaciones, Leonardo Favio se dio de baja. Su “Aniceto” era de los films más nominados, y el artista pidió excluirse de los rubros principales: Película y Dirección. Si tenemos en cuenta que anoche “Aniceto” ganó en los 8 rubros en los que figuraba exceptuando los de Favio, es fácil deducir que si todo hubiese seguido su curso, la vencedora a mejor película y dirección sería “Aniceto”. Ausencia mediante, “La mujer sin cabeza” obtuvo dichas distinciones, pero Martel brilló por su ausencia. Ahora bien: ¿es digno en este caso para la realizadora (aunque lo mismo vale para Burman o Trapero si ganaban con sus filmes) recibir dichos premios “en lugar de…”? ¿Le corresponde a Favio “bajarse” de dichas categorías?

Me considero un buen opinólogo sobre entregas de premios, y al escuchar y leer sobre ellos, me doy cuenta de que sólo unos pocos tienen noción sobre cómo organizar un premio. En el sitio OtrosCines.com surgió la polémica sobre los Sur, y la mayoría llegó a la conclusión de que en la Argentina no hay premios dignos sobre el mundo del espectáculo. Si nos remitimos a los del séptimo arte, tanto los Clarín (en sus escasos rubros) como en los Cóndor se presentan en sus rubros desprolijidades, y se nota que a los jurados les falta ver cine.
Yo era optimista con la Academia. Creía que todo sería mejor organizado. Pero estos premios no empezaron bien. A fines de 2006, en la primera entrega, “Las manos” de Doria era la vencedora en una ceremonia apresurada en la que ni siquiera había estatuillas, sólo diplomas. Se había hablado de un trofeo diseñado por Pallarols, una transmisión importante, y una evidente movida de prensa, pero no es que exprese frivolidad porque en mi país no hay una entrega como la de los Oscar. Aunque sí esperaba ver rubros (NO TERNAS como se refiere toda la prensa vetusta de los medios, pues ya no hay practicamente categorías de tres nominados, sino de cuatro y hasta cinco) más pensados, con mayor variedad, con menos ignorados, y justos reconocimientos. Es lo que ocurre, con sus reparos seguramente, en los Goya, que brinda la Academia de Cine de España.

Después podemos hablar de opiniones personales. Creo que no se debe premiar a las revelaciones. Si surge un actor nuevo, y se destaca en su papel, que se lo considere como actor o actor secundario. Más de una vez un actor novato ha sido premiado como revelación, pero no reconocido como actor principal, y ayer ocurrió con Martina Gusmán. Valeria Bertucelli es una gran actriz, pero su labor en “Un novio para mi mujer” perdía con la entrega de la Julia que interpreta Gusmán en “Leonera”. En otras ocasiones, directamente se excluye a un nuevo actor del rubro a mejor actuación, y sólo se lo nomina en la revelación. Ocurrió el año pasado con Inés Efrón, por XXY. Su labor fue la mejor labor femenina del año, entonces que se la premie como mejor actriz y punto.
En menor medida, hay varios casos en Opera prima y en mejor Película, aunque el año pasado los Sur hicieron justicia. Premiaron a XXY como mejor Ópera prima, pero también fue justa merecedora de la máxima distinción.

¿Los olvidados?
Si “Los paranoicos” entraba por cronograma (ocurre que a veces no están dentro del período evaluado, y este año pasó con Silvia Pérez, nominada como mejor Actriz por Encarnación, un film ya mencionado en otras entregas de la temporada pasada) Daniel Hendler y Walter Jakob merecían nominación por sus roles sin duda. Al igual que los excelentes Leandro Castello, Luz Palazón y Mercédes Scapola por la injustamente bastardeada “Rancho aparte”, así como también Laura García por “Leonera” y los soberbios protagónicos de Bertucelli y Alterio para “Lluvia”. Otro que pudieron tener en cuenta es Rafael Spregelburd por “La ronda”.
Una lástima, pues se percibe que hay muchos nominados de films renombrados o “más vistos”, o bien categorías en las que hay nominados “por chapa” o trayectoria, y se olvida a verdaderos merecedores. Se sabe que los premios siempre son injustos, parciales, polémicos, y que uno puede estar o no de acuerdo, pero como espectador de cine y como conocedor de las áreas que dan vida a una película, siempre los premios del cine argentino me dejan un sabor amargo, sin excepción.

Dulce y melancólico

2008-12-03T12:28:00.003-02:00

No esperaba mucho de “Los paranoicos”. Fui a verla por curiosidad, pues a un conocido le había gustado mucho. Salí muy conforme. Me encontré con la mejor actuación de Daniel Hendler hasta el momento. Básicamente, quien hable de que siempre hace lo mismo, sólo ha visto uno o dos films de él. Lo que hace con su criatura Gauna es digno de un actor profesional que sabe hacer usos de sus condiciones y que entrega todo en pos del film. De Jazmín Stuart, rescaté a una buena partenaire del propio Hendler, con interesantes cualidades para los roles descontracturados, como nunca se la ha visto. Sobre Walter Jacob puedo decir que ha brindado un valioso rol secundario, ubicado como contrafigura rica e intensa del personaje de Gauna.
Evidentemente, Gabriel Medina es un buen director de actores. Y empieza su carrera como realizador con el pie derecho. Porque además, el film pasa los cien minutos y nunca aburre, y uno ciertamente la pasa bien, lo disfruta, por lo que es evidente que Medina sabe manejar los tempos más que bien.
Hay varias escenas de lograda tensión, sobretodo la del duelo entre amigos frente a un videojuego, o algunos momentos en que parece que el romanticismo va a ceder, entre Stuart y Hendler, y es allí, en esas escenas, en las que todo funciona a la perfección: los actores, la puesta, el clima, la música.
“Los paranoicos” es una película fresca, que no se hunde en los clichés de “personaje que no sabe que hacer se droga y busca su destino” ni en la típica histeria de “chico melancólico conoce a chica apática y no se sabe bien hasta donde se quieren”. Es un producto sumamente pensado, trabajado y organizado. Hay una historia clara, y un tratamiento de personajes notable. Ojalá Medina siga al menos un film más por este camino, porque como espectador tengo la sensación de que aún hay mucha tinta en el tintero para este personal director.

2008-12-03T11:22:00.005-02:00

“Aniceto” es “El romance del Aniceto y la Francisca” pero en ballet. Así de simple, y así de complejo. Porque si bien el guión de Leonardo Favio sobre el cuento de Zuhair Jury se mantiene prácticamente intacto, ahora en lugar de actores hay tres bailarines para darle vida al Aniceto, a la Francisca y a la Lucía. Y quien haya visto aquel film notable, puede mostrarse susceptible ante una nueva versión.
El desafío era grande, pero Favio lo consigue. Con una banda sonora increíble, del maestro Iván Wyszograd, una presencia única de Hernán Piquín como Aniceto, una fotografía de tonos fuertes y expresivos, y unos decorados notoriamente resaltados, artificiosos y bellos, a Favio sólo le resta hacer uso expresivo de sus encuadres, y contar su pequeña fábula como pocos.
Hay escenas maravillosas como el primer encuentro entre el Aniceto y la Francisca, o las riñas de gallos, con planos detalle increíbles, o la sublime escena en la que el Aniceto y la Lucía hacen el amor. El final es desgarrador, tal como en el film original, y las ausencias de Luppi, Elsa Daniel y María Vaner no se perciben, gracias al empeño y la entrega total de Piquín, Natalia Pelayo y Alejandra Baldoni.
Un Aniceto que vale la pena conocer, porque tras él hay un artista, que sabe combinar en el séptimo arte las cualidades justas de la música, la danza, la narración y el teatro.

Refracción y reflexión, sobre “La cámara oscura”

2008-12-03T09:59:00.001-02:00

El cuarto film de María Victoria Menis habla de una mujer poco agraciada, que sufre la discriminación desde niña, por parte de su madre, y luego crece aislada de la juventud, hasta casarse con un hombre que la elige por sobre sus hermanas, sin duda más bellas, aunque el espectador no sabrá el motivo por el este hombre la elige. Así, Gertrudis cría a cuatro hijos, pero su función en el hogar es la de cocinar y servir a su familia como si fuera una fiel empleada doméstica.
El problema de los personajes retratados por Menis es que son demasiado fríos, inexpresivos y poco interesantes. No hay secretos, ni matices, ni intenciones marcadas, ni dilemas, y es notable en el rol protagónico. A Gertrudis, interpretada por la actriz de teatro Mirta Bogdasarian, la vemos siempre como un ser callado, sumiso, curioso, y siempre en segundo plano. Pero rara vez sabemos qué es lo que siente, cuales son sus expectativas, deseos, frustraciones. Apenas si cruza palabra con su marido, o con sus hijos. Y si bien el primer caso puede referir a una extraña relación, resulta cuanto menos dudoso, sino poco creíble, que por más ambiguo y ermitaño que sea en su accionar, esta mujer no exprese nada en relación a sus hijos, justamente por ser una madre, más allá de su fealdad.
Es por ello que este film se vuelve demasiado distante, y ni siquiera resulta interesante la relación que plantea la trama entre Gertrudis y ese fotógrafo que descubre en ella otra concepción de la belleza, en un rol al que el actor francés Patrick Dell’Isola –¿qué necesidad de que sea un actor extranjero?- no le aporta nada, y entre ambos no surge un ápice de carisma, o de conexión.
Aún así, es valioso el aporte del diseño de producción, de la fotografía, de la banda sonora, e inclusive las buenas intenciones de Menis, que se perciben, aunque los resultados no sean los mejores.

Percepción

2008-10-15T12:55:00.001-03:00

Hay algo de perversión en el cine de Lucrecia Martel. Va más allá de que uno como espectador no pueda salir inmune de su película. Tiene que ver con una sensación de sufrimiento, de pesar, de paciencia extrema y, también, de placer. Como artista, como cineasta, como comunicadora, encontró su lugar en el cine, lo que le da ese status de autora.
No es clásica, no es lo que llamaríamos moderna, no es moralista, ni política, ni siquiera excéntrica. Es costumbrista en su entorno (chapeau a cualquier artista que sepa explotar el contexto en el que nació y fue criado), es ambigua en sus guiones (o en su estructura, vaya a saber de qué manera escribe sus guiones), es virtuosa en sus encuadres (sus composiciones son brillantes, con algún mérito para la dirección de fotografía seguramente), y el sonido, se sabe, siempre es notable. Además, y a diferencia de Trapero o Sorín (realizadores que trabajan a menudo con actores poco experimentados con irregular resultado), Martel selecciona actores o simplemente gente de su zona junto a otros, provenientes de circuitos alternativos del teatro por ejemplo, y logra forjar elencos homogéneos y sumamente expresivos y naturales en su composición.
No obstante, tengo sentimientos encontrados con su tercer largo. Había algo genuino y resplandeciente en "La Ciénaga". Se notaba la tensión y el pulso maestro en "La niña santa"; pero siento que en "La mujer sin cabeza", la trama se diluye demasiado, y de algún modo no me alcanza con su modos operandi para contarnos las sensaciones y consecuencias de sus criaturas.
Reconozco escenas excelentes, como las de madre y cuñada sentadas en la cama con la vieja que está casi agonizando (María Vaner en su últimos y muy honrado papel), o bien el shock de Vero luego del accidente (María Onetto en su mejor momento), o los geniales diálogos encabezados por la cuñada (una desconocida y brillante Claudia Cantero).
Tuve el privilegio, se podría decir, de ver "La mujer sin cabeza" en una de las pantallas más grandes de Sudamérica, la del Gaumont, y el sonido no estaba nada mal. Por lo cual, los encuadres y las sensaciones perceptivas en el espectador se disfrutan, y algunos planos son realmente embriagadores. Probablemente la vuelva a ver pronto, seguramente encontraré otros méritos y algunas molestias más, por qué no, pero definitivamente soy conciente de que me es difícil expresar un análisis exhaustivo sobre el film en cuestión, y de algún modo me siento condicionado por la directora tras las cámaras. De momento, me queda una sensación agridulce, pero espero ansioso más películas de Martel, aunque también desearía verla en otro tipo de films, y ver cómo logra imprimir sus particularidades. Tal vez "El eternauta" sea la oportunidad, tal vez no...

El gran Scola

2008-09-18T22:42:00.001-03:00

Hoy por hoy, diría que son tres los directores que más admiración y respeto generan en mí. Uno es Clint Eastwood, sobretodo en su faceta dramática, con títulos como Million Dollar Baby, Río Místico y Los puentes de Madison, entre varias más. El otro es Adolfo Aristarain, que me conmueve tanto en sus logrados policiales, como en sus obras más personales, ya sea Roma, Lugares comunes o Martín (hache). El tercero, recientemente incorporado en mi lista, es un enorme artista italiano, aún en actividad (al igual que los otros dos), figura reconocida de la subestimada "commedia alla italiana", que ha incursionado con igual potencia en el drama, el melodrama, la comedia e inclusive el musical. Para él es este texto, para el Sr. Ettore Scola.
Director de varias capas, sabe contar una historia, ante todo, y en varias ocasiones se vale del paso del tiempo en la trama para el desarrollo completo de sus personajes. Scola ha dirigido clásicos como Nos habíamos amado tanto, La Cena o Feos, sucios y malos, le ha sacado lustre a la pista con el musical El baile, y ha sabido conmover con pequeñas historias, de enorme carga dramática a nivel actoral, dirigiendo a duplas memorables como Marcello Mastroianni-Massimo Troisi en Esplendor y en Qué hora es, o al primero con Sophia Loren, en la inolvidable Un día muy particular.
A lo largo de su carrera, han pasado por sus films los mejores actores italianos, entre ellos Vittorio Gassman, Stefani Sandrelli, Sergio Castellito, Alberto Sordi, Nino Manfredi y los ya citados, más luminarias extranjeras como Jack Lemmon y Fanny Ardant. Su último film fue en 2003, con su particular obra Gente de Roma.
Hace un par de días, vi en dvd La familia y Un día muy particular, por segunda y tercera vez, respectivamente. A ambas las considero obras maestras. La primera cuenta la historia de una familia en cuestión, a lo largo de ochenta años, pincelando los sentimientos y aconteceres de los personajes con la historia de Italia en el período que abarca el film, característica habitual en los guiones de Scola. Protagonizada por Vittorio Gassman, al film no le sobra ni le falta nada. Cada personaje está perfectamente construído, con sus particularidades y sus modos de convivir con los otros integrantes de la familia. El amor, el desencuentro, la traición, los ideales, los sueños frustrados, todo es registrado por la genial cámara de Scola, que nos deleita con sofisicados paneos y travellings a través de un enorme caserón de la época, y climas admirables en las escenas más delicadas.
Scola tiñe a sus films de nostalgia y cierta decadencia, pero también se reserva, ya sea para algunos personajes, o para los desenlaces, señales de esperanza y sensaciones de felicidad, a pesar de la dificultad diaria de nuestras vidas. De igual manera, pero en una historia mucho más sencilla y con un elenco reducido, el realizador italiano construye una hermosa historia de amor entre dos personajes completamente diferentes, a los cuales Sophia Loren y Marcello Mastroinanni dotan de excelencia actoral, en esa jornada tan particular a la que alude el título. Ella es una ama de casa frustrada y destinada de por vida a su hogar, su marido y sus seis hijos, en pleno auge del fascismo en Italia y de la alianza con el nazismo previa a la Segunda Guerra Mundial. El es un escritor algo bohemio, que esconde algunos secretos, y que coincide con ella al quedarse ambos prácticamente solos en un gran edificio de familias, la mayoría ausentes por concurrir a un histórico desfile que se sucede en las calles de Roma, en honor a la visita de Hitler. La construcción de cada personaje es perfecta, y la química y empatía que se genera entre ambos monstruos de la actuación, logra conmover hasta las lágrimas. De fondo, los acordes melancólicos del compositor Armando Trovajoli. Una pequeña gema, con escenas memorables como la discusión que ambos tienen en la terraza, mientras ella destiende la ropa ya seca, o la pudorosa y sensible escena sexual, o bien sólo las miradas de ambos, en un duelo de composición difícil de alcanzar. Scola tiene su mérito, porque se vale siempre de su dirección actoral para sacar lo mejor de sus elencos, como otros notables del asunto (Bogdanovich, Lumet, Bergman.)
A los lectores del blog, se las recomiendo ampliamente.

Sobre la muñeca inflable

2008-09-13T22:19:00.002-03:00

Otro film pequeño, de esos que han recibido elogiosas críticas, y que de algún modo han fortalecido la industria pseudo independiente del cine norteamericano. Estoy hablando de "Lars y la chica real", de reciente estreno en nuestro país, luego de un año con películas de ese estilo, como "La familia Savage", o directo en DVD "Margot y la boda", o bien anteriormente, en la temporada de los Oscar, "La joven vida de Juno", máxima representante del género,poe su repercusión, éxito y premios.
Una historia sencilla, un personaje encantador (antihéroe absoluto), una ciudad o comunidad pequeña y discreta, y un humor particular, pincelando algunos dramas de la vida cotidiana. Estas características son comunes a los citados films, incluyendo a Lars, en la piel del ascendente Ryan Gosling, aplaudido y nominado a un primer Oscar por su papel en "Half Nelson", y reconocido a partir de esa historia de amor que una buena parte del público celebró, "Diarios de una pasión", dirigida por el hijo de John Cassavetes, Nick.
Aquí, Gosling es un ser hermético, sumiso, calmo, y con tendencia al mutismo. Pero no tiene algún tipo de retraso, como algunos críticos observaron. Aislado y solitario, vive en la parte trasera de una casa familiar, con su hermano y su cuñada como vecinos. Cierto día, Lars les toca el timbre en compañía de una dama para la cena. Pero su invitada es una muñeca de tamaño real, tipo maniquí, vestida con ropa de mujer, maquillada y con un largo pelo lacio.
No es casual que tanto esta película como las citadas "The Savages" y "Juno" hayan compartido nominación a mejor guión original en los últimos Oscar. Sí lo es, que los guiones en cuestión hayan sido escritos por tres mujeres, cosa insólita en la industria.
Pero esta trama, tejida por la guionista de “Six feet under” Nancy Oliver, no tiene la suficiente emoción y reflexión presentes en Savages, ni la frescura y naturalidad tan elogiada en Juno. Es una historia particular, pero con sólo un par de escenas bien construídas, y luego bastante monotonía en diversas escenas que avanzan poco, y dispersan al espectador. Sobre la última media hora, la historia crece y termina por involucrar al espectador que ha resistido, gracias a la comprometida, difícil y más que lograda composición de Gosling, quien merecía mayores reconocimientos, y a quien habrá que tener en cuenta como uno de los actores más prometedores del panorama actual hollywoodense. El resto del elenco cumple con cierto encanto propio, dando vida a una comunidad unida, cómplice de las reacciones de un personaje fuera de lo común, y dispuesta a ayudarlo hasta las últimas consecuencias.

Miniseries y Films para TV

2008-09-08T20:01:00.001-03:00

Por gentileza de HBO, he recibido dos materiales en dvd de la última temporada de miniseries y películas hechas para televisión.
Una es la miniserie de siete capítulos titulada “John Adams”, que está nominada a seis premios Emmy, de la Academia de Televisión de los EEUU, incluyendo mejor miniserie, mejor actor y mejor actriz.
Encabezada por Paul Giamatti como John Adams, quien fuera el segundo Presidente de los Estados Unidos, considerado uno de los padres fundadores de esa patria. La película abarca primero su etapa de abogado, desempeñando los cargos de Delegado continental del Congreso y luego de Vicepresidente, militando en el Partido Federalista de los Estados Unidos. Adams apoyaba activamente la Independencia de los Estados Unidos, siendo un diplomático clave en la década de 1770. Y sentaría las bases del republicanismo, afirmando que era el núcleo de los valores políticos estadounidenses.
Laura Linney es la Sra. Adams, y el elenco cuenta con nombres de la talla de Tom Wilkinson, Stephen Dillane y David Morse. Solo vi el primer capítulo, de una hora de duración, y pude apreciar la exquisita reconstrucción de época, las sólidas actuaciones y el rigor cinematográfico presente en todo el episodio. Sin embargo, tal vez por ser el primero de siete capítulos, lo sentí algo extenso e irregular, carente aún de esa adrenalina y emoción que saben contagiar algunas producciones avaladas por una señal como HBO.
Por otra parte, la película para tv “Bernard & Doris” está basada ligeramente en situaciones de la vida real y del vínculo forjado entre Doris Duke, hija y heredera de una fortuna billonaria del magnate de las tabacaleras, y su mayordomo, quien estuvo a su lado hasta el momento de su muerte, y con quien alimentaría una relación mucho más profunda que la de empleador-empleado.
La dupla está compuesta por Susan Sarandon, como la caprichosa y temperamental Doris Duke, y Ralph Fiennes, como el fiel y sumiso mayordomo. Si bien son dos grandes actores, algo en sus interpretaciones no logran transmitir el sentimiento necesario para hacer crecer esa relación tan particular. Sarandon es una gran actriz, pero al verla da la sensación de que la hemos visto atravesar personajes similares, y entonces su labor no resulta tan interesante. Mientras que en el caso de Fiennes, su rol tiene similitudes con el del memorable Anthony Hopkins en “Lo que queda del día”, pero no sabe sacarle el suficiente provecho. Tal vez, la falta de mérito haya que recriminársela al novel director, otrora actor, Bob Balaban, quien no sorprende ni a nivel visual ni con su conservadora y clásica forma de contar esta historia pequeña.
Seguramente, y volviendo a “Lo que queda del día”, distinto hubiese sido el resultado si el film era dirigido por James Ivory, director de dicha cinta, capaz de explotar lo mejor de esos vínculos tan particulares. Porque después de todo, “Bernard & Doris” es un film para el lucimiento de dicha dupla, sostén de la sencilla trama. Se deja ver, y no mucho más.

Sobre un notable film y ciertas críticas

2008-09-01T22:56:00.001-03:00

Hace ya un par de meses, exactamente el jueves 5 de junio del corriente, llegó a los cines un filme de terror (sólo para enmarcar la película en un género, aunque sea mucho más que eso en este caso) dirigido por Frank Darabont. Me refiero a “La Niebla”, basada en la novel a de Stephen King, quien ha demostrado una gran conexión a nivel de adaptación, rigor y calidad artística de la mano de dicho realizador, a juzgar por los resultados en “Milagros inesperados” (1999) y en “Sueños de libertad” (1994).
Tuve la ocasión de verla días atrás en dvd, y lamenté no haberla tenido en cuenta en su momento, porque creo que es un film realmente valioso y muy superior al cine pochoclero, mediocre y previsible de suspense y/o terror que suele verse en las salas.
Un exquisito clima sonoro, una impecable construcción sensorial desde el lugar de refugiados en relación al fuera de campo, un elenco homogéneo, y dosis justas de adrenalina y miedo. Hablo de una trama con riesgo para la transposición a lo audiovisual, ya que aquí hay un variado número de pobladores que se encuentran haciendo compras en un supermercado cuando de repente una espesa y aterradora niebla invade la zona, dejando sin visión alguna a los grandes ventanales de la tienda. Es decir que Darabont apuesta por una historia cuya acción transcurre en la mayor parte del metraje, entre góndolas de supermercado, pero se vale de un buen manejo de actores como para desarrollar los diversos matices y reacciones de la gente que allí queda atrapada, y de la que decide salir, a costas de terroríficas consecuencias.
Pero quiero ahora hacer una corrección necesaria, pues uno es responsable de lo que escribe, y del medio en el que lo hace, y lo cierto es que cuando consulté el archivo de Página12, para ver la crítica del film en cuestión, me encontré con un texto firmado por Horacio Bernades, y un puntaje para dicho filme de 4 puntos sobre 10. Particularmente, soy un asiduo lector de algunas de sus críticas, al igual que de las de Diego Batlle en La Nación o en su sitio OtrosCines.com. No comparto muchísimas cuestiones a favor o en contra, de ambos, sobre determinados filmes o ciertos directores, pero me atraen sus prosas, y su coherencia formal y teórica del cine en general. Y me resultó muy chocante el primer párrafo de su opinión sobre La Niebla: “A fines de la década pasada, el director y guionista Frank Darabont ganaba cuatro Oscars con “Milagros inesperados”, un sancocho de trucos y efectismos clase Z con pretensiones de seriedad y mensaje New Age, reconocido a partir de una novela gráfica escrita por su amigo Stephen King.”
Ahora bien, Sr. Bernades, sepa que con total seguridad ha escrito una gran mentira, en pos de ir sumando argumentos poco convincentes para justificar su 4 como puntaje, en su empecinamiento por un filme que no lo merecía. Es decir, desde el vamos desmereció a un realizador, utilizando el lugar común de muchos “intelectuales de cine” que se valen de menospreciar a ciertos directores o películas que merecieron el Oscar. Y sin embargo, sostiene una gran mentira, pues “Milagros inesperados” no ganó ni uno de los cuatro premios a los que estuvo nominado por la Academia.
Conclusión: hay que tener más cuidado con lo que se dice, no sea cosa de que se encuentre con un lector que sabe lo suficiente sobre esos premios, y al que no es fácil engañar en pos de argumentar una crítica con bastante de saña.

Un secreto bien contado

2008-07-14T00:23:00.002-03:00

¿Dónde veo yo a un buen director? En una película como "Un Secreto". ¿Por qué? Porque Claude Miller, realizador de "Ciudadano bajo vigilancia", logra manejar con solvencia los hilos de una trama muy compleja, eligiendo no complicarse cayendo en algunos lugares comunes, y utilizando las mejores herramientas cinematográficas. No abusa de los flashbacks, sino que la historia es un constante viaje al pasado pero desde ese preciso momento, narrada sólo en determinados momentos (los imprescindibles) por uno de los personajes. Consigue notables actuaciones por parte de su estelar elenco, todos ellos renombrados y cotizados actores franceses: Cécile De France, Patrick Bruel, Ludivine Sagnier, Julie Depardieu, Mathieu Amalric. Y se vale de un excelente trabajo de montaje, de unos expresivos encuadres, y de un clima de tensión que se percibe desde el minuto uno en adelante.
Pero cuando digo que veo en "Un secreto" a un buen director, a un gran director, me refiero a que como espectador me sumerjo en los distintos puntos de vista que plantea la trama, y en ambos aprecio la calidad con que se construyen esos determinados puntos de vista. Rememoro la disfrutable experiencia de un film con un planteo similar, como me ocurrió con "Expiación, deseo y pecado", meses atrás. Lo cierto es que Miller condensa en una hora cuarenta una historia de amor, de tragedias, de encuentros y decepciones, donde más allá de los horrorosos acontecimientos históricos de la época, también juegan los factores personales, los pensamientos, deseos y sensaciones de los personajes que dan vida al film.
Dejo para el final al secreto en cuestión. Por supuesto que no aludiré a él, sólo diré que el mismo no es el fin sobre el que se ponen en movimiento los medios, sino que va de la mano junto con las acciones de los protagonistas, tejiendo una intensa historia con climas angustiantes y otros esperanzadores. Una gran película, con tempos internos absolutamente justificados, que está cerca de ser una obra maestra. Véanla en cine, ya casi desaparece.

Un pasado para olvidar

2008-07-14T00:18:00.002-03:00

Lo primero que quiero expresar sobre El Pasado, es “desconcierto”. Es que no puedo entender cómo una gran producción de varios países, entre ellos Argentina y Brasil, más el aporte de poderosas empresas, y sobre la base de una prestigiosa novela, Premio Herralde, y escrita por una de las voces más consumidas de la literatura sudamericana de los últimos tiempos como Alan Pauls, termina en una olvidable adaptación, y a cargo nada menos que de un realizador con la experiencia y el talento de Héctor Babenco.
Evidentemente, Babenco se sintió atraído por la trama de la novela, pero al momento de adaptarla, no eligió los mejores caminos. Ahora bien, hay un factor que, con otro resultado, hubiera cooperado para con un mejor film, sin lugar a dudas: los actores.
Repasemos: esta película nos habla de Rímini, un treintañero seductor, algo bohemio, con un carácter particular, y un poder para no pasar desapercibido ante las mujeres y dejar una huella profunda en cada relación amorosa. El film registra sus constantes idas y vueltas con su ex mujer, su atracción pseudo adolescente con una hermosa modelo, y su unión más madura y fructífera, luego de la modelo, con una profesional algo mayor que él. Pero siempre algo falla en sus relaciones.
Babenco elige entonces para estos roles a Gael García Bernal, cuyo único mérito es que realmente parece un porteño hablando, sin un dejo de su acento mexicano. Luego, se lo ve a la deriva, como el film mismo, bastante inexpresivo, más allá de que su rol se lo exija. Hay muchas sensaciones de esta criatura que perdemos gracias a la interpretación de Bernal, y sólo pienso en actores que hubieran sacado un mejor provecho de un rol tan rico y colmado de matices. Peor nos va con el papel de la ex mujer, el más importante entre los femeninos. Babenco quiere arriesgarse y lo cierto es que, exceptuando a García Bernal, el resto del elenco son caras practicamente nuevas para el cine. Para la ex mujer elige entonces a una gran actriz de teatro como Analía Couceyro (a quien Albertina Carri llevó primero al celuloide con Los rubios), pero el registro de su voz, y el modo en que dice sus lineas de diálogo suena realmente inverosímil. Teniendo en cuenta su talento, debería acusar entonces al mohoso guión, o a la propia mano de Babenco como director de actores. Lo mismo ocurre con Moro Anghileri (Buena vida delivery) y, en menor medida, con Ana Celentano (Las vidas posibles). Pero cuesta pensar en Babenco como el responsable de tan inexpresivas actuaciones. Estamos hablando de un director que sacó lo mejor de actores de gran nivel como Raul Juliá, y que no mostró debilidad ante dos pesos pesados como Jack Nicholson y Meryl Streep al dirigirlos en El amor es un eterno vagabundo, e inclusive el único Oscar que ganó William Hurt fue por su protagónico en El beso de la mujer araña, llevada al cine con notables resultados por Babenco.
Entonces: ¿qué pasó con El Pasado? Es una pregunta que nos podemos hacer con varias adaptaciones de novelas interesantes. Sin ir más lejos, este año ya tuvimos los magros resultados de transposiciones como El amor en los tiempos del cólera, o de Seda, titulada aquí su versión fílmica como Retrato de amor. Son las reglas del juego, y en el cine se sabe: la literatura y el audiovisual, no siempre van de la mano.

Seminario

2008-07-12T19:07:00.001-03:00

El pasado martes primero de julio, en la ENERC (Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica) tuvimos el privilegio de ser parte de un seminario de interpretación actoral, a cargo de los actores Assumpta Serna y Scott Cleverdon. Matrimonio desde 1994, ambos artistas impulsan desde el año 2000 una institución con raíz en territorio español, dedicada al análisis, la creación y el trabajo en desarrollo con el actor, pero también con el director.
Fundación First Team, creada a semejanza del prestigioso Actor’s Center de Londres, tiene como objetivo proporcionar un lugar de encuentro creativo que inspire a los cineastas a compartir información, intercambiar ideas y aprender no sólo de su técnica sino de todos los aspectos del proceso de una película o una obra de televisión. La Fundación cuenta con el apoyo de profesionales del sector audiovisual como Philip Noyce, Alsira G. Maroto, Antonio Saura, Bigas Luna, Edouard Fernández, Emma Thompson, José María Morales, Manuel Gutiérrez Aragón, Paco León, Ray Loriga.
Serna y Cleverdon llegaron a la Enerc por segundo año consecutivo, en acuerdo con la institución, para dictar este seminario del cual fuimos protagonistas exclusivos los diez estudiantes de Realización de dicha escuela. Así como el año anterior nos tocó presenciar el seminario como oyentes, en esta ocasión tuvimos la posibilidad de trabajar cada uno con un actor elegido de entre diversas escuelas de teatro de la Ciudad de Buenos Aires. Y en los sets de la Enerc, pudimos experimentar los modos de encarar un diálogo, un contexto y una situación determinada. La experiencia fue notable, y como alumnos y futuros profesionales del medio cinematográfico que pretenden dedicarse el día de mañana a la dirección, el poder trabajar con actores supervisados por ambos artistas fue una gran oportunidad, que nos deja muchas más herramientas para trabajar con el actor.
Fue un seminario intensivo, de cinco días de duración, de ocho de la mañana a siete de la tarde, y el clima que se generó en cada uno de los trabajos de las duplas actor-director fue increíble. Este fue un proyecto por el cual todo alumno de escuela de cine debiera pasar, pues enriquece a quien intenta formarse como director, pero también es sumamente valioso para un director de fotografía, para un guionista y hasta para un sonidista. Ojalá este seminario sirva como inspiración a muchos otros, que puedan recorrer las escuelas de cine de todo el mundo, porque es una experiencia que vale la pena…

El Allen de las aguas turbias

2008-06-25T11:03:00.001-03:00

Entre "Crímenes y pecados" y "Match Point", Woody Allen retoma los caminos de los pecados más atroces, llevando a sus personajes al límite, en su último film en cines, "El sueño de Cassandra." Su trama me recuerda en varios aspectos a la aún no estrenada "Antes que el diablo sepa que estás muerto", del prolífico Sidney Lumet.
Aquí, el duo protagónico son los carilindos Ewan McGregor y Colin Farrell, y debo admitir que cuando leí en su momento que el director los había elegido para su último trabajo, sus nombres sólo me hacían ruido. Si bien McGregor está correcto, su tono de voz y enunciación no siempre ayudan a construir el verosímil de su personaje. La sorpresa viene de la mano de Colin Farrell, en un rol lleno de matices que le permite explotar unas dotes actorales que otros directores del talento de Terrence Malick, Oliver Stone o Spielberg no supieron conseguir. Ambos actores dan vida a dos hermanos inmersos en problemas económicos que los llevan a recurrir más que nunca a su acaudalado tío (el notable pero por momentos sobreactuado Tom Wilkinson.) Uno cuenta con el apoyo de su novia (Sally Hawkins, actriz de talento presente en varios films de Mike Leigh), que no es conciente de los vicios de su pareja, mientras que el otro se enamora perdidamente de una mujer tan atractiva como ambiciosa (la debutante Sally Hawkins.)
Con un ritmo vertiginoso, Allen estructura la historia de modo lineal y convencional, sucediéndose los actos y sus respectivas consecuencias a lo largo de los 110 minutos, en un clima de creciente tensión, con pulso firme y seguro. Se vale para ello, además, de los acordes de Phillip Glass, ese excelente compositor al que me cuesta apreciarlo luego de la maravillosa banda sonora elaborada para "Las horas", imposible de superar. Así, por momentos, las notas no acompañan del todo las diversas acciones de los hermanos McGregor-Farrell.
Se sabe que Allen no es un director de virtuosos encuadres, sino más bien un mesurado realizador, que recurre a las puestas clásicas y convencionales. Sin embargo, y como ocurría en la reciente Match Point, en los momentos donde puede hacer uso de sus condiciones de narrador, se luce en la puesta de ciertas escenas. En este caso, la del diálogo de los hermanos con su tío bajo un arbol, con la típica lluvia inglesa cayendo sobre ellos, y la secuencia de un asesinato incluído en la trama, están resueltas del mejor modo, en todos los sentidos.

Ese infierno tan temido

2008-06-19T18:41:00.001-03:00

"Una serie de fotos fijas contrapunteadas por un timbal mostraban a Nadia Gray tirada en el piso de un lujoso apartamento, apenas cubierta por un tapado de piel, rodeada de gente que aplaudía. En seguida, Anita Ekberg bañada por las aguas de la Fontana de Trevi ante un Mastroianni extasiado. Después, imágenes de lo que suponía ser una orgía, con Marcello cabalgando a una señorita robusta, festejado por muchos. Más allá, gente rezando en un espacio abierto frente a cámaras de televisión, nobles y villanos compartiendo tragos en un castillo decadente, una imagen de Cristo de tamaño natural que sobrevuela Roma, colgada de un helicóptero, Magalí Noel disfrazada de conejita en un cabaret para gente mayor, el severo rostro de Alain Cuny mostrando una sabiduría y a la vez una tristeza infinita y la imagen final de una muchachita de rostro angelical mirando a cámara desde una playa, como pidiendo que alguien sepa cómo salir de ese infierno tan temido."

Jorge Carnevale, Revista Ñ, 5 de enero de 2008

Gracias Rocío por pasarme este fotograma increíble, que no solo es de una composición y un virtuosismo sorprendente, sino que subraya aún más la explícita descripción del crítico Carnevale sobre "La Dolce Vita", una de las obras más embriagadoras y fellinescas del realizador italiano.

En la cárcel: emoción a flor de piel

2008-06-09T02:21:00.002-03:00

El pasado año, en una clase que cursaba de Dirección de Actores, surgió el tema de Trapero y sus actores en su variada filmografía, en ese momento compuesta por cuatro filmes. Ante cierta decepción general por “Nacido y criado”, pero sobretodo la crítica expresada ante las flojas labores de los personajes de “Familia rodante”, mi profesora dijo que algo estaba mal en la búsqueda de Trapero. Y que eso se confirmaba en la idea de su próximo film: una mujer que despierta con dos hombres “asesinados” a su lado, y que debe ir a la cárcel, embarazada. En ese momento, sin saber mucho más, compré el prejuicio, y estuve de acuerdo en que algo andaba mal ultimamente con Trapero.
Este año vino Cannes, y lo cierto es que “La mujer sin cabeza”, de Martel, pintaba como fuerte candidata a entrar en competencia. Y entró, pero en un hecho histórico para nuestro cine, fueron dos las obras “en competencia”. Despacito, y callado, Trapero logró un lugar con su quinto film, recién salido del horno del montaje, bautizado como “Leonera”. Cannes pasó, no hubo premios oficiales, pero sobre el final Martina Gusmán era un rumor fuerte para el galardón a la mejor actriz. Y si los especialistas hubieran arriegado una ficha para alguno de los dos filmes argentinos, todos la hubieran puesto en “Leonera”.
Concretamente, “Leonera” es la mejor película argentina de este año, hasta el momento. Sin dudas, Martina Gusman es la gran revelación, y sus dotes ya no están en duda, como sí lo estuvieron por su labor en “Nacido y criado”. Trapero se consagra como un talentoso director nacional, y su mérito para dirigir a “no actores”, personalmente, es mayor al de Sorín.
No diré lo que ya afirmaron los críticos, aunque coincida: Trapero no cae en lugares comunes, no nos cuenta una historia sobre mujeres en la cárcel, no recurre a ciertos clichés.
Su film es sobre un personaje, con un arco de transformación ejemplar para tomar en cuenta en cualquier clase de guión. Ese personaje tiene la fuerza y la potencia de una “leona”, y Gusman sabe donde se está metiendo al aceptar componerlo. Sabe lo que busca su marido, es decir Trapero, el director. El lo sabe, mejor que nadie. Quiere contar el triste y árido panorama de una mujer que da a luz y luego cría a un niño en un lugar hostil como una cárcel.
Las guardiacárceles, algunas reclusas, las trabas judiciales y la causa pendiente son obstáculos, unos más fuertes que otros, pero secundarios en relación con esta leonera que es capaz de todo por un hijo.
Brillante la actuación de la amiga y compañera de celda, una dignísima “no actriz”. Naturales y expresivas cada una de las mujeres que aparecen en escena. Impecables los rubros técnicos, y sólido el guión, escrito por Trapero y por los directores de “El Amor. Primera Parte”.
“Leonera” vale por la secuencia en que los niños del pabellón van al jardín de infantes improvisado allí. Vale por algunos travellings como el que nos sitúa en el pabellón en los primeros minutos del film, cuando la guardia toma asistencia y vemos que las reclusas dan un paso adelante con sus panzas a cuestas. Vale por Gusman, vale por los no actores, y vale porque a lo largo de casi dos horas nos mantiene en vilo, despertando la ternura, la emoción, la tristeza y el desamparo que puede sentir un ser humano, más allá de los pecados cometidos. Que todas esas sensaciones vibren en el espectador, con un contexto como el de una cárcel, habla a las claras de una película con todas las letras.

Entre dar la vuelta e irme al carajo

2008-06-09T01:19:00.002-03:00

Ambivalentes sensaciones las de este fin de semana. Primero fue “S.O.S.Ex”, y luego vino “La ronda”.
Primero lo primero: Tambornino, no te comprendo. Pienso y analizo, y no entiendo cómo lográs filmar un guión tan endeble, una idea que parece interesante, pero que destruís a los cinco minutos de arrancado el film. Ya en tu debut (aunque fue compartido con Rodrigo Moreno y Ulises Rossell, quienes filmaron “El custodio” y “Sofacama” respectivamente, las cuales me gustaron), en esa ópera prima llamada “El descanso”, me hicieron ruido muchas cosas.
Por otra parte, dejame elogiar al menos tus contactos: no sólo conseguís financiación de tu escuelita (generoso Don Antín) y del INCAA (ay chicos, chicos), sino que además te hacés un lugarcito en la competencia oficial nacional del último Bafici, lugar que con más mérito pudieron ocupar “La rabia” o “Cordero de Dios”.
Ahora, además de los insufribles ochenta minutos a la vera del río, tormenta va, solcito viene, dirigís a dos potentes actrices del cine nacional con una pereza que irrita. Porque sino, ¿cómo se explica lo incómoda que se siente con cada línea que debe decir Ana Celentano, o bien lo ridícula que queda Camila Toker con las carcajadas que supuestamente caracterizan a su personaje? Por si fuera poco, el eje del relato está centrado en Pablo Ribba, un actor del que no dudo que puede dar más, pero que aquí da vida a un supuesto galán que le baja la caña a cualquiera, inmaduro y cliché, y de pronto sale con una confesión que intenta conmover, pero que a esa altura el film ya naufragó. Y el cuarto personaje, un actor oriental, no me explico cómo llego ahí. No es que sea un xenófobo, ni que me moleste la arbitrariedad del guión en que uno de los cuatro personajes sea extranjero, el tema es que actúa mal, y ni les cuento cuando se enoja…
Una de esas decepciones que sirven para alimentar a aquellos que defenestran al cine argentino.Aquí no los puedo ayudar, pero les aseguro que el panorama no es tan caótico.
Y luego de dicha advertencia, paso al segundo film. En este caso, a vos te digo Inés Braun, me pareció correcta y válida tu intención para con el género dela comedia. Tu ronda es desigual, y más allá del simple y concreto guión, lo irregular del círculo puede atribuirse a algunas actuaciones.
A ver: Sofía Castiglione abre la ronda. Es simpática, natural, y buena anfitriona. Se nota que te enamoraste de ella frente a cámara, pero su personaje no es tan interesante. Como sí lo es el de Mercedes Morán, una actriz con registros comunes a otros trabajos suyos, pero con un par de frases que siempre suenan bien en sus diversos roles, y nunca resta, su actuación suma en matices e interés sea cual sea el film en cuestión. Ahora, Fernán Mirás se la lleva a marzo. Su participación es mediocre, ni más ni menos. Leonora Balcarce está correcta, y su presencia también suma en general. Finalmente, como frutilla del postre, y del film, la revelación es el actor de teatro y dramaturgo Rafael Spregelburd. Ha nacido un comediante. Notable.
Con ellos a bordo, “La ronda” se aprecia y se disfruta en sus noventa y cinco minutos. Solo te pido, Inés Braun, mayor compromiso en tu próxima película. Pero confío en tu oficio.

Antes que el diablo se lleve a Lumet

2008-06-09T01:15:00.002-03:00

Sidney Lumet es un señor director que podría estar simplemente disfrutando de los suyos y de los placeres de la vida. Pero como además es un señor artista, tiene inquietudes, a sus ochenta y pico abriles. Y al ser un señor artista, conserva su don de gran tejedor de historias, ese don de narrador brillante que lo ha llevado a la cima en Hollywood, ícono y ejemplo reconocido de las nuevas generaciones de cineastas.
Lumet, al igual que en su momento unos de sus admiradores (don Scorsese), tampoco recibió jamás el Oscar al mejor director. Tuvo la oportunidad en cuatro ocasiones. Observen nomás estos títulos y estas duplas: “Veredicto final”, con Paul Newman y Charlotte Rampling. “Tarde de perros”, con Al Pacino y John Cazale. “Network”, con Faye Dunaway y William Holden. Y, finalmente, “Doce hombres en pugna”, con Henry Fonda y Jack Warden. Es decir que al leer esto, uno deduce pronto y seguro que el Sr. Lumet ha sido un gran director de notables historias, y un enorme director, de actores.
En “Antes que el diablo sepa que estás muerto”, Lumet elige a un guionista fresco y novato de la industria, que le ofrece una intensa historia con varios giros y posiciones enfrentadas. Sidney, fiel a su estilo, confía esa trama a una dupla riquísima, conformada por Phillip Seymour Hoffman y Ethan Hawke. El primero, para variar, brilla y resplandece. El segundo, para no ser menos, y porque sabe que su director va a afinar sus mejores cuerdas interpretativas, se luce a la par, y su trabajo puede considerarse el mejor en su filmografía.
No conviene saber mucho de la trama, pero sí vale adelantar el planteo inicial: la dupla citada son dos hermanos que hacen agua en varios aspectos. Uno parece un desalmado, y el otro actúa como un vulnerable. Planean un robo, y el mismo ocurre en la primera parte del film. Pero el montaje y las lineas narrativas nos harán regresar al hecho en reiteradas ocasiones (y no literalmente), cada vez más interesantes, y menos convencionales en este tipo de historias.
El film es decididamente original, y Lumet sabe correrse de varios lugares comunes, para demostrar, una vez más, que detrás de cámaras, y más allá de virtuosos encuadres o no, hay un autor, y un sello. ¡Viva Lumet!
Pd.: la distribuidora viene postergando el estreno en nuestros cines, pero varios la habrán apreciado en las dos funciones a sala llena del último Bafici. Yo la alquilé en una DVDteca de futuros estrenos, harto de esperarla.
Pd.2: la Academia ni siquiera tuvo en cuenta al talentoso guionista debutante. Ni pudieron ver en “Antes que el diablo…” un thriller mucho más rico e intenso que el sobredimensionado “Michael Clayton”.
Pd.3: no se lleven a Lumet, ni Dios ni el Diablo, pues aún tiene polenta, y sabe qué hace falta para hacer digno al séptimo arte.

Un viaje de ida

2008-06-01T22:03:00.000-03:00

Me pasan dos cosas con el cuarto trabajo de Sean Penn tras las cámaras. La primera es que como realizador, lo encuentro más interesante a nivel narrativo en su film anterior, “Código de honor”, en el que percibo su ritmo y su enérgica dirección, cómodo en las aguas de un thriller. Entonces, al ver “Hacia rutas salvajes”, por momentos me disperso, y siento que se enamoró demasiado de la historia y de sus paisajes, descuidando por momentos la trama. Lo segundo es que se rodea de un excelente equipo, desde la fotografía, el montaje, el sonido, la banda sonora y el elenco. Y, como realizador, sabe explotar lo mejor de cada área, en pos de una trama muy atractiva para ser llevada al cine.
A lo largo de unas extensas dos horas y media, Penn recurre a al drama, la comedia, las citas literarias, las imágenes de videoclips y las tragedias humanas. Y si bien su película no siempre nos mantiene en vilo, sí consigue un sobresaliente nivel visual. Penn logra que cada uno de los planos, y ésta es una película colmada de planos detalle y de grandes planos generales, posea una riqueza y una composición tan bella como embriagadora, que mereciera ser vista en una gran pantalla, privilegio que no conseguimos aquí, ya que el film se editó en abril directamente en dvd.
En cuanto al nivel actoral, Emile Hirsch (un actor casi desconocido pero camino a convertirse en estrella hollywoodense que suma belleza y talento en dosis justas) está presente en casi todas las escenas, y consigue una dignísima actuación, y en los momentos más comprometidos sabe brillar y conmover. Virtudes extendidas a actores consagrados como Marcia Gay Harden, Hal Holbrook (la escena en que despide al personaje de Hirsch es de lo mejor del film), Catherine Keener y William Hurt.
La última media hora revive el espíritu del film, y el desenlace consigue conmover, sin golpes bajos ni resoluciones fáciles. Tal cual fue en la realidad, porque el viaje de este joven que tenía todo para armar un futuro brillante y opta por un viaje espiritual sin retorno fue real, y Penn sabe honrarlo, avanzando un paso más como virtuoso director de cine.

Encantadora federación

2008-05-31T22:25:00.002-03:00

Federación es un pueblo de la provincia de Entre Ríos que en los años setenta fue demolido e inundado, para la construcción de la represa de Salto Grande, por lo que sus habitantes debieron trasladarse en su totalidad a un nuevo territorio, cercano al anterior.
El excepcional y casi inverosímil hecho de trasladar un pueblo entero cual pieza de rompecabezas resulta, más allá de lo referido al análisis sociocultural y político, tan pintoresco como fantástico, en el sentido literal de la palabra. Por ello ya es un primer acierto el del realizador Nestor Frenkel, al enfocarse en las historias de los habitantes que al mudarse sienten un lógico desarraigo, cierta impotencia y hasta diría que varios, hoy día, pueden sentirse como actores sociales fundamentales de un proyecto que pudo haber resultado mucho más nocivo y cruel en comparación con el contexto actual. Es que Frenkel no sólo nos va a presentar a varios vecinos para que seamos partícipes de sus penas y nostalgias, sino que junto a ellos vamos a recorrer una y otra vez esa reconstrucción del pueblo de Federación, transformado hoy en un punto turístico de gran afluencia por el descubrimiento de las aguas termales.
"Construcción de una ciudad" es un fresco notable, con reminescencias de ese gran documental llamado "El cielo gira", de Mercedes Alvarez, en el cual también era un pueblo el contexto y eje central de varias historias de vida. Lo que logra en este caso Frenkel son pinceladas de sincero humor, de elogiable comedia, y no pocos momentos conmovedores. El modo en que elige (con un impecable trabajo de montaje) registrar a los habitantes, los testimonios que obtiene, las caras y los gestos que explota le dan al film una calidez y una simpleza entrañables.
Frenkel ya se había mostrado ducho en este tipo de trabajos, apreciable en su primera labor documental de "Buscando a Reynols".
Sin duda, vale la pena y, por estos días, el Malba es un buen lugar para encontrarla. No se van a arrepentir.

Lo que perdimos en el camino

2008-05-18T21:52:00.001-03:00

Acaba de estrenarse directo en dvd el nuevo film de la danesa Susanne Bier, directora de dramas desgarradores como “Hermanos”, “Te quiero para siempre” o “Problemas de familia”, financiado por primera vez en su carrera por los Estados Unidos nada menos que por DreamWorks. Luego de recibir una nominación al Oscar por mejor film en idioma extranjero gracias a “Despues de la boda” (2007), Susanne Bier empezó a ser considerada como una interesante directora de melodramas y de historias trágicas, y fue Sam Mendes (Belleza americana) quien produjo su nuevo opus, “Cosas que perdimos en el camino”.
Halle Berry como una joven viuda que establece poco a poco una relación con el mejor amigo de su marido, un adicto a la heroína en la piel de Benicio Del Toro, y dos niños muy naturales y bien dirigidos, hijos de Berry y su fallecido esposo (el niño es el hijo de Berry en la realidad) son los protagonistas de esta interesante película de personajes conflictivos y sin rumbo.
El acierto de Bier es no llevar la historia en torno a las confusiones sentimentales de los protagonistas, y establecer el clásico dilema moral de hacerle o no caso al corazón cuando hay un ser querido fallecido recientemente. Por el contrario, lo interesante es cómo cuenta esa relación entre estos dos seres a los que sólo lo unía ese ser querido que ya no está.
Bier dirige muy bien, no sólo a todo el elenco (Halle Berry y Benicio Del Toro se lucen en sus roles) sino también a través de notables planos detalle, y encuadres muy bellos, sin perder jamás el sentido del relato.